Projeto Attitude!

Parque Trianon

2011-09-20T19:11:00.001-07:00

O ritmo acelerado de uma metrópole como São Paulo, por muitas vezes torna-se estressante e desgastante, principalmente quando citamos a região da Avenida Paulista, considerada um dos principais centros financeiros do país, devido à grande quantidade de sedes de empresas, bancos, hotéis, edifícios e mais edifícios, além da movimentação diária de milhares de pessoas, vindas de todas as regiões e municípios e o trânsito caótico de um dos logradouros mais importantes do eixo viário da cidade, ligando importantes avenidas como a Dr. Arnaldo, Rebouças, Nove de Julho, Brigadeiro Luís Antônio, 23 de Maio, Consolação e Angélica. Nesta selva de pedra, parece dificil encontrar um local tranquilo para relaxar, enquanto fica-se em contato com a natureza.

Mas este lugar existe?!?!... Sim, é uma ilha urbana, com mais de 48 mil m², em meio à agitação da Avenida Paulista. O Parque Tenente Siqueira Campos, mais conhecido como Parque Trianon, é a única reserva restante de mata atlântica da região, servindo de lazer e descanso para as pessoas que vivem e trabalham ao redor do parque. Realmente uma ótima opção, para quem procura um bom lugar a caminhar, ler, conversar ou simplesmente sentar nos bancos de madeira, espalhados por toda extensão do parque. Também há um excelente espaço para a família curtir, com áreas de recreações para as crianças, aparelhos de ginástica, pista de corrida para os adultos manterem a forma ou simplesmente, namorar enquanto observasse as paisagens.

O parque foi inaugurado em 03 de abril de 1892, atendendo ao processo de urbanização da cidade de São Paulo, sobre a responsabilidade do paisagista francês Paul Villon, criador dos jardins do Palácio do Catete. Naquela época, os aristocratas detentores das grandes plantações de café, eram influenciados pelo romantismo europeu do século XIX e, dessa forma, o parque foi idealizado para ganhar ares de um jardim estilo em inglês, sendo freqüentado pela intelectualidade paulistana, transformando-se no símbolo de riqueza da elite e por muitos anos servindo de palco para muitas festas, bailes e eventos culturais da alta sociedade, que passaram a morar na região nobre da cidade.

O nome Trianon surgiu de um antigo clube de mesmo nome, construído entre 1911-1914, que ficava em frente ao parque. No ano de 1924, o parque foi doado à prefeitura, e, em 1931, recebeu sua denominação atual em homenagem a um dos heróis da Revolta Tenentista, Antônio de Siqueira Campos. Em 1951, o clube foi demolido para dar lugar a um pavilhão, onde foi sediada a primeira edição da Bienal Internacional de São Paulo, mais tarde passou a ser chamado de MASP (Museu de Arte de São Paulo), projeto de Lina Bo Bardi. A partir dessa data, o Parque Trianon, entrou em abandono até 1968, quando o prefeito Faria Lima, convidou o paisagista Burle Marx e o arquiteto Clóvis Olga para recuperá-lo.

Atualmente o parque é tombado pelo CONDEPHAAT e pelo CONPRESP, possui em seu interior alguns atrativos, como a estátua do Fauno de Vítor Brecheret, um viveiro de aves, alamedas pavimentadas com pedras portuguesas em forma de mosaico, fontes, chafarizes, árvores antigas de tamanho gigantesco como cedro e pau-ferro, árvores nativas que originalmente cobriam toda a região. É uma floresta composta por gigantescas espécies de árvores que atingem diâmetro de tronco superior a um metro, como a sapopemba, o jequitibá-branco e o jatobá. São encontrados ainda no Parque tapiá-guaçú, palmito, jatobá, sapucaia, açoita-cavalo, bico-de-pato, chichá, pau-de-tucano, vinheiro e jequitibá-branco.

Nos finais de semana, também ocorrem outras atrações para os freqüentadores do parque. Aos domingos se apresentam músicos, cantando um repertório refinado dos grandes nomes da MPB e, no imenso calçadão do lado externo acontece a Feira de Artesanatos do Trianon (nas sextas e domingos), espaço onde artesãos e artistas plásticos expõem seus trabalhos manuais em stands e barracas, oferecendo as diversidades dos artesanatos e obras, para que, os visitantes possam encontrar enfeites, velas, bijuterias, quadros, roupas, sabonetes, incensos e objetos esculpidos em madeira, entre outras curiosidades. Para quem procura descansar e distrair, com certeza o Parque Trianon é uma ótima opção.

Visite

Endereço: Rua Peixoto Gomide nº 949 – Cerqueira César

Telefone: + 55 11 3289-2160

Entrada: Gratuíta

Horário: todos os dias, das 06 às 18 horas

Maníaco do Trianon

Entre 1986 a 1989, o parque ficou conhecido como ponto de prostituição masculina, envolvendo garotos que prestavam serviços a clientes gays bem-sucedidos, que moravam sozinhos na região. Neste mesmo período, ocorreram treze assassinatos de homossexuais, vítimas de Fortunato Botton Neto, um serial killer que atuava nas imediações, como garoto de programa. Quando foi preso, confessou seus crimes em detalhes. Depois de combinar o preço do programa, ele seguia para o apartamento das vítimas, onde bebia com elas até que ficassem totalmente alcoolizadas. Amarrava os tornozelos e os pulsos, amordaçava e matava por estrangulamento, golpes de faca ou chave de fenda. Fortunato foi condenado e morreu na prisão em fevereiro de 1997, de broncopneumonia decorrente da Aids.(ok)

Manoel (Mané Gago)

2011-07-31T19:21:00.000-07:00

Manoel partiu de um pequeno município de Minas Gerais, com o sonho de vencer em São Paulo. Começou trabalhando como indicador no cinema (mais conhecido como lanterninha), depois como alfaiate e logo em seguida foi garçom em restaurantes freqüentados pela elite paulista e de grandes artistas da época, como Elis Regina, Jair Rodrigues, Raul Gil entre outros. Deslumbrado com a nova vida numa cidade grande, passou a querer muito mais. Sua ambição e curiosidade, o fez aproximar-se de pessoas mal intencionadas, que mostrou-lhe o caminho da criminalidade.

Não perdurou por muito tempo as suas contravenções e logo Manoel acabara detido e condenado a 209 anos de prisão, pela pratica de inúmeros assaltos a mão armada. Encaminhado para a Casa de Detenção, com mais de 8 mil encarcerados, uma cidade dentro de outra cidade e com regras impostas pelos próprios presos. Um ato mal interpretado pode custar à própria vida de um individuo. Era dito que quando não havia barulho nos pavilhões, era motivo de preocupação, algo de errado estava para acontecer e sempre acontecia, por isso, na cadeia quanto mais barulho, melhor!

Enquanto cumpria sua pena, Mané Gago (como era conhecido) utilizou de suas aptidões de alfaiate, para fabricar os tradicionais uniformes dos presos, foi dele a idéia de fazer as calças beges, com elástico na cintura. Também teve permissão de desenvolver a pratica de esporte, utilizando a capoeira e o boxe como atividades para ocupar o tempo dos detentos. A noite escrevia tudo que acontecia, com a intenção de um dia fazer seu livro, que ele chama de "Gritos da Alma!". “Você pode gritar pra Deus, pra sua família, pra quem for. Aqui ninguém te escuta. São gritos da alma!”, diz Manoel.

São muitas as histórias de rebeliões, fugas e mortes, porém no dia 2 de outubro de 92, acontece um episódio que marcou para sempre na sua vida. Durante uma partida de futebol, ocorre uma briga entre presos no pavilhão 9 e inicia-se mais uma rebelião. A Polícia Militar, liderada pelo coronel Ubiratan Guimarães, foi chamada para controlar as manifestações no presidio, mas acabou realizando uma verdadeira chacina no local, que ficou conhecida como o Massacre do Carandiru, onde morreram 111 presos. Sobreviventes garantem que o número de mortos é bem superior.

Após cumprir 22 anos de reclusão no maior presídio da America Latina. Mané Gago é libertado em 97 e desde então, tem procurado recuperar seu tempo perdido ao lado do seu filho, presta serviço voluntário orientando pessoas leigas nos processos jurídicos no fórum e continua escrevendo suas lembranças da vida prisional, na esperança de um dia lançar seu livro intitulado de Gritos da Alma. Já foi convidado pelo falecido repórter Marcos Uchoa, a voltar ao Carandiru, para uma matéria do Fantástico antes da implosão e depois foi tema de um curta metragem em 2005, sendo seu vídeo classificado em 3.º lugar. (ok)

O Prisioneiro da Grade de Ferro

É um documentário que retrata a realidade dos presos no Carandiru, expondo principalmente as condições sub-humanas das quais os detentos estão submetidos. A idéia de filmar a intimidade carcerária, surgiu de uma espécie de oficina que o documentarista Paulo Sacramento e sua equipe realizaram na Casa de Detenção de São Paulo, em 2001, um ano anterior a implosão do presídio. Durante o curso, alguns dos encarcerados aprenderam a usar o material de filmagens e foram selecionados, para fazer o registro de suas próprias rotinas no maior presídio da América Latina.

Apesar do ambiente tenso e superlotados de assassinos, estupradores, ladrões, entre outros. Os presos abriram as suas celas, para que, a equipe de produção pudessam percorrer pelos corredores dos pavilhões, e ver de perto como os detentos fabricam suas armas, destilam cachaça, empacotam drogas e detalham métodos de tráfico. Esse livre acesso cruzando todo o complexo do Carandiru, foi fundamental para o realismo das filmagens, bem diferente como descreviam Dráuzio Varella e Hector Babenco. E nenhum livro ou filme de ficção mostra corpos dilacerados a punhaladas como as cenas clicadas pelo "fotógrafo" oficial do Carandiru. (ok)

Instituto Butantan - Parte 2

2010-09-06T16:29:00.000-07:00

Em 23 de Fevereiro de 1901, foi inaugurado oficialmente o Instituto Butantã, um centro de pesquisa biomédica localizado no bairro do Butantã, na cidade de São Paulo, sendo responsável pela produção de mais de 80% do total de soros e vacinas consumidos no Brasil. Recentemente, o instituto tem sido auxiliar no combate à gripe H1N1, pois é o órgão publico responsável pela produção da vacina a partir de amostras fornecidas pelo laboratório francês Sanofi Pasteur. É também um importante ponto turístico, contando com três museus (Biológico, Histórico e Microbiológico), serpentário, biblioteca e um imenso parque ecológico, que chama atenção da maioria dos visitantes, devido à grande quantidade de espécies raras de árvores, além do Hospital Vital Brazil.

Museu Biológico

O acervo do Museu Biológico praticamente começou com Vital Brazil e principalmente com a coleta de serpentes entregues na instituição pela população. Desta forma, Vital Brazil deu início a uma atividade de divulgação, convidando os moradores da região para conhecer as cobras, seus venenos, o efeito destes venenos, o modo de captura e a prevenção de acidentes. Desde 1966, o museu esta instalado no antigo prédio da cocheira de imunização, construído em 1920. A partir desta data o museu passou a apresentar seu acervo exibe mais de 80 exemplares vivos, entre vários espécies de serpentes peçonhentas e não peçonhentas, lagartos, escorpiões, aracnídeos, além de alguns peixes e tartarugas. Cada vez mais o museu consolidando-se e afirma seu caráter educativo e cultural, sem perde de vista as atividades científicas, que marcaram sua criação.

Museu de Microbiologia

Foi inaugurado em Fevereiro de 2002 faz parte do complexo científico do Instituto Butantan. No local, os visitantes têm a oportunidade de observar protozoários se mexendo em uma gota d’água não-tratada e células sanguíneas através das lentes de um microscópio profissional, manipular os aparelhos para enxergar os microorganismos ou então visualizar sua imagem reproduzida em uma tela grande, modelos gigantes de vírus, bactérias, fungos e protozoários ajudam o visitante a ter uma noção de como são os microorganismos presentes no corpo e no ar, como o vírus da gripe. É uma verdadeira viagem interativa, no mundo escondido dos microrganismos, estimulando cada vez mais a presença do público e ainda promovendo um maior entendimento das pesquisas cientificas em geral e de divulgação das atividades desenvolvidas pelo Instituto.

Museu Histórico

O espaço reproduz o ambiente do laboratório original fundada em 1981, local onde o Doutor Vital Brazil iniciou suas primeiras pesquisas. Apesar da impropriedade das instalações, este laboratório improvisado numa cocheira para cavalos, teve a sua primeira produção do soro antipestoso em 11 de junho de 1901 e a 14 de agosto do mesmo ano surgem os primeiros soros antipeçonhentos. Para manter a história do laboratório, foi criado um acervo composto de equipamentos, utilizados pelos pesquisadores do Instituto ao longo de sua trajetória, como móveis do início do século XX, tem uma mesa trazida da França no início do século, cujo tampo foi feito de lavra vulcânica documentos, microscópios, estufa de parede de 1910 e plantas da mata atlântica conservadas a mais de 100 anos em óleo vegetal. Há também painéis e fotografias que contam a história da Instituição.

Serpentário

O Serpentário foi inaugurado em 1914, com a finalidade de abrigar os animais enviados a instituição. Local onde se realizava as extrações dos venenos das cobras necessários para produção de soro. Com a pesquisa do DNA desses animais, a prioridade inicial do Instituto era produzir soros antivenenos com especificidade para serpentes de toda América do Sul. O Serpentário também atende a duas finalidades: local onde simula uma ambientação natural para preservação dos diversos tipos de cobras e ao mesmo tempo de atração ao público visitante, principalmente as escolas que trazem alunos para atividades realizadas todas as quintas-feiras das 14h30 as 15h30, em frente ao serpentário, com monitores que promovem aos visitantes o contato com as serpentes da fauna brasileira, com o objetivo de gerar uma educação ambiental, explicando sobre seus comportamentos e o que fazer em casos de acidentes com esses animais.

Incêndio no Instituto Butantan

No dia 15 de maio de 2010, um incêndio causou a destruição do maior acervo de cobras do país, foi um desastre de proporções incalculáveis e cujos danos indicam a perda de um patrimônio insubstituível da história biológica brasileira. As chamas atingiram o prédio onde cientistas faziam pesquisa com cobras, aranhas e escorpiões. Estima-se que mais de 70 mil espécimes de serpentes, além de mais de 450 mil espécimes de artrópodes, entre escorpiões, opiliões, miriápodes e aranhas que estavam conservadas em solução de álcool 70% ou a seco. O material coletado em mais de 100 anos foi perdido, acredita-se que após uma perícia e análise dos cientistas, possa ter alguma porcentagem do acervo a ser recuperada. As causas do incêndio ainda estão sendo apuradas, esta sendo realizada uma perícia no local para determinar o que pode ter provocado o fogo. (ok)

INSTITUTO BUTANTAN

Endereço: Av. Vital Brasil, 1500 – Butantã

Quando: Terça a Domingo, das 9 às 16:30 horas

Ingressos: R$ 6 (adultos) e grátis crianças até 7 anos

Informações: 3726-7222 ramal 2166
Site: www.butantan.gov.br

Instituto Butantan - Parte 1

2010-09-05T16:03:00.000-07:00

Vital Brazil

(Impossível falar do Instituto Butantã, sem descrever a importância de Vital Brazil para a entidade)

Em 1898, acontecia uma epidemia de peste bubônica no Porto de Santos. Temendo um descontrole e o alastramento da doença em direção a capital paulista, o governo convocou o Instituto Bacteriológico, chefiado pelo diretor Adolfo Lutz, que disposto a resolver o problema, reuniu uma equipe da qual participava o medico clinico Vital Brazil. Diagnosticado a doença foi criado um plano para controlá-la, no entanto, devido principalmente à expansão da cafeicultura, os trabalhadores rurais (na maior parte imigrantes) viam-se freqüentemente submetidos a acidentes ofídicos. As serpentes venenosas transformavam-se em um grande problema que, juntamente com a peste bubônica, atentava contra o desenvolvimento de São Paulo.

Após atender a vários casos de envenenamento ofídico e considerando um número significativo de óbitos, devido às picadas de cobras peçonhentas, como a cascavel e a jararaca, Vital Brazil, decide pesquisar sobre o ofidismo, tema até então pouquíssimo conhecido. O extenso trabalho que desenvolveu pesquisando esse assunto fez surgir a necessidade de preparo dos primeiros soros contra picadas de cobras. A urgência de uma solução fez o Presidente de São Paulo, Coronel Fernando Prestes de Albuquerque, escolher um local distante do centro da cidade, para instalar a produção de soros. Sendo assim, foi escolhida a Fazenda Butantan (palavra de origem tupi-guarani que significa "terra duríssima"), comprada do Dr. Arnaldo de Oliveira Barreto.

No ano seguinte, em 1899, essa instalação transformou-se em instituição autônoma - chefiada pelo doutor Vital Brazil - então denominada "Instituto Serumtherapico do Estado de São Paulo", na época um estábulo de fazenda onde o desconforto compartilhava com o ambiente insólito das instalações - as vacas eram ordenhadas bem ao lado dos médicos. Depois de alguns anos de pesquisa, Vital Brazil percebeu que a única forma de combater o envenenamento ofídico era o anti-veneno específico, ou seja, soro obtido a partir do veneno do próprio animal peçonhento que causou o acidente, neste caso, a cascavel e jararaca - as duas espécies que mais matavam no Brasil, rapidamente Vital Brazil, especializasse no conhecimento herpetológico (anfíbios e répteis), bem como na produção de soros anti-ofídicos, tornando-se pioneiro no assunto.

Durante 20 anos, Vital Brazil dirigiu o Butantan consolidando o nome como a mais importante instituição de pesquisa biomédica do Estado de São Paulo, e uma das maiores do Brasil. Depois da missão cumprida Vital Brazil, resolve mudar-se com a família para Niterói/RJ, onde fundou o Instituto de Higiene, Soroterapia e Veterinária, hoje Instituto Vital Brazil, voltado à preparação de medicamentos, soros e vacinas para picadas de cobras, aranhas e escorpiões. Também escreveu três obras fundamentais: Contribuição para o Estudo do Envenenamento Ofídico (1901), um catálogo com a descrição das principais espécies venenosas brasileiras; Tratamento do Ofidismo (1903); e O Ofidismo no Brasil (1906), até hoje um importante manual sobre o assunto. No dia 08 de maio de 1950, falece aos 85 anos.

Tipos de acidentes por serpentes peçonhentas

Acidentes botrópicos, ou seja, aqueles causados por jararacas, têm ação hemorrágica, coagulante e proteolítica. O paciente sente dor no local, este que pode apresentar edemas; tem sangramentos e pode apresentar náuseas, vômitos, sudorese e hipotensão arterial. Neste caso, é utilizado o soro antibotrópico.

Acidentes crotálicos (cascavéis) têm como características ações do tipo neurotóxicas, miotóxicas e coagulantes. A pessoa atacada poderá ter visão duplicada, náuseas, dores musculares e urina de cor escura. A dor é pequena ou pouco intensa, e nem sempre há formação de edemas. Deve ser utilizado o soro anticrotálico.

Acidentes laquéticos, provocados pelas surucucus, têm manifestações proteolíticas, coagulantes, hemorrágicas e neurotóxicas. O paciente tem sintomas semelhantes ao acidente botrópico, e também tem visão dupla, dilatação da pupila e diarreias. É necessário o uso do soro antilaquético.

Acidentes elapídicos (corais) têm ação neurotóxica. O paciente tem dor local discreta e pode ter episódios de vômito e fraqueza muscular progressiva. Nestes casos, utiliza-se o soro antielapídico. (ok)

acesse também o site http://www.museuvitalbrazil.org.br/

O zagueiro que parou Pelé

2010-07-31T23:57:00.000-07:00

Em pleno período da ditadura, no dia 6 de março de 1968, o estádio do Pacaembu foi palco de uma das partidas mais emocionantes da história do futebol, um verdadeiro clássico alvinegro, em jogo valido pelo Paulistão, o torneio mais importante da época. Depois de 11 anos, considerando 22 partidas sem ganhar do rival – somente em confrontos validos pelo Campeonato Paulista - o time do Corinthians, finalmente vence e quebra um tabu que vinha desde 1957, quando o Timão conquistou a Taça dos Invictos e jogou pela primeira vez contra o Rei Pelé.

Mesmo não sendo um jogo final de campeonato (logo depois vencido pelo próprio Santos), O Corinthians entrou em campo com: Diogo, Osvaldo Cunha, Ditão, Luis Carlos, Maciel, Edson Cegonha, Rivelino, Buião, Paulo Borges, Flávio e Eduardo, com a difícil missão de superar, até então, o imbatível time do Santos com: Cláudio, Carlos Alberto Torres, Ramos Delgado, Joel, Rildo, Lima, Negreiros, Kaneko, Toninho Guerreiro, Edu e Pelé.

O Santos contava com um time melhor, porém o time da raça ganhou o jogo por 2 X 0, com gols de Flavio e Paulo Borges, fazendo a alegria contida da fanática torcida corintiana, que lotava toda dimensão do estádio do Pacaembu. Ao final da partida, torcedores loucos e apaixonados invadiram o campo e carregaram seus heróis, como se tivessem conquistado um título, gritando e cantando: "Com Pelé, Com Edu, nós quebramos o tabu" e “um, dois, três, o Santos é freguês”. A cidade de São Paulo, literalmente parou para comemorar esse grande feito.

Apesar da torcida eleger Paulo Borges, como herói do jogo devido a sua importância pelo segundo gol, o grande destaque da partida foi o quarto-zagueiro Luiz Carlos, que fez uma marcação implacável em Pelé, inclusive sendo elogiado e reconhecido pelo próprio Rei, como um dos melhores marcadores que enfrentou. Vale ressaltar que esse foi o primeiro jogo do defensor corintiano contra o time da Vila Belmiro. Mesmo atuando sobre pressão para a quebra do tabu, o então garoto Luiz Carlos, não se intimidou e foi brilhante em campo.

Jogador de estilo clássico, Luiz Carlos Galter – seu nome de batismo – começou sua carreira com 15 anos nas categorias de base do Corinthians. Passou pelos infantis, juvenis e aspirantes onde foi tricampeão 1965/66/67, logo em seguida subiu para o time principal. Era um atleta muito dedicado, jogava com tamanha vontade, que logo se tornou querido pela torcida e um dos lideres do time corintiano. Muitas vezes foi escolhido como o melhor quarto-zagueiro do Corinthians de todos os tempos.

Defendeu o time profissional alvinegro de 1967 a 1974, e no mesmo ano se transferiu para o Flamengo contra sua vontade, pois queria encerrar sua carreira no time do coração. Também se destacou no rubronegro sendo campeão carioca daquele ano. Além dos dois maiores times do Brasil, Luiz Carlos, atuou no Operário de Campo Grande, em 1975, onde foi campeão sul-matogrossense e encerrou sua carreira em 1976, como campeão paranaense pelo Coritiba.

Pela seleção Brasileira, teve raríssimas oportunidades, chegou a ser convocado para participar da Copa de 1970, mas jogou apenas uma partida, pois, acabou sofrendo uma contusão no joelho e ficou dois meses parado. Em 1974, vivia um bom momento na carreira atuando pelo Flamengo, quando foi escolhido como o melhor quarto-zagueiro do campeonato carioca. Mas como já havia brigado com o técnico Zagallo, acabou não sendo “lembrado” na lista dos jogadores convocados para a Copa na Alemanha.

Encerrado seu ciclo como atleta de futebol, Luiz Carlos, resolveu continuar sua paixão pelo esporte, dedicando-se ao ensinamento para crianças em sua escolinha de futebol. E quando recebe convites para jogar com os amigos, não exita em participar de uma “pelada” mostrando toda sua experiência. Em 2005, durante um jogo de veteranos, o ex-zagueiro corintiano passou por um susto, ao sentir o coração acelerado, passou mal e foi salvo por um desfibrilador, que estava à beira do gramado naquele dia. Mesmo depois de operado, Luiz Carlos ainda faz o que gosta... jogar bola.

Foi através de um amigo em comum, que conheci pessoalmente o Luiz Carlos, em Maio de 2010, numa padaria localizada na Av. Rebouças, Zona Oeste de São Paulo. Conversávamos sobre sua vida esportiva, quando lhe fiz um convite, para participar de um evento socioesportivo, na comunidade do Parque Fernanda, onde ele seria homenageado pelas as crianças que freqüentam o campo e aproveitando toda sua experiência não só no esporte, como também de vida, ilustrar a realidade para esses garotos, que ainda acreditam ser o futebol o único caminho para sair da pobreza.

Simpático desde o começo, logo se mostrou interessado e se colocou a nossa disposição. Antes gravamos uma entrevista, saudosista... a cada pergunta o ex-jogador, respondia com longos comentários e cheio de curiosidades. Confesso que não fui preparado, porque ele era o meu primeiro entrevistado e tudo foi feito de improviso. Mesmo a gravação não saindo com o resultado esperado, decidi deixar como está para não perder a espontaneidade das respostas e respeitando o próprio ambiente escolhido pelo Luiz Carlos.

Mesmo não obtendo o devido reconhecimento de antes, já que a sua história acabou esquecida no meio de tantos outros nomes que mesmo honrando a camisa pelos seus clubes, foram esquecidos com o tempo, e atualmente somos induzidos pelo marketing a valorizar verdadeiros “malabaristas” do futebol, que trocam de clubes por um punhado de milhares de dólares, se exibindo com suas mansões, quantidades de carros importados e apetrechos de ouros pendurados nas orelhas, pescoço e punhos. Imaginem na cabeça de um “moleque” criar este tipo de expectativa, quando na realidade o acesso ao glamour no futebol envolve outros interesses.

Por isso, foi de grande importância à participação do Luiz Carlos em nosso evento. A sua presença no campo varzeano do Parque Fernanda, localizada na região da Zona Sul, São Paulo, contou com mais de 60 garotos do Projeto Sócio Esportivo Toque de Letra, que foram recepcioná-lo com faixas, tiros de rojões e muitas palmas ao dono da festa. Conforme programação do dia, houve atividades esportivas, palestras, sessão de autógrafos e fotos, visitas em alguns locais da comunidade e encerrando a sua visita com um churrasco na minha residência, juntamente com os organizadores da festividade.

O maior objetivo de organizar este evento, foi de conscientizar as crianças e os jovens sobre as suas realidades, mais do que, acreditarem na formação de futuros craques do futebol, é necessário investirem na formação de caráter, por meio da educação, cultura e principalmente no bom relacionamento no núcleo familiar. Sendo assim, agradecemos a generosidade e compreensão do Luiz Carlos, por entender nosso trabalho na comunidade e ter reforçado o time dessa parceria, para aumentar a auto-estima dos participantes que praticam esse esporte. (ok)

The Blues Brothers - O Filme

2010-02-28T17:26:00.000-08:00

John Belushi e Dan Aykroyd são as estrelas da mais popular comédia musical de todos os tempos, tornando-se um grande clássico cult que reúne grandes estrelas do jazz, blues e rock como Aretha Franklin, James Brown, Cab Calloway, Chaka Khan, John Lee Hooker e Ray Charles. No Brasil o titulo do filme ficou conhecido como "Os Irmãos Cara de Pau".

Antes de emplacarem nos cinemas, a dupla já eram sucesso no programa semanal americano “Saturday Night Live”, onde fizeram parte de uma banda que tocava blues a Jake e Elwood Blues. Com o tempo a popularidade da dupla foi crescendo gradativamente, até virarem estrelas de primeiro nível. Nessa época, já contavam com músicos respeitadíssimos, como o espetacular guitarrista Steve Cropper (e depois também juntou-se a banda outro guitarrista, Matt "Guitar" Murphy) e o baixista Donald "Duck" Dunn, freqüentadores da gravadora Stax, um dos berços da música negra norte-americana.

Em 1978, fizeram uma temporada abrindo shows do comediante Steve Martin, no Universal Amphitheater. A receptividade do público foram enorme que resolveram aproveitar o momento para lançar o primeiro disco da banda, intitulado de “Briefcase Full of Blues”. As gravações foram ao vivo e o LP bateu na casa dos 40 mais vendidos, graças às regravações de "Soul Man" (clássico de Sam & Dave) e de "Rubber Biscuit." O disco rendeu platina dupla (mais de dois milhões de cópias vendidas) e o topo das paradas dos Estados Unidos.

Com a chegada cada vez maior do sucesso, Aykroyd resolveu montar um filme sobre a banda, misturando comédia, ação e com números musicais de primeira linha. Belushi chamou o filme de um tributo à música negra americana. Dan Aykroyd conta que pensou em escrever um roteiro divertido, e ao mesmo tempo, trágico: "são dois vagabundos que querem se tornar pessoas direitas e buscam a redenção, mas que só conseguem mais confusão". Para a direção foi chamado o diretor John Landis.

Mesmo sendo aspirantes a atores, vale destacar as atuações da dupla em cenas memoráveis, como a cena em que Elwood vai buscar seu irmão Jake na cadeia, em um antigo carro da polícia, deixando-o irritado com a idéia de sair da prisão dentro de um carro policial. Jake pergunta pelo antigo carro chamado de bluesmobile e Elwood responde que o carro foi trocado por um microfone. E também tem as cenas de perseguição de carros dentro do shopping center, destruindo tudo que esta na frente.

Mas a maior referência do filme, foi sem dúvida o figurino utilizado pelos irmãos de ternos, gravatas e chapéus pretos. Inspirados em capas de discos de jazz dos anos 50, adicionaram óculos de sol (também pretos) e criaram um estilo imitado até hoje. Com todos esses ingredientes não tinha como a receita dar errado, o filme foi um estrondoso sucesso de bilheteria e a trilha-sonora com presença dos grandes astros da música negra americana, foi outra obra de arte e de grande vendagem. O disco rendeu a banda uma disputada excursão promocional, aumentando ainda mais a legião de fãs aos "The Blues Brothers".

Em 1980, é lançado o álbum ao vivo “Made In América”, a expectativa de uma nova turnê é interrompida com a morte de John Belushi, por overdose de heroína e cocaína, o corpo encontrado pela policia em um quarto de hotel de Beverly Hills, Los Angeles, no dia 5 de março de 1982, aos 33 anos no auge da sua carreira, em uma história até hoje envolta de mistério. Mesmo com o falecimento do carismático amigo, Aykroyd juntou-se com a banda e continuou se apresentando, contando com artistas convidados. A banda original se reagrupou em 1988, para uma turnê mundial e em 1998, resolveram lançar uma sequência do primeiro filme intitulado de “The Blues Brothers 2000”, com o roteiro similar e com Dan Aykroyd repetindo o seu papel.

Infelizmente, desta vez, Aykroyd errou feio na reedição do filme. Ele quase acabou com tudo que havia de interessante e bem feito no primeiro filme. Embora as cenas são todas boas seqüências, mas não têm a mesma mágica que continham na filmagem anterior, faltava o falecido John Belushi. Os críticos consideraram como uma versão extremamente forçada, com números antigos recriados e um exagero de músicos convidados: B.B. King, Eric Clapton, Bo Diddley, Sam Moore, Wilson Pickett, Paul Shaffer entre outros. O resultado do filme ficou preso a uma história sem nenhuma coerência, decepcionando de vez seus antigos fãs.

Discografia

Briefcase Full of Blues (1978)

The Blues Brothers - Original Soundtrack (1980)

Made in America (1980)

The best of the Blue Brothers (1981)

Aquário de São Paulo

2009-07-25T02:04:00.000-07:00

Foi inaugurado no dia 6 de julho de 2006, o maior oceanário da América do Sul, localizado no bairro do Ipiranga, zona sudeste da cidade de São Paulo. O aquário possui 8 mil metros quadrados de área totalmente coberta, com mais de 1 milhão de litros de água do mar, distribuídos em tanques revestido de vitrines transparentes de acrílico, que permitem uma visão completa das diversas espécies, dividido em quatro diferentes temas: Rio Tietê, Selva Brasileira, Pantanal e Floresta Amazônica. Cada parte possui tanques, aquaterrários e lagos que representam esses ecossistemas, desta forma, recriando o habitat de 3 mil animais em exposição.

O aquário temático também é composto por outras atrações, enquanto os visitantes seguem pelos corredores, é possível sentir a sensação de passar por dentro de um submarino da Segunda Guerra Mundial. Em outros cenários encontra-se um navio naufragado e fragmentos de uma cidade perdida, uma reprodução da Estação Polar Brasileira - Comandante Ferraz (no Pólo Sul). O local também conta com o Vale dos Dinossauros, onde poderão ver réplicas sobre a evolução humana, e réplicas de dinossauros com até 6 metros de altura que se movimentam, além de um museu com fósseis de peixes, tubarões e outros animais, crânios de baleias, tartarugas e peixes empalhados.

Nas áreas climatizadas é possível ver o habitat dos pinguins, bem como os cenários que representam o pantanal brasileiro e a fabulosa Amazônia, inspirado na história do explorador britânico Percy Fawcett, que se embrenhou na mata em busca de uma antiga civilização, também possui um Planetário, onde é possível observar o céu e conhecer um pouco mais sobre astronomia. O espaço abriga outros tipos de animais como: lontras, lobo marinho, tartarugas, tucanos, tamanduá-mirim e macaco bugio, jacarés (alguns totalmente albinos) peixe-boi e uma das principais atrações do aquário, os morcegos gigantes da Ilha de Java na Indonésia (podendo ter cerca de 2m da ponta de uma asa a outra).

O aquário ainda ganhou mais dois novos moradores, os tubarões Lixa Branco (não se tem notícia de existir em qualquer outro aquário público do mundo). Esses animais foram doados pelo aquário de Guarapari, no Espírito Santo. A viagem durou cerca de 15 horas e foram necessários cinco homens para retirar os animais do caminhão e levá-los até o tanque de ambientação. O maior deles tem quase 2 metros de comprimento. Agora serão 6 tubarões da espécie lixa passeando no tanque Oceanário, onde são gastos 5 toneladas de sal sintético por mês, para manter a água com a mesma aclimação de seu ambiente natural.

Outro diferencial que o aquário oferece é a visitação noturna, onde são estabelecidos grupos fechados de 100 visitantes por noite e cada pessoa recebe uma lanterna especial, para serem acompanhados por 10 monitores/biólogos, que estarão explicando e tirando todas as dúvidas sobre os hábitos de alguns animais durante a noite, com certeza uma experiência única e inesquecível. Ao término do passeio é oferecido um jantar (já incluso no valor pago) escolhido antecipadamente pelos próprios visitantes. Muito mais que uma diversão para toda família, o Aquário de São Paulo é um local que ensina adultos e crianças a se conscientizarem sobre a educação ambiental.(ok)

AQUÁRIO DE SÃO PAULO

Endereço: Rua Huet Bacelar, 407 - Ipiranga

Quando: Segunda a Domingo, das 09 às 18 horas

Ingressos: De R$ 10,00 a R$ 20,00 e R$ 80,00 (visitas noturnas)

Informações: (11) 2273-5500

Site: www.aquariodesaopaulo.com.br

O Rei do Pop - Parte 11

2009-06-25T11:00:00.000-07:00

Mesmo que Katherine Jackson, de 79 anos, vencer uma possível disputa judicial pela custódia definitiva dos três filhos do cantor, a família já estaria de acordo em deixar as crianças viverem com a tia Rebbie Jackson, irmã mais velha de Michael. Apesar da pouca exposição, a cantora de 59 anos, que mora com o marido em Las Vegas, e que esta passando uma temporada na casa da família em Encino, na Califórnia, tem um ótimo relacionamento com os sobrinhos. Embora seja à vontade de Michael querer que seus herdeiros ficassem com Katherine, após a sua morte. Sua família decidiu que Rebbie, seria a pessoa ideal para cuidar da educação das crianças. Mesmo com vários problemas envolvendo a herança do cantor, esse não seria um ponto de discussão entre os membros da família Jackson. Até Debbie, mãe biológica dos filhos de Michael, declarou em entrevista que acha justo que as crianças fiquem com a irmã mais velha do astro. A babá, Gracie Rwaramba, umas das pessoas mais ligadas aos três filhos do astro-pop, também pode decidir disputar a guarda das crianças. Em entrevista publicada, ela se mostrou muito preocupada com as crianças, das quais cuidou desde o nascimento.

Circulam novamente rumores sobre a existência
de um quarto herdeiro, considerado filho secreto de Michael. O motivo seria a presença do rapper norueguês, Omer Bahtti, de 25 anos. No dia do funeral no ginásio do Staples Center, o rapaz usando terno preto e óculos escuro sentou-se na primeira fila entre os três filhos conhecidos do cantor e os irmãos Jackson. Parecia mais um integrante da família. Além do seu comparecimento ao evento, outro fator tem chamado a atenção da mídia: sua semelhança com o caçula, Prince Michael II, de 7 anos, também conhecido como Blanket. Segundo informações divulgadas pela imprensa americana, Bhatti nasceu na Noruega, fruto de uma relação de uma noite entre Michael e uma fã desse país. Apesar da distância, o jovem esteve muito presente na vida de Michael, com quem passou temporadas no rancho Neverland. Sua mãe, conhecida como Pia - pode ser a doadora dos óvulos de Blanket - e seu padrasto de origem paquistanesa, Riz, chegaram a morar em Los Angeles, no fim dos anos 90, e passaram a trabalhar para o cantor, como babá e motorista, respectivamente. A reaproximação da família com o músico teria ocorrido depois de um encontro em 1996, na Tunísia, quando Bhatti teria impressionado o cantor com seus passos de dança.

Depois de 1996, o menino passou a ser fotografado com o cantor com freqüência, sempre como uma espécie de mini-sósia do popstar. Em 2001, Michael dedicou seu último álbum de estúdio, "Invincible", para Benjamin Hermansen, um amigo norueguês de Bhatti, de origem africana, que havia sido assassinado por neonazistas em Oslo. A presença de Bhatti foi conhecida pelo público em 2003, quando uma edição especial do programa de TV "Dateline", da NBC, mostrou um vídeo caseiro de 1998 em que ele recebia presentes do cantor. No mesmo ano, o rapper estava no rancho Neverland quando a polícia invadiu a propriedade em busca de provas contra o cantor, acusado de molestar sexualmente um menino de 12 anos. Logo depois do incidente, a família voltou para a Noruega. Recentemente, Joe Jackson, provável avô, reconheceu que sabia que Michael tinha um quarto filho, em referência à pergunta do repórter sobre se Bhatti era realmente seu neto. "Parece um Jackson, atua como um Jackson e pode dançar como um Jackson", afirmou na entrevista. O rapaz ficou em Los Angeles depois do memorial e teria pedido um teste de DNA, para provar de vez que é filho do popstar. Mas não chegou a subir na tribuna para cobrar seus interesses.

Do auge à decadência

Michael Jackson foi o criador de um

estilo totalmente novo de dança, utilizando especialmente os pés. Com suas performances no palco e clipes, Michael popularizou uma série de complexas técnicas de dança, como o Robot e o Moonwalk. Seu estilo diferente e único de cantar, bem como a sonoridade de suas canções influenciaram uma série de artistas nos ramos do hip-hop, dance e R&B. Nos últimos anos, foi citado como a segunda personalidade mais conhecida mundialmente. Sua vida, constantemente nos jornais, somada a sua carreira de sucesso como superstar fez dele parte da história da música por mais de quatro décadas. Talvez não haja na história do showbizz mundial um caso de ascensão e queda tão grande quanto ocorreu com a sua carreira no decorrer dos anos. De "Rei do Pop", o cantor passou a ser considerado personalidade excêntrica, artista de temperamento instável e, recentemente, um fracasso de vendas. Muitos procuram respostas para entender e explicar o que movia a figura de Michael. Para alguns, tudo isso tem raízes na infância pobre do astro, que desde cedo era obrigado a cumprir as vontades de um pai frustrado e autoritário.

Por muitos anos especulou-se sobre as opções sexuais de Michael. Principalmente nos casos de pedofilia que ocorreram em 1993 e 2003. Com a morte repentina do rei da música pop surgem novas e polêmicas revelações sobre sua masculinidade. O jornalista Ian Halperin, autor de uma biografia não autorizada sobre a vida de Michael, revelou em entrevista para o jornal sensacionalista britânico “Daily Mail”, que o artista foi vitima de chantagem quando acusado injustamente de pedófilo e diz em seu livro ter provas mostrando como a seguradora de Michael o obrigou a pagar milhões de dólares a uma criança que alega ter sofrido abuso sexual pelo cantor. Na verdade - segundo Halperin - depois de várias pesquisas, ele descobriu que Michael era homossexual, mas que não gostava de crianças, e sim de homens mais novos do que ele. “Durante minhas investigações, eu conversei com dois de seus casos gays. Um era garçom de Hollywood e outro um aspirante a ator", declarou o autor. A biografia ainda relata que Michael gostava de se vestir de mulher para seus amantes e ir a locais de quinta categoria disfarçado, sempre rodeado por homens. Halperin escreveu outras biografias de famosos como James Taylor, Kurt Cobain e Celine Dion.

Independente de seus prazeres íntimos,

é de grande importância ressaltar suas obras, não somente musicais, mas principalmente suas obras sociais. De acordo com o Guiness Book Millenium, lançado em 2000, Michael foi o artista que mais promoveu doações, seja de patrocinadores ou do próprio bolso, entre os anos de 1984 e 1999. Ajudou várias entidades, envolvidas com as mais diversas causas de HIV a crianças com fome e até pessoas com problemas psiquiátricos. Mesmo em declínio financeiro, ele continuaria suas ações nos anos seguintes. Michael fazia ainda visitas secretas as hospitais e tinha quartos especiais no rancho Neverland, na Califórnia, para crianças em estado terminal. Por essas e outras razões, devemos entender – no mínimo – os motivos pelos quais levaram o ser humano Michael a seguir caminhos tanto conturbados em sua vida. Talvez o “Rei do Pop” fosse uma pessoa insegura, carente de atenção, que tinha dificuldades de mostrar quem realmente era. Acredito que o palco era sua verdadeira razão de sobrevivência, onde ele se sentia bem com o calor e carinho do público. Michael foi vitima das suas próprias necessidades... mas quem somos nós para julgá-lo.

Discografia: Got To Be There (1971); Ben (1972); Music and Me (1973); Forever, Michael (1975); Off The Wall (1979); One Day In Your Life (1981); Thriller (1982); Farewell My Summer Love (1984); Bad (1987); Dangerous (1991); History: Past, Present And Future - Book I (1995); Invincible (2001)

Vídeografia: Making Michael Jackson's "Thriller" (1984); Moonwalker (1988); The Legend Continues (1988); Dangerous – The Short Films (1993); Video Greatest Hits – HIStory (1995); HIStory on Film, Volume II (1997); Number Ones (2003); The One (2004); Live In Bucharest: The Dangerous Tour (2005)

O Rei do Pop - Parte 10

2009-06-25T10:00:00.000-07:00

Novamente o cantor Smokey Robinson, subiu ao palco e contou que não acreditou quando ouviu pela primeira vez o Jackson Five. "Eles cantaram a minha música e eu pensei: esses garotos não tem 10 anos. Eu fico feliz de ser testemunha do maior artista do mundo. No local onde ele está, ele vai viver para sempre em dois lugares, porque ele será lembrado para sempre aqui. E eu tenho certeza de que Deus está o abençoando". O cantor mirim Shaheen Jafargholi, que participou do “British Got Talent”, interpretou "Who's Lovin' You". E o diretor e coreógrafo Kenny Ortega, que trabalhou com Michael, também falou sobre o “Rei do Pop” e anunciou a música "We Are The World". Então todos os convidados, artistas e bailarinos que participariam da nova e frustrada turnê “This is it”, sobem ao palco para interpretar a canção. Em seguida, várias crianças se juntam em cena, de mãos dadas, para participar de "Heal The World". O tributo em homenagem a Michael Jackson foi marcado pela emoção. ”Agora, o Rei do Pop deve se ajoelhar aos pés do Rei dos Reis”, disse o reverendo Al Sharpton em uma prece ao final do funeral.

Para encerrar o memorial, os irmãos

juntamente com as irmãs subiram ao palco com os dois filhos mais velhos de Michael para agradecer a presença de todos. A maior surpresa - e mais emocionante da tarde - foi à declaração da filha do cantor, Paris Michael Katherine Jackson, de 11 anos, que foi às lágrimas ao falar sobre o seu pai, "Só queria dizer que, desde que eu nasci, ele foi o melhor pai que vocês podem imaginar. Só queria dizer que eu te amo muito", disse a garota, chorando bastante nos braços da tia Janet Jackson. Joe e Katherine Jackson, pais do cantor, foram à cerimônia mas não fizeram declarações ao microfone. Para encerrar, o Pastor Lucious Smith fez uma benção com a frase "Estou vivo e estou aqui para sempre", que aparece ao lado de uma foto de Michael no telão ao fundo. Após a saída de todos, um feixe de luz era a única imagem que se tinha no palco, enquanto o caixão com o corpo deixava o recinto. Do lado de fora, fãs choram pelas ruas assistindo ao final da homenagem pública. Apesar da quantidade de pessoas, o clima foi de tranqüilidade nas imediações da arena esportiva. Somente um fã foi detido por dois policiais depois de usar seu violão para promover baderna.

Toda a cerimônia foi transmitida por rádios e TVs do mundo inteiro, no teatro ao lado do estádio e em 88 cinemas dos Estados Unidos, naquele que já é considerado o maior funeral público da história. O mega-evento do velório de Michael Jackson custou aos cofres da cidade de Los Angeles 2 milhões e 800 mil reais com gastos com segurança, trânsito e serviços públicos envolvidos na cerimônia pública e privada. Mais de 4.000 policiais trabalharam no Staples Center durante o funeral que foi vista por 1 bilhão de pessoas ao redor do mundo. A prefeitura da cidade de Los Angeles, pediu doações aos fãs de Michael, para ajudar a cobrir os custos de segurança gerados pela cerimônia de homenagem ao cantor. Ele destacou que a cidade e o Estado da Califórnia como um todo sofre com uma crise econômica. "Los Angeles é uma cidade de porte mundial e estamos acostumados a realizar eventos de porte mundial. Mas, ainda que sejamos a capital do entretenimento, não somos imunes à recessão econômica", afirmou porta-voz do prefeito. Dois membros do conselho sugeriram que a família Jackson ajude a pagar pelos gastos. Jesse Derris, porta-voz da família, disse que eles não irão comentar o assunto.

Mesmo com o caixão exposto

durante o memorial, muitos acreditam que o corpo de Michael não estava lá dentro. Houve especulações na imprensa americana que a cerimônia acabaria se transformando somente numa homenagem, sem a presença do corpo do cantor e que Michael seria enterrado duas horas antes do evento, num funeral reservado à família. O cemitério Forest Lawn, nas colinas de Hollywood - onde pela manhã o corpo do cantor foi velado por parentes e amigos - não dá qualquer informação sobre seus serviços fúnebres, o local do enterro é o único campo do atestado de óbito de Michael que não está preenchido. Quando o caixão deixou o local da homenagem, a família acompanhada de convidados seguiram para almoçar em um restaurante no hotel Beverly Wilshire. Há indícios que o corpo ainda não foi enterrado. A família do cantor continua fazendo mistério sobre o assunto. Segundo apurou a rede CNN, o caixão ficou na cripta particular do fundador da Motown, Berry Gordy, mas por medidas de segurança, a família ordenou que o caixão fosse transportado, para o porão do prédio principal do cemitério Forest Lawn. Enquanto não é definido o local e data para sepultamento ou cremação de Michael, seu corpo ficará em uma tumba refrigerada no cemitério.

O popstar cujo disco “Thriller”, de 1982, é o álbum mais vendido de todos os tempos, morreu deixando dívidas de até 500 milhões de dólares, porém seus bens pode valer até 1 bilhão de dólares, incluindo uma participação no catálogo musical dos Beatles e sua própria companhia musical, dona dos direitos sobre suas músicas. Esse valor pode aumentar com o tempo se sua popularidade crescer após sua morte, como aconteceu com outros artistas. Um testamento registrado no dia 7 de julho de 2002, numa corte de Los Angeles, concedeu o controle temporário do patrimônio multimilionário de Michael Jackson, para o advogado John Branca, que prestou assessoria jurídica a Michael por muito tempo e o executivo da indústria musical John McClain, ambos foram nomeados co-executores testamentários no documento assinado pelo cantor, permitindo administrar todo patrimônio do artista para o Fundo Familiar Michael Jackson, que em última análise beneficia seus três filhos em 40%, sua mãe mais 40% e o restante de 20% vai para organizações de caridade não identificadas. O nome de Joseph Jackson, pai de Michael, não estaria incluído no testamento do cantor. O ato foi interpretado como uma espécie de resposta de Michael ao comportamento do pai durante o começo de sua carreira.

Os advogados de Katherine

tentaram fazer com que o juiz aprovasse uma exceção, pedindo que todas as decisões do fundo fossem controladas pela mãe de Michael. O juiz, no entanto, negou o pedido e disse apenas que ela deverá ser informada das decisões, mas não terá poder de veto. O documento ainda surpreendeu os envolvidos, pois tinha uma cláusula “no contest”. Nela, Michael deixou claro que seus desejos não poderiam ser contestados e faz uma ameaça: caso isso ocorresse, quem discordasse de sua divisão não herdaria absolutamente nada. Debbie Rowe, a mãe biológica de Prince Michael I, de 12 anos, e de Paris Michael Katherine, de 11 anos, também não tem direito no testamento. “Eu omiti intencionalmente minha ex-mulher, Deborah Jean Rowe Jackson”, escreveu o cantor no documento. Já o terceiro filho, Prince Michael II, foi gerado, segundo o próprio Michael por meio de uma barriga de aluguel. A identidade da mãe continua ignorada. Com a morte do filho, a guarda das três crianças fica com avó Katherine Jackson, até completarem 18 anos. Havendo falta dela por morte, incapacidade ou por não desejar a guarda das crianças, fica estipulado que os mesmos devem ser entregues aos cuidados da cantora Diana Ross, que tem 65 anos e sempre foi muito amiga de Michael.

Debbie Rowe, admitiu entrar na justiça para requerer a guarda dos filhos, desta forma, contrariando o desejo de Michael no testamento. A ex-enfermeira afirma que está disposta a fazer testes de DNA para comprovar que é a verdadeira mãe de Prince e Paris. Ela disse ainda que não gostaria de separar as crianças e que assumiria também o mais novo, conhecido como Blanket, cuja maternidade é desconhecida. Entretanto, após um acordo financeiro de US$ 4 milhões com a família Jackson, a ex-mulher de Michael teria aceitado a proposta para não lutar na justiça pela guarda dos dois filhos que teve com o cantor. Debbie já tinha renunciado à guarda dos filhos assim que as crianças nasceram. Na época, ela teria assinado um acordo em que ganharia US$ 8 milhões e mais US$ 900 mil anualmente durante cinco anos. Depois do jornal “New York Post” noticiar que Debbie teria aceitado o valor milionário para não reivindicar seus direitos como mãe das crianças, o advogado dela enviou uma carta pedindo uma retificação por parte da publicação. A carta ainda afirmava que Debbie Rowe não desistiu e nem desistira de seus direitos. Até que a custódia das crianças seja decidida pela corte, Prince, Paris e Blanket ficam com a mãe de Michael.

Continua...

O Rei do Pop - Parte 9

2009-06-25T09:00:00.000-07:00

Cerca de 48 horas depois da morte de um dos maiores astros da música pop, a família do cantor divulgou um comunicado lamentando o fato. O pai de Michael, Joe Jackson, afirmou que ainda não foi decidido como será o velório do cantor. Algumas pessoas do staff do pop-star preferem uma cerimônia reservada. Porém, familiares acreditam que os fãs merecem um último contato, já que Michael estava se preparando para uma última temporada de shows, marcado para começar no dia 8 de julho. A AEG Live, empresa promotora dos 50 shows em Londres, confirmou que devolverá o dinheiro aos que compraram ingressos para ver o retorno de Michael Jackson. Além disso, os fãs do artista terão a opção de renunciar ao reembolso e receber como lembrança os bilhetes, que poderiam se transformar em objeto valioso para colecionadores. Estima-se que a empresa organizadora do evento, poderá ter um prejuízo em 350 milhões de dólares, cerca de 1 bilhão de reais, caso seja confirmado a devolução de todos os ingressos. Por fim, a família Jackson decidiu organizar o velório no ginásio Staples Center, local onde Michael realizou seu último ensaio. A cerimônia será aberta ao público.

De acordo com a empresa AEG

Live, proprietária do ginásio - onde o time de basquete da NBA Los Angeles Lakers faz seus jogos – garante que o velório do popstar vai ser um evento tão grandioso como muitos de seus shows. O local tem capacidade para 20 mil pessoas, onde serão instalados telões por toda à parte pra quem for assistir ao funeral show da morte de Michael Jackson. Serão oferecidos 17,5 mil ingressos às pessoas que fizeram seus pedidos, para participar do sorteio pela Internet. A procura pelos ingressos no site da empresa mobilizou milhões de pessoas, apesar de ainda não ter sido informado se o corpo estará realmente presente ou se será apenas uma cerimônia de despedida simbólica. Os organizadores enviaram e-mails para 11 mil pessoas que tiveram a sorte de serem sorteados para assistirem ao evento de dentro do ginásio. Os outros 6,5 mil ingressos permitirão que se acompanhe a cerimônia no Teatro Nokia, instalação próxima, onde haverá telões transmitindo as imagens. Esta prevista a presença de grandes estrelas da música e esporte, além de líderes religiosos que participarão da homenagem de adeus ao ídolo pop mundial.

Dia 07 de julho, por volta das 8:00 horas, membros da família Jackson e amigos mais próximos do cantor, chegaram ao cemitério Forest Lawn, localizado nas colinas de Hollywood Hills, em Los Angeles, para se despedir no velório privado que durou cerca de uma hora. Várias redes de TV fizeram plantão desde o fim de semana na porta do cemitério com caminhões de links ao vivo, mas a entrada estava proibida para a imprensa. Logo após, uma comitiva de cerca de 12 veículos escoltados pela policia, seguiam uma limusine funerária com o caixão de Michael. Por motivos de segurança, as autoridades fecharam o trânsito nas estradas pelas quais passaram a caravana de automóveis até a chegada ao Staples Center, local da homenagem ao cantor. Enquanto muitos fãs se amontoavam na entrada principal, outros se reuniram nas rodovias para esperar o carro que traria o corpo de Michael. Quando o automóvel enfim passou, lentamente, pela multidão que aguardavam em volta do ginásio. A polícia estima que mais de 50 mil pessoas lotaram as calçadas para prestar seus respeitos em memória do cantor. Muitos dançaram e cantaram sucessos do artista.

Dentro do ginásio, a cerimônia

teve início com Smokey Robinson lendo uma carta comovente de Diana Ross musa de Michael, que não compareceu ao memorial, “Katherine, obrigada por dividir seu filho comigo”. Além dela, o ex-presidente da África do Sul, o líder Nelson Mandela também lamentou a morte do astro pop por escrito, Em seu twitter, Elizabeth Taylor disse que não compareceria ao funeral público por considerá-lo “um circo”. Minutos depois ao som da música gospel “We’re going to see the king” nas vozes do coral Andrae Crouch, o caixão de Michael é carregado pelos seus irmãos – todos usando uma gravata dourada, óculos escuros, rosas vermelhas na lapela dos ternos e uma luva branca consagrada pelo cantor – até o altar montado no interior do ginásio. O caixão encomendado pela família em bronze, com detalhes de ouro 14 quilates, recoberto com veludo azul ao custo de 25 mil dólares – somente outro grande astro da música foi enterrado com a mesma urna, James Brown – ficou em frente ao palco, no centro das coroas de flores, iluminado por um facho de luz branca. Os irmãos se juntaram ao restante da família, sentados na primeira fila do Staples Center.

O pastor Lucio Smith, amigo da família, continuou com um discurso sobre o cantor, "Ele era um idolo, um irmão e um rei, nosso pai e nosso amigo, ele será sempre uma parte de nossa familia. Nós nos unimos neste lugar para lembrar a vida deste homem. Nossos corações estão pesados hoje. Mas enquanto lembrarmos dele, a verdade é que ele nunca terá partido. Ele não queria nada mais do que dividir sua alma e talvez ser amado. Ele fez muito para tentar consertar o mundo. Que este momento de lembranças traga conforto ao nosso amigo". Em seguida, Mariah Carey sobe ao palco com Trey Lorenz para cantar "I'll Be There". O cantor Lionel Richie, que compôs com Michael "We Are The World", foi o segundo artista a se apresentar, cantando "Jesus is Love". Para a cantora e atriz Queen Latifah, "ele foi uma dádiva para todos nós" e o chamou de "a maior estrela na Terra" e, logo, leu um novo poema de Michael, escrito pela poetisa e ativista de direitos civis Maya Angelou: "Amados, agora que sabemos que não sabemos nada, agora que nossa estrela resplandecente e brilhante escapou da ponta dos nossos dedos como um punhado de vento de verão".

Em seguida, Berry Gordy, fundador da

lendária Motown, a primeira gravadora de Michael e Jackson Five, deu uma das declarações mais fortes da cerimônia. "Quanto mais eu penso em Michael e falo sobre Michael eu acho que 'Rei do Pop' não é suficiente. Eu acho que ele foi simplesmente o maior artista que já existiu”. Uma emocionada Brooke Shields, comoveu a platéia ao comparar Michael não com um rei, mas com o Pequeno Príncipe – personagem do livro de Antoine de Saint Exupéry. Também disse que a música preferida do Michael não era nenhuma das obras-primas dele, mas a canção “Smile”, escrita por Charlie Chaplin, que dizia “Sorria, apesar de seu coração estar doendo”. Na seqüência, Jermaine Jackson, irmão do astro pop, subiu ao palco para cantar a música citada pela atriz. Agora é a vez de Stevie Wonder sentar-se a um grande piano e disse tristemente à platéia: "Este é um momento que eu não queria viver. Eu posso afirmar que Deus é bom. Por mais que estejamos tristes agora e que precisemos de Michael aqui. Deus talvez precise mais". Em seguida, o músico interpreta a canção "Never Dreamed You'd Leave In Summer".

Os jogadores de basquete, Kobe Bryant e Magic Johnson, foram ao palco falar da relação com o cantor. Magic disse, "Eu conheci Michael e sua família e pude ver a genialidade dele. Eu acredito que ele seria até melhor jogando basquete. Ele é o artista de maior grandeza de todos os tempos. Me ligaram para saber se eu queria participar do clipe de "I Remember The Time". Eu não acreditei. Era o meu ídolo". A ex-participante do reality show, American Idol, e vencedora do Oscar Jennifer Hudson, visivelmente grávida em um vestido branco, interpretou muito emocionada o sucesso "Will You Be There". O reverendo Al Sharpton, amigo da família, vai ao palco para fazer o discurso mais forte até agora, falando em política. "Ele derrubou as barreiras da cor. Ele trouxe negros, brancos, asiáticos e latinos, todos a se unirem, bem antes de 'We Are The World'. Foi o Michael que fez com que pudéssemos amar um ao outro. Que pudéssemos votar e eleger um presidente negro. Ele superou os pessimistas. Michael nunca parou, e nunca vai parar. Eu venho dizer obrigado por você ter retirado as barreiras. Obrigado Michael".

Após trazer um par de amplificadores

vintage, o músico de blues, John Mayer, o primeiro branco a participar do tributo, sobe ao palco para tocar uma versão majoritariamente instrumental de "Human Nature" em sua desgastada guitarra Telecaster. Bernice e Martin Luther King III, falaram sobre a relação com o cantor e o compararam a Martin Luther King. "Eu acredito que o céu e a Terra pararam no dia 25 de junho para dizer aqui viveu um artista que foi o melhor. Como nosso pai e mãe, o trabalho de Michael se inspirava em Deus". A deputada do Texas, Sheila Jackson Lee, falou a respeito da importância dos trabalhos humanitários de Michael e revelou a proposta de ser votada no Congresso para homenageá-lo. "Ele sempre ajudou a quem precisasse. Os Estados Unidos agradece a família e informo que apresentaremos a resolução 600, que considera Michael Jackson uma lenda e ícone americano e uma pessoa honrada para todo o sempre". É a vez do rapper Usher sentar-se em um banquinho, na escuridão, enquanto flashes de câmeras varriam o ginásio. Cantou "Gone Too Soon", e chegou a ir até o caixão no momento, encerrando o número com abraços na família Jackson, sentada na primeira fila.

Continua...

O Rei do Pop - Parte 8

2009-06-25T08:00:00.000-07:00

Após ser decretada a morte do cantor no hospital, o médico Conrad Murray teria entrado em contato com os familiares de Michael. Segundo testemunhas, mais de dez pessoas teriam chegado ao hospital em dois carros que seguiram a ambulância que levava Michael, a maioria seguranças. A mãe Katherine Jackson chegou em carro separado de La Toya Jackson, uma das irmãs do cantor que passou chorando pelos corredores do UCLA Medical Center, local onde o corpo de Michael se encontrava. Logo em seguida, aparece Jermaine tentando consolar a mãe e ver com os próprios olhos seu irmão. O pai Joe Jackson, estava em Las Vegas aguardando noticias. Sobre os filhos de Michael, as crianças não pararam de chorar, até que, puderam passar 30 minutos ao lado do pai para se despedir dele por sugestão de um psicólogo. À noite, Michael teve seu corpo levado de helicóptero em direção do Instituto Médico Legal Coroner´s Office, na cidade de Los Angeles. Na sexta-feira, dia 26 de junho, o corpo passará por uma autópsia para que a causa da morte do cantor seja esclarecida. Os legistas acreditam que o resultado final poderá demorar até oito semanas para ficar pronto, segundo um porta-voz do IML.

Enquanto a notícia da morte do
"Rei do Pop” percorre o mundo, legiões de fãs e admiradores reúnem-se em frente ao hospital para onde o cantor tinha sido levado. Segundo informações das autoridades locais, essa aglomeração pode causar grande complicação à cidade, tendo em vista que, à morte repentina do astro, tanto a polícia como agentes de trânsito não puderam se preparar para o batalhão de jornalistas, fotógrafos e curiosos que chegam no local a cada minuto. Em outras regiões do país ocorrem concentrações espontâneas de fãs, como na Times Square, em Nova York. Centenas de pessoas fizeram vigília diante da estrela de Michael na Calçada da Fama de Hollywood, e também prestaram homenagens na primeira casa onde a família Jackson morou em Gary, Indiana, nos Estados Unidos. Diversos países nos quatro cantos do planeta, juntaram multidões para demonstrar o carinho e admiração pelo ídolo pop. Fãs brasileiros prestaram homenagens ao cantor na favela Dona Marta, no Rio, e no pelourinho, na Bahia, onde esteve para gravar o clipe de “They Don’t Care About Us”.

Em declaração pública, Jermaine Jackson afirmou que a razão da morte de seu irmão Michael não será um mistério para sempre. O ex-membro do Jackson Five disse em entrevista que “alguém foi responsável” pela tragédia e admitiu ter culpado, inicialmente, o médico pessoal de Michael, que estava com ele no momento de sua morte, e completou ainda “Michael estava bem em um dia e morto, no outro. A primeira vez que encontrei o Dr. Conrad Murray foi no hospital. Pensei que, se ele era médico, por que Michael estava morto?”. La Toya inconformada, afirma que seu irmão foi vitima de uma conspiração para ficar com o dinheiro dele. Numa entrevista a dois jornais britânicos, o "News of the World" e "The Mail on Sunday", a irmã do astro pop disse saber quem matou o cantor. As declarações foram feitas dois dias depois do chefe da Polícia de Los Angeles, ter admitido que a hipótese de assassinato. Ela diz ainda que um "grupo de pessoas" roubou muito dinheiro e várias jóias da casa do irmão. Acusa-as também de o viciarem em drogas, de o afastarem da família e amigos "para que se sentisse só e vulnerável". Além disso, assegura que Michael não queria fazer as 50 apresentações, além das 10 já acertadas com os organizadores em Londres.

Durante a conversa, La Toya Jackson

contou que o irmão morreu na cama do médico que vivia com ele, Dr. Conrad Murray, ao qual também acusa de desaparecer do hospital. E foi ela quem insistiu para que fosse feita uma segunda autópsia no cadáver após ver que "tinha marcas de picadas no pescoço e nos braços", e antecipou que conhecer os resultados finais "será um choque" para todo mundo. A policia passou a tratar da morte de Michael como um homicídio e o Dr. Conrad Murray, é agora oficialmente o alvo de uma investigação. Existem hipóteses que o medicamento Propofol, administrado pelo médico particular do astro tenha causado parada cardíaca. Um policial, que tem acesso às investigações revelou que o médico Conrad Murray, deu a Michael o remédio na noite anterior à sua morte. De acordo com o policial, Michael recebia regularmente o anestésico Propofol para ajudá-lo a dormir e depois encerrava a aplicação intravenosa quando ele queria acordar. O advogado do médico, Edward Chernoff, disse que seu cliente não receitou ou administrou nada que pudesse ter matado Michael, já as autoridades acreditam que o artista sofreu uma reação provocada por uso abusivo de anestésicos.

De acordo com o jornal britânico "The Daily Mail", o Dr. Conrad Murray disse à polícia que, “mais cedo naquele dia, teria dado a Michael uma injeção do anestésico cirúrgico Propofol - também conhecido como Diprivan - mas que o astro teria acordado depois que o efeito passou e exigiu mais medicação. Então, seu assistente, teria aplicado a injeção de Demerol, que misturado com uma medicação fornecida anteriormente desencadeou um ataque cardíaco”, afirmou o médico. A policia também deu descrições do estado do interior da mansão que era alugada por Michael. Quando chegou ao local, o quarto onde o cantor dormia estava repleto de tanques de oxigênio e continha um equipamento para aplicação de tratamento intravenal. Outro quarto estava bagunçado, com roupas e outros itens espalhados e recados escritos a mão colados na parede. Um deles dizia: "crianças são doces e inocentes". Uma boneca de porcelana com um vestido foi encontrada sobre o cobertor da cama onde o cantor dormia. A temperatura na casa estava extremamente quente, com lareiras a gás e o sistema de aquecimento ligado no máximo porque Jackson sempre reclamava de estar com frio.

Michael morreu aos 50 anos, seu corpo

pesava apenas 51 quilos, tinha várias costelas quebradas e muitos comprimidos parcialmente dissolvidos no estômago. As informações foram divulgadas pelo jornal britânico “The Sun”. Ainda de acordo com o jornal, Michael estava começando a ficar calvo e, por isso, usava uma peruca. O corpo era quase um esqueleto e estava muito deteriorado. As evidências seriam de que ele não havia comido nada e, aparentemente, havia ingerido muitos comprimidos horas antes da parada cardíaca. As costelas quebradas seriam resultado dos esforços para reanimá-lo. Além disso havia quatro marcas de injeções em torno do coração, destinadas a injetar adrenalina a esse órgão. Os legistas também encontraram hematomas nos joelhos e tíbias do cantor, indicando que poderia ser seqüelas de quedas recentes, assim como nas costas. Michael usava prótese de nariz para esconder os efeitos das cirurgias plásticas ao longo dos anos. E seu corpo também estava cheio de cicatrizes, pelo menos 13 provocadas por operações estéticas. “A família e os seguidores de Michael se horrorizaram quando se deram conta do péssimo estado em que se encontrava”, declarou ao tablóide britânico.

A imprensa norte-americana sugere que o astro estaria envolvido num esquema ilegal de compra e venda de remédios. A enfermeira Cherilyn Lee, que trabalhou como nutricionista de Michael no início do ano, disse que ele reclamava de insônia e lhe pediu repetidas vezes por Diprivan - nome da versão comercial do Propofol. Cherilyn afirmou que o alertou sobre os perigos do medicamento e que negou seus pedidos. Michael teria começado a usar o Demerol, para controlar a dor da queimadura em seu couro cabeludo que sofreu durante as filmagens de um comercial da Pepsi nos anos 80. O Propofol pode desacelerar a respiração e baixar os batimentos cardíacos e a pressão sanguínea. Por causa dos riscos, o Propofol só deve ser aplicado em ambiente médico por pessoas treinadas. Instruções na bula do remédio alertam que os pacientes devem ser constantemente monitorados. Nos hospitais, é de praxe que seja usado um equipamento de monitoramento dos impulsos elétricos do coração e do nível de oxigênio no sangue do paciente durante a aplicação da droga. Quando o paciente sofre uma parada cardíaca, o aparelho dispara um alarme. Nenhuma máquina deste tipo foi encontrada na casa de Michael.

Continua...

O Rei do Pop - Parte 7

2009-06-25T07:00:00.000-07:00

No dia, 29 de Agosto de 2008, o "Rei do pop" completa 50 anos em casa com os filhos, e longe dos seus dias de glória. O jornal inglês Daily Mail fez simulação por computação gráfica para mostrar qual seria a aparência atual de Michael se ele não tivesse se submetido a tantas cirurgias plásticas. Com o passar dos anos, as transformações físicas sofridas pelo cantor sempre recebeu atenção especial da imprensa. A série de operações plásticas virou uma obsessão, fruto de uma doença psicológica chamada dismorfia corporal, quando a pessoa se olha no espelho e se acha sempre deformada. Em uma entrevista concedida em 1993, à apresentadora americana Oprah Winfrey, Michael se descreveu como perfeccionista e "nunca satisfeito com nada". No entanto, negou que tenha abusado das intervenções cirúrgicas. Ele disse que só havia feito duas operações, mas tem dados de que ele tenha realizado cerca de 50 cirurgias plásticas, principalmente no rosto com atenção especial nas mudanças do nariz. Para comemorar a data, foi lançada a coletânea "King of Pop". A novidade é que as músicas que vão fazer parte do álbum serão escolhidas pelos fãs.

Em novembro de 2008, depois de
três anos sem morar na sua antiga residência, o rancho Neverland, na Califórnia, onde o astro morou sozinho por 17 anos e oferecia festas para crianças. Quase teve a hipoteca executada para pagar um empréstimo milionário. Para não perder a propriedade avaliada em US$ 100 milhões em 2003. Michael vende o rancho para Sycamore Valley Ranch Company, uma joint venture da empresa Colony Capital, dono de empreendimentos em Las Vegas, que comprou a mansão por 23 milhões de dólares. No entanto, a negociação gerou controvérsia da imprensa, já que ele vendeu a propriedade para uma companhia que ele mesmo é um dos sócios. Na mesma semana, Michael deve depor em Londres, devido a um processo iniciado pelo príncipe Abdullah Bin Hamad Al-Khalifa. O xeique afirma que o cantor não cumpriu um acordo envolvendo a gravação de um CD inédito pela gravadora Two Seas, de propriedade do príncipe, e quer o valor de U$ 7 milhões - usados para pagar viagens, custos legais e outras despesas do cantor - de volta por quebra de contrato. O príncipe também alega que deu a Michael um Rolls Royce no valor de US$ 120 mil. Os dois ficaram próximos durante o período que o cantor ficou no Bahrain, logo após ser inocentado das acusações de pedofilia nos EUA.

Logo depois, no dia 21 de novembro, o pop-star, que foi criado como Testemunha de Jeová, teria se convertido ao islã em uma cerimônia na casa de Steve Porcaro, tecladista que compôs uma música para o aclamado álbum "Thriller". A conversão lhe deu uma nova alcunha: Mikaeel, nome de um dos anjos de Alá, conforme informado pelo tablóide britânico “The Sun”. Michael ainda teria rejeitado um nome alternativo que lhe foi sugerido, Mustafá, que significa "o escolhido". Usando roupas islâmicas tradicionais, ele sentou-se no chão e colocou um pequeno chapéu enquanto o sacerdote celebrava a conversão. Michael jurou fidelidade ao Alcorão, depois de aconselhado pelo compositor David Whamsby e o produtor Phillip Bubal, que também são adeptos da religião. O cantor britânico Cat Stevens, conhecido nos anos 70, chamado de Yousef Islam quando aceitou Alá, também esteve na cerimônia ajudando Michael. É sabido que o astro americano já era membro do Nation Of Islam - organização muçulmana fortemente focada em questões raciais - desde 2003, provavelmente por conta do escândalo sobre pedofilia. Dentre seus principais apoiadores da entidade figuram nomes de Mike Tyson e Malcom X. Em dezembro, Michael aluga uma casa em Los Angeles por US$ 100 mil mensais.

No inicio de 2009, o maior astro da música
pop planejava voltar aos palcos em grande estilo. Após 12 anos sem sair em turnê - a última vez que o rei havia saído foi em 1997. Michael convocou entrevista coletiva em Londres, no qual anunciou uma série de dez shows na capital britânica, no estádio O2 Arena, em comemoração aos seus 50 anos. O alvoroço que a notícia causou entre os fãs fez com que dias depois fossem anunciados mais 40 shows na capital inglesa. A turnê intitulada “This Is It”, em português ficou “Agora é Pra Valer”, aconteceria entre os dias 8 de julho deste ano e 24 de fevereiro de 2010. Os ingressos para as apresentações foram colocados à venda no dia 13 de março e esgotaram em poucas horas. A venda por telefone congestinou várias linhas e, na internet, houve picos de 200 mil pessoas tentando comprar suas entradas ao mesmo tempo no site Ticketmaster, segundo a AEG Live, que organizava a turnê. Desde o anúncio da turnê, as especulações não pararam de surgir. Uma delas era de que Britney Spears e Justin Timberlake fariam participações especiais nos shows. Também foi forte o boato de que o ilusionista David Copperfield faria mágicas durante as apresentações.

Mesmo com o anuncio de uma mega-turnê, era sabido que o “Rei do Pop” passava por dificuldades financeiras. Mergulhado em dívidas, Michael decide leiloar objetos particulares que marcaram sua carreira. Em abril, a casa Julien anunciou a venda de 1,3 mil itens, que incluíam mobílias, figurinos de shows, troféus, obras de arte, e muito mais pertences do artista. Entre os objetos estavam um exemplar raro do livro de “Peter Pan” datado em 1911, a famosa luva branca de cristal, usada pelo cantor nas performances da música "Billy Jean", os portões do rancho Neverland, e até um Rolls Royce com o interior decorado com peças de ouro. A expectativa é que fosse arrecadado US$ 10 milhões para cobrir um débito milionário. Faltando 8 dias para o grande leilão, que estava marcado para 22 de abril, o cantor através de um acordo com a sua equipe de advogados, voltou atrás em sua decisão e cancelou a venda do seu acervo pessoal. Todas as peças foram colocadas em exposição para o público em um museu de Beverly Hills, e já havia inúmeras propostas de lances. Mesmo com o cancelamento do leilão, as peças permaneceram intactas e logo depois foram todas devolvidas ao astro.

Em maio deste ano, mais uma vez todos
holofotes se voltaram para o cantor. Desta vez por causa da notícia publicada pelo tablóide “The Sun”, dando conta de que o artista estaria "lutando em segredo" contra um cancêr de pele. Os exames mostraram sinais de câncer em pontos de seu corpo e células que poderiam provocar câncer de pele no rosto, conforme informado pelo jornal. No início, Michael teria ficado "muito preocupado", apesar dos médicos terem garantido que poderiam tratá-lo e que ele se recuperaria. O período de tratamento poderá coincidir com a nova turnê prevista para este ano. Michael também estaria visitando com freqüência um dermatologista, em Beverly Hills, e foi visto em um centro médico especializado em exames para detectar câncer. Segundo a assessoria do cantor confirma que “Michael esta muito bem de saúde, e que ele cumprirá todas as datas das apresentações”. Apesar do artista tentar minimizar a notícia sobre a doença com aparições em público, a informação causou inquietação entre os fãs, que haviam comprado ingressos para a turnê que iniciara em Londres, inclusive os ensaios com a banda e os dançarinos, estavam sendo feitos no ginásio Staples Center, em Los Angeles.

Na tarde da quinta-feira, dia 25 de junho de 2009, foi noticiado o falecimento de Michael Jackson, em decorrência de uma parada cardíaca na sua mansão, em Holmby Hills, Los Angeles. Conforme relato do médico particular, Dr. Conrad Murray, contratado pelo cantor em maio deste ano, para acompanhá-lo na série de shows que faria em Londres. O médico que morava na residência de Michael, informou ter dormido após aplicar um anestésico potente no cantor, quando acordou, Michael não estava respirando e tentou desesperadamente reanimá-lo, antes de sair em busca de ajuda. Em seguida encontrou o chef da cozinha, que chamou um dos seguranças, que teria voltado com o médico ao quarto onde Michael estava com pulso fraco e sem respirar. Só nesse momento foi realizada a ligação para o resgate. De acordo com informações dos paramédicos, os serviços de emergência médica levaram três minutos até que eles chegassem à casa do astro, que se encontrava em estado de coma profundo. Eles passaram 42 minutos atendendo Michael, antes de decidirem levá-lo ao hospital da Universidade da Califórnia, que fica a dois minutos de sua casa. Ainda na ambulância foram feitas massagens cardiopulmonar, mas infelizmente o Rei do Pop é declarado morto.
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Continua...

O Rei do Pop - Parte 6

2009-06-25T06:00:00.000-07:00

Depois de um ano, após lançamento da coletânea de clips “Number Ones”, em 2003, agora é a vez de “The Ultimate Collection”, uma caixa com quatro CDs e um DVD. De acordo com o jornal "The Sun", em 2004, surge rumores da existência de um quarto filho, conseqüência de uma “transa” em 1984. O nome dele é Omer Bhatti, filho de Pia, uma das funcionárias do rancho Neverland, que acabou se envolvendo com o artista. A reportagem afirma que Michael sempre fez parte da vida de Bhatti, inclusive o menino chegou a morar em Neverland com o pai. Por muito tempo, ele foi apontado como um “amigo especial” do cantor. Ainda segundo as informações, testes de DNA serão realizadas para confirmar a paternidade. O cantor, que sempre fez questão de manter seus filhos longe dos jornalistas e fotógrafos. Quando as crianças aparecem em público usam máscaras ou lenços para cobrir o rosto. Os agentes de Michael, disseram que a medida tem como objetivo proteger as crianças de tentativas de seqüestro e outras ameaças. Mas, provavelmente o pai prefere esconder o rosto de seus filhos, para evitar possíveis comparações. Já que falaram tanto do seu rosto e das modificações ao longo dos anos, que os filhos seriam um “prato cheio” para especular esse assunto.

Em 2005, ocorreu outro episódio de

abuso sexual envolvendo o artista, que ganharia as manchetes dos jornais, movido pelo mesmo garoto Gavin Arvizo, que aparece no documentário “Living with Michael Jackson”, acusando Michael de lhe servir bebidas alcoólicas e o masturbar por duas vezes. A defesa do astro ataca a mãe do garoto, descrevendo-a como uma "vigarista com um longo histórico de falsas denúncias" que teria manipulado seu filho para que este denunciasse Michael, em busca de dinheiro. Por sua vez, Tom Sneddon, promotor do distrito de Santa Maria, descreve o pop-star como um "predador sexual que atrai crianças para Neverland". Dois ex-empregados depõem contra Michael. Uma ex-governanta afirma ter visto o cantor tomando banho com uma criança de aproximadamente oito anos, no início dos anos 90. Um ex-segurança afirma ter visto o astro fazendo sexo oral em um menor. A defesa ataca ambos mostrando que já haviam perdido uma disputa jurídica com o astro. O segurança já havia sido condenado por roubar o cantor. O julgamento durava cinco meses, até que, os jurados responsáveis por dar o verídico do caso decretam que Michael é inocente de todas as acusações por falta de provas.

Depois do julgamento Michael abandonou “Neverland”, e se mudou para o Bahrain, como convidado da família real do país. O cantor passou alguns meses na residência do príncipe Abdullah Bin Hamad Al-Khalifa, numa afastada propriedade da ilha, habitada principalmente por pessoas muito ricas e que contém restaurantes de alto luxo, hospitais privados, campos de golfe, parques, uma hípica e um ancoradouro de barcos caríssimos. No período em que Michael permaneceu no pequeno estado do Golfo Pérsico, estava com grandes dificuldades financeiras, Abdullah chegou a ajudar Michael financeiramente, pagando todas as sua despesas e ter construído um estúdio de gravação para que Michael gravasse seu novo disco. O príncipe tinha como intenção relançar a carreira musical do astro, produzindo seus discos em seu próprio selo, para isso, adiantou US$ 7 milhões para Michael começar a preparar um novo álbum. Antes o astro do pop anunciou que seu projeto era gravar um single dedicada às vítimas do furacão Katrina. A música se chama "From the Bottom Of My Heart" e os lucros que obtiver com esta canção serão destinados a ajudar os desabrigados. Michael está recrutando diversas estrelas da música para participarem da sua nova versão de "We Are The World".

Em Maio de 2006, Michael mudou-se

do Bahrain para a cidade de Dublin, na Irlanda, onde continuou a gravar o que será o décimo álbum solo da carreira - o primeiro desde "Invincible", lançado há cinco anos. Michael quebrou o silêncio enviando uma carta à imprensa, dizendo que está muito ocupado trabalhando em um novo material, e aproveitou o espaço para agradecer o apoio de fãs durante esse momento problemático de sua vida. A previsão era que o álbum chegasse às lojas até o verão de 2007 e seria distribuído pela gravadora independente Two Seas Records, propriedade do príncipe do Abdulla Bin Hamad Al-Khalifa. Mas o acordo com a gravadora de Abdulla não foi cumprido. O selo de gravação agora é a recém criada Michael Jackson Company Inc., com o produtor e rapper Will I Am, membro-líder do grupo Black Eyed Peas, no Grouse Lodge Residential Studios, em Dublin. Esta é a segunda tentativa de retorno do astro após os escândalos. A parceria com o selo Two Seas Record, foi desfeita e o single “From the Bottom Of My Heart”, feito para as vítimas do furacão Katrina, acabou não sendo lançado.

Depois do exílio, Michael esta de volta ao seu país, para morar no estado de Nevada, onde já teria se mudado para uma mansão em Las Vegas. Segundo amigos do cantor, ele estaria trabalhando em diversos projetos, mas ainda não há nada definido. Michael se encontrou à noite com um dos maiores magnatas de cassinos do mundo, Steve Wynn, para um jantar no restaurante Alex, do Wynn Hotel, propriedade do próprio Steve. Há algum tempo surgiram informações de uma suposta temporada de shows do "Rei do Pop" em cassinos de Las Vegas. Disposto a retomar sua vida, Michael compareceu a diversas premiações e homenagens, entre elas o Legend Award, da MTV japonesa, durante a premiação da Video Music Awards Japan, como o artista masculino internacional que mais vendeu no Japão. A imprensa em geral fez um enorme destaque para esse evento, devido ao fato de que foi a primeira aparição pública que Jackson fez desde sua absolvição saindo de sua reclusão no Bahrain. Também recebeu nove Guinness World Records, entre eles o de primeiro artista a ganhar mais de cem milhões de dólares em um ano, primeiro artista a vender mais de 100 milhões de álbuns fora dos Estados Unidos e o de artista mais bem sucedido no mundo da música.

Em 2007, Michael comprou parte

dos direitos sobre as músicas de Eminem, o rapper que parodiou de forma ostensiva (e ofensiva, segundo críticos) no clipe da música "Just Lose It", lançado em 2004. No vídeo, o rapper se veste como o astro pop, aparece em cenas com os cabelos em chamas (em referência ao acidente sofrido pelo cantor) e "perdendo" o nariz. O contrato foi fechado entre a Sony-ATV de Jackson e a Famous Music LLC, gravadora que pertence à Viacom (grupo dos estúdios Paramount, Dreamworks e o canal MTV). As cláusulas se referem à obra pregressa do rapper, incluindo "Without Me" e "The Real Slim Shady". Michael já tem os direitos sobre obras dos Beatles, e agora tem direito sobre as obras de Shakira, Beck e Bjork, segundo a revista "New Musical Express". No mesmo ano, Jermanie Jackson revelou que seu irmão Michael poderia se converter ao Islã, depois de se interessar pela religião. Jermaine, que se converteu ao Islã em 1989, ficou em segundo lugar no reality show britânico Celebrity Big Brother, durante o qual ele fez amizade com a atriz indiana Shilpa Shetty, vencedora do programa após ser vítima de ataques racistas de outros participantes. Há rumores que os irmãos, juntamente com Tito, Marlon, Jackie, e Randy, estariam programando o retorno do Jackson Five. Mas Michael nega que o grupo voltará.

Endividado, Michael anuncia uma nova turnê em 2008, após dez anos afastado dos palcos. O astro pop pediu a alguns promotores que busquem um local para preparar um grande espetáculo na Irlanda – país onde reconstruiu sua vida depois do julgamento em 2005. Além de 10 datas na 02 Arena de Londres. No fim de dezembro de 2007, os jornais falavam de suas dívidas astronômicas, acima dos 270 milhões de dólares, e sobre os negócios com seus credores para evitar ser forçado a ceder seu catálogo com centenas de canções, incluindo dos Beatles e da venda do seu rancho Neverland. Multas de até 169 mil dólares por comprometer os salários e impostos previdenciários de 69 de seus empregados em Neverald, que foi então fechada pela inspeção do trabalho da Califórnia. O local foi reaberto, com pessoal reduzido, uma vez que Jackson pagou a multa e se pôs em dia com os trabalhadores. Em abril passado, o cantor anunciou a reestruturação dos pagamentos de sua dívida, estimada em centenas de milhões de dólares, com a ajuda da gravadora americana Sony, e negociações com várias instituições financeiras. O catálogo musical completo, do qual o cantor de "Thriller" possui 50%, está estimado em um bilhão de dólares, segundo o jornal "New York Times".

Continua...

O Rei do Pop - Parte 5

2009-06-25T05:00:00.000-07:00

Em 1998, Michael se encontrou pela primeira vez com Nelson Mandela, como convidado para a festa de aniversário dos 80 anos do presidente sul-africano, que recebeu entre dois mil convidados, Stevie Wonder, Nina Simone e a modelo Naomi Campbell. Aproveitando a ocasião, Mandela formaliza seu casamento com Graça Machel, viúva do presidente Samora Machel, de Moçambique. De volta para casa, Michael tomou um empréstimo de 200 milhões de dólares, destinado a pagar suas extravagâncias. Como garantia, Michael empenhou os direitos sobre algumas das principais canções dos Beatles, que são parte de seu patrimônio. No dia 12 de dezembro, Michael compareceu à abertura do resort de US$ 450 milhões, "Royal Towers of Atlantis" na Ilha do Paraíso nas Bahamas. Michael fez uma performance de "Heal The World", outros artistas também se apresentaram, como Stevie Wonder, Natalie Cole, N-Tyce, Tevin Campbell, James Ingram, Stephanie Mills e muito mais. Entre os 1.600 convidados para a celebração de inauguração do resort, estavam Leonardo DiCaprio, Julia Roberts, Oprah Winfrey, Sidney Poitier, Donald Trump, Denzel Washington, Quincy Jones, entre muitos outros.

Em 20 de março de 1999, Michael

apareceu no programa de TV alemão "Wetten Dass" para anunciar que faria 2 shows de caridade intitulado de "Michael Jackson and Friends". A aparição de Michael atraiu um recorde de 18 milhões de telespectadores apenas na Alemanha. Em junho, a estatueta do Oscar de Melhor Filme do clássico "E o Vento Levou...", foi arrematada por US$ 1.542.500 no leilão na Sotheby's em Nova York. A oferta de Michael foi a maior na história de Hollywood. O recorde anterior foi em 1996 - US$ 607.500 pelo Oscar de Clark Gable pelo filme "Aconteceu Naquela Noite". A casa de leilões Sotheby's disse que Michael sempre expressou que queria ter este Oscar em particular. O show "Michael Jackson and Friends", teve lotação esgotadas nos estádios de Seoul, no dia 25 de junho e Munich, no dia 27 de junho. Entre os astros que participaram do maior concerto de caridade, estavam Mariah Carey, Vanessa Mae, Slash, Ringo Starr, Boyz II Men, Andrea Boccelli, e muito mais. Na platéia estavam muitas estrelas nacionais e internacionais esperando ansiosos pela performance do Rei do Pop. O evento arrecadou US$ 3.3 milhões para crianças carentes da UNESCO.

No ano 2000, Michael entrou para o “Guinness World Record”, como o artista que mais ajudou pessoas no mundo, colaborando com mais de 39 organizações. No mesmo ano Michael recebeu o título de "Cantor do Milênio" durante o XI World Music Awards, realizado em Mônaco. A cerimônia foi transmitida para mais de 160 países perante uma audiência de quase um bilhão de pessoas. Na ocasião foram exaltadas as vendas de mais de 200 milhões de álbuns durante a carreira de 29 anos do cantor. Nesse período ocorrem as primeiras divergências entre Michael e a gravadora Sony Music. Os problemas começaram, quando Michael tentou retirar toda sua parte na sociedade em catálogos de direitos autorais sobre músicas, firmada entre eles em 1995, o que inclui, por exemplo, os direitos sobre quase toda a obra dos Beatles. Sendo independente, Michael não precisaria dividir os lucros com a Sony. Entretanto, os advogados dele encontraram cláusulas no contrato com a gravadora que impediam a transação. Para evitar uma disputa judicial, Michael e a Sony fecharam um acordo que permitiria que ele abandonasse a gravadora depois do lançamento de um novo álbum, mas não antes de um pacote de coletâneas que reuniriam os maiores sucessos do astro.

No dia 7 de setembro de 2001, Michael

promoveu dois concertos com lotação esgotada no Madison Square Garden, em Nova York, para celebrar 30 anos de carreira solo. Foi a primeira vez, em 20 anos, que o grupo The Jacksons voltaram a se reunir no palco. Cantaram grandes sucessos, como "I'll Be There", "Can You Feel It" e "I Want You Back". Celebridades como Whitney Houston, Britney Spears, Liza Minelli, NSYNC, Nick Carter, Aaron Carter, Usher e Gloria Stefan prestaram homenagens ao Rei do Pop, cantando alguns dos maiores sucessos da sua carreira. Na platéia, mais personalidades. Assistiram às apresentações: Elizabeth Taylor, Macaulay Culkin, Marlon Brando, Ray Charles, Chris Tucker, Nelly Furtado, Will Smith e Quincy Jones. Uma semana após os atentados terroristas de 11 de setembro nos Estados Unidos, Michael anunciou a gravação de uma canção beneficente para arrecadar fundos a familiares das vítimas. Mais de 35 cantores contribuíram, como Shakira, Celine Dion, Ricky Martin, Luther Vandross, Justin Timberlake, Carlos Santana, Beyoncé e Mariah Carey. O compacto nunca foi lançado devido aos desentendimentos do astro com a Sony Music. Além disso, especula-se que o envolvimento de um dos produtores do projeto com a indústria do cinema pornográfico teria afastado patrocinadores.

No mês de outubro, é lançado “Invincible”, a primeira coleção de novas canções do astro em 10 anos, desde Dangerous, em novembro de 1991. A produção é de Rodney Jerkins, e tem como convidado o guitarrista Carlos Santana. Novamente com problemas contratuais com a Sony Music, Michael se negou a colaborar com a divulgação do novo trabalho. Em resposta a gravadora boicotou o álbum retirando das lojas após três meses de lançamento. Mesmo sendo considerado um fiasco se comparado aos seus antecessores, “Invincible” vendeu 16 milhões de cópias no mundo todo. Sem hits de grande impacto e com a imagem profundamente arranhada diante do público, Michael vê sua carreira entrar em franca decadência. Isolado em Neverland, o astro pop continua a ser alvo de processos sobre pedofilia, mantém as atitudes extravagantes e se isola dos fãs que restaram. Quando tudo parecia caminhar para o ostracismo, em novembro 2002, os jornais noticiam o nascimento do terceiro herdeiro do cantor. Prince Michael Jackson II (Blanket), fruto de inseminação artificial, cuja identidade da mãe é desconhecida. Durante sua estádia em Berlim, Michael apareceu na janela do quarto de hotel com seu filho recém-nascido. O cantor surpreendeu a todos quando pôs a criança com um pano no rosto e pendurado pelo pai, para fora da janela colocando sua vida em risco.

Bombardeado pela mídia, Michael

concede uma entrevista ao jornalista inglês Martin Bashir, em 2003. As declarações fazem parte do documentário “Living with Michael Jackson”, que mostrava a vida do cantor, como suas excentricidades de gastar mais de 6 milhões de dólares em uma única loja, negar possíveis plásticas, a infância difícil, e o isolamento em seu mundo particular. Ao invés de melhorar sua situação perante a opinião pública, o cantor acaba se condenando ainda mais ao declarar que nunca abusou de crianças, mas não há mal nenhum em dormir na mesma cama com seus convidados. Durante a declaração, Michael aparece de mãos dadas com Gavin Arvizo, um garoto de 13 anos que tinha câncer na época. O programa causa uma polêmica maior do que o esperado, por causa do conteúdo dito por Michael. No mesmo ano, ele é alvo de uma investigação policial que revista Neverland em busca de provas que comprovassem o perfil pedófilo do astro. Em 20 de novembro de 2003, Michael é algemado e preso em uma delegacia de Santa Bárbara por uma hora. Libertado sob fiança de US$ 3 milhões, recebe a notícia de que, desta vez, as acusações irão indiciá-lo. Os flashes e câmeras de TV que quase transformaram o julgamento em um show, transmitem a comportada comemoração pela vitória do astro do lado de fora do tribunal, cercado por uma multidão de fãs.

Em liberdade, o mega-star comentou pela primeira vez as acusações, de que teria sido maltratado pela polícia do condado de Santa Bárbara, no dia em que foi fichado. Ele disse que teve um ombro deslocado por causa da maneira como foi algemado. Michael, também acredita que foi humilhado. “Era apenas para eles checarem minhas impressões digitais e fazerem tudo que têm de fazer quando prendem alguém. Eles me maltrataram muito. Meu ombro está deslocado, literalmente”. Segundo o cantor, a dor não permite que ele durma durante a noite. Acrescentou que foi preso em um banheiro por 45 minutos depois de pedir para usá-lo. O local cheirava a fezes, que estavam por toda parte. Seu quarto no rancho Neverland, por sua vez, teria sido totalmente destruído por investigadores que vasculharam a casa atrás de provas dos crimes. O departamento de polícia de Santa Bárbara não comentou as acusações e o promotor público Thomas Sneddon, afirmou que Michael foi tratado de maneira justa enquanto estava em custódia da polícia. A entrevista foi feita em um quarto de hotel em Los Angeles, como manobra de negociação para exibição de um especial pela rede CBS.

Continua...

O Rei do Pop - Parte 4

2009-06-25T04:00:00.000-07:00

A excursão "Dangerous World Tour", consagrava definitivamente Michael Jackson como ícone pop mundial, foi a maior já feita por um artista na história da música, quebrando o recorde anterior (que também pertencia a ele). Porém a vida de Michael sempre foi cercada de muita polêmica. Desta vez, a seqüência da turnê foi interrompida em 1993, depois que o astro foi acusado de pedofilia. Um processo judicial acusava o cantor de ter abusado sexualmente de Jordan Chandler, um garoto de 13 anos de idade. A principio o popstar disse ser vítima de extorsão, depois de seis meses de negociações, os advogados de defesa do cantor propõem um acordo confidencial de 20 milhões de dólares com a família e o caso é arquivado. No entanto, o episódio mancha a imagem do astro de forma irrecuperável. A esta altura, Michael já está envolvido em inúmeros escândalos sobre sua possível relação com menores de idade, que freqüentavam seu rancho Neverland a convite do cantor. Outra suposta vítima resolveu prestar queixa à polícia, alegando ter sido molestado sexualmente pelo cantor no final dos anos 80. O problema é que o crime de pedofilia prescreve em 8 anos.

No dia 18 de maio de 1994, é anunciado
o casamento de Michael Jackson com a filha de Elvis Presley, Lisa Marie Presley. Os dois se conheceram quando Lisa Presley, tinha 7 anos, e foi levada por seu pai, ao camarim do grupo Jackson Five para conhecer o então vocalista da banda, Michael que na época tinha 17 anos. Passado 19 anos depois, os dois se casaram em uma cerimônia secreta em Santo Domingo, na República Dominicana. A união foi amplamente divulgada e criticada pela imprensa, que especulava sobre a conveniência do casamento, realizado meses depois do término das investigações criminais contra Michael. Lisa nega e declara estar muito apaixonada e tentando ter um filho, também afirma que em momento algum acreditou que seu marido era pedófilo. A primeira aparição pública do casal foi em setembro durante o MTV Video Music Awards do ano. Eles entraram no palco, seguiram por uma passarela e se beijaram. Durante o casamento, Lisa fez o papel de boa esposa sempre defendendo seu marido em entrevista concedida à TV, entretanto Michael estava envolvido em promover seu próximo disco e não tinha tempo para os objetivos de Lisa.

Em junho de 1995, chegou às lojas o álbum duplo “History: Past, Present and Future – Book I”. No primeiro disco, uma seleção de quinze sucessos remasterizados. No segundo, a primeira coleção de canções inéditas lançada pelo cantor desde que acusado de abuso sexual. O álbum fazia parte de um projeto de marketing desenvolvido pela Sony Music, para restabelecer a influência de Michael no mercado fonográfico depois do escândalo que desestruturou sua carreira em 1993. Foram gastos 30 milhões de dólares em publicidade e propaganda para o lançamento da coletânea. Foi a maior campanha de marketing já montada para promover um disco. O videoclipe do primeiro single do álbum, "Scream", foi considerado o mais caro do mundo, em torno de U$S 7 milhões, e teve a participação de sua irmã Janet Jackson. A música é desabafo rancoroso de Michael contra a mídia sensacionalista. O single seguinte “You Are Not Alone” estréia em primeiro lugar na Billboard. O vídeo é uma declaração de amor, e causou muita polêmica por mostrar Michael e a esposa Lisa seminus e em cenas sensuais.

O casal manteve a “aparência”

do casamento por cerca de 19 meses. Especulava-se que tudo não passava de fachada, com intenção de atrair publicidade, por causa da união dos maiores nomes do mundo. Isso parecia conveniente para Michael, já que havia muitos boatos sobre a sexualidade do cantor. E segundo informações, Lisa se aproximou de Michael porque pretendia seguir a carreira de cantora e queria sua ajuda. Após a grande divulgação do disco “History: Past, Present and Future – Book I”, Lisa Presley entrou com o pedido de divórcio em dezembro de 1995, o casal alegou ser impossível à reconciliação. Uma vez confirmado a separação, Michael segue seus compromissos e em fevereiro de 1996, pela terceira vez vem ao Brasil, agora para gravar um videoclipe da música “They Don't Care About Us”, letra que lamenta a falta de atenção com as crianças. A gravação com direção de Spike Lee, teve como cenário o Pelourinho, em Salvador, que contou com a percussão do grupo Olodum, e as cenas adicionais foram feitas no Morro Dona Marta. Na época, a imprensa comentou que a equipe teria feito um acordo milionário com o tráfico para autorizar a filmagem.

Em setembro de 1996, Michael deu início à “History World Tour”, que seria realizada em 3 etapas de diferentes continentes. A primeira parte da turnê começou na República Checa, com lotação esgotada na cidade de Praga. Em seguida partiu para Bremen, na Alemanha, e por último realizou shows na África. Ao término dos concertos, mais de um ano depois, Jackson tinha levado 4.5 milhões de pessoas aos estádios de 56 cidades, em 35 países diferentes. Com isso, a turnê estabelecia um novo recorde mundial de público. No mesmo ano, os fãs são pegos de surpresa pelo segundo casamento do astro pop, realizado no Sheraton Hotel de Sydney, Austrália. A escolhida seria Debbie Rowe, enfermeira do centro clinico dermatologista Arnold Klein, em Beverly Hills, onde Michael era paciente e que estava em tratamento do vitiligo. Dessa união nasceram dois filhos, o primeiro Michael Joseph Jackson Jr., nasceu em 1997. No ano seguinte, Debbie deu à luz a Paris Katherine Jackson. Como era de se esperar, a relação dos dois não duram muito tempo, e depois de três anos o casal se divorciou em 1999. Michael Jackson obtém a guarda dos filhos na Justiça.

Em recente entrevista aos tablóides

inglês, Debbie disse que o casamento foi apenas uma fachada para sua barriga de aluguel, e que Michael não é o pai biológico de Prince, 12 anos, e Paris, 11. Michael sempre quis ter filhos, mas sua ex-mulher, Lisa Presley, não compartilhava da mesma vontade. Debbie afirmou que nunca fez sexo com Michael, e que se submeteu a uma inseminação artificial por doador anônimo. Em seu divórcio, foi formalizado um acordo financeiro no valor de US$ 1 milhão anuais durante os três primeiros anos, e US$ 750 mil nos seis anos seguintes. Além disso, Debbie obteve uma mansão em Beverly Hills e um veículo, para abrir mão de todos os direitos maternos e desistir da custódia das crianças, e assim ter permissão para visitar seus filhos uma vez a cada 45 dias. Debbie declarava que foi melhor assim, pois nunca foi uma boa mãe e não sentia nenhum tipo de vínculo com os filhos. Ela se sentia melhor dando as crianças aos cuidados de Michael, pois não nasceu para ser mãe. Já conformada com toda a situação, sabia que nunca mais teria seus filhos fazendo parte de sua vida.

Em 1997, oito canções inéditas de “History: Past, Present and Future – Book I” foram remixadas e lançadas na semi-coletânea “Blood on the Dance Floor”, que vendeu 10 milhões de cópias, se tornando o álbum remix mais vendido da história. Entre os produtores responsáveis pelas versões estão Wyclef Jean ("2 Bad"), David Morales ("This Time Around") e Tony Moran ("HIStory"). Coincidindo com o lançamento do álbum, um curta-metragem de 35 minutos de duração, intitulado Ghosts é estrelado por Michael que voltou a impressionar os cinemas europeus na mesma época. O vídeo, escrito pelo grande mestre de terror Stephen King e dirigido por Stan Winston, era considerado uma moderna releitura de “Thriller” de 1984, com investimento de cerca de 12 milhões gastos em efeitos especiais. Michael não só interpreta o maestro e o prefeito, como teve a ajuda de truques tecnológicos para a dança de um esqueleto virtual, além de supervisionar toda coreografia dos bailarinos-zumbis. A história convida o público a uma reflexão sobre o mundo de Michael que ele descreve no filme, onde seus falsos rostos e os truques da magia é na verdade suas próprias emoções.

Continua...

O Rei do Pop - Parte 3

2009-06-25T03:00:00.000-07:00

Somente em agosto de 1987, é lançado “Bad” (esta foi à última produção de Quincy Jones). Para a mídia especializada, o álbum era pouco ousado e uma decepção na comparação com “Thriller” (1982) ou “Off The Wall” (1979). O videoclipe de “Bad”, dirigido por Martin Scorsese, mostra Michael com a pele mais clara, o que aumenta os rumores de que o músico teria feito um tratamento intensivo com hidroquinona, substância capaz de embranquecer a epiderme, mas Michael afirmou sofrer de vitiligo, uma doença auto-imune não contagiosa em que ocorre a perda da pigmentação. A medicação que tomava fazia ter sensibilidade ao sol, andando sempre protegido com um guarda-chuva. Apesar dos rumores, a popularidade do músico continua aumentando e o álbum “Bad” tornasse um grande sucesso, vendendo mais de 32 milhões de cópias em todo mundo, permanecendo durante algum tempo como o segundo mais vendido da história. Cinco músicas chegaram à primeira posição nos Estados Unidos: "I Just Can't Stop Loving You", "Bad", "The Way You Make Me Feel", "Man in the Mirror" e "Dirty Diana". Foi a primeira vez que um artista colocou cinco canções de um mesmo álbum em primeiro lugar.

Em setembro de 1987, Michael deu
início a "Bad World Tour", a primeira turnê mundial dele como artista solo, que passou em 15 países e atraiu 4.4 milhões de pessoas aos estádios, um recorde de público que seria superado pelo próprio Michael duas vezes, em 1992 e 1997. Ao final da turnê em 1988, o astro lançou a autobiografia Moonwalk e o filme Moonwalker, onde interpreta um herói extraterrestre que vem a terra ajudar três crianças a combater o vilão Mr. Big e seu exército de drogados. O longa-metragem continha os videoclipes de "Leave Me Alone", que levou um prêmio Grammy em 1989, e "Smooth Criminal", cujo vídeo tornou-se um dos clássicos da história da música pop, além de faturar o prêmio de melhor vídeo clipe da Brit Awards. No final do ano, Michael resolve sair da residência da família Jackson, para ter sua privacidade em uma recém-adquirida propriedade de 10 mil m², com parque de diversões, sala de cinema, minizoológico com animais exóticos, piscinas com cachoeiras, lagos, estação de trem, passagens secretas e 150 funcionários cuidando do rancho batizada de Neverland (Terra do Nunca, uma alusão à terra imaginária de Peter Pan), localizada em Santa Mônica, Califórnia, EUA.

O isolamento não funcionou. Michael entra nos anos 90 em meio a muita polêmica, o status de celebridade internacional, fez com que aumentasse o interesse do público e, conseqüentemente, da imprensa sobre a vida dele. Foi nesse momento da sua carreira que Michael começou a revelar seu comportamento excêntrico. O cantor nunca fez questão de esconder o quanto era consumista e gostava de ostentar riquezas. Mesmo com seus exageros, em março de 1990, Michael assina um contrato recorde de 1.089 milhões de dólares segundo a revista Forbes, com a Sony Music que asseguraria a permanência dele na gravadora por mais 15 anos . Nesse período, ele deveria lançar seis álbuns e receberia 180 milhões em antecipação por cada um deles. No livro dos recordes, Michael passou a ser citado como o artista mais bem pago da indústria da música. No mesmo ano, durante o American Music Awards, Elizabeth Taylor discursava sobre a vida musical de Michael quando finalizou: “em minha estima, ele (Michael Jackson) é o único que pode receber o título de Rei do Pop, Rock e Soul”. A platéia, manifestou-se a favor com Liz e, desde então, o público e a imprensa se refere a Michael como "Rei do Pop".

Depois de um ano longe das

paradas de sucesso, Michael pôde ser ouvido novamente nas rádios em novembro de 1991 com a canção “Black Or White”, o primeiro compacto do álbum “Dangerous”, seu primeiro álbum com a gigante Sony, que projetou o maior investimento de marketing por parte da gravadora. O videoclipe da música “Black Or White” foi o mais caro da carreira do astro, e mais uma vez, causou uma estrondosa repercussão na carreira de Michael, sendo transmitido simultaneamente para 27 países com uma audiência estimada de 500 milhões de telespectadores, vendeu mais de 21 milhões de cópias no mundo. O vídeo também ficou famoso por mostrar na televisão uma das primeiras metamorfoses geradas em computador. “Dangerous”, contava com as participações de Macaulay Culkin, Eddie Murphy, Magic Johnson, Michael Jordan, Naomi Campbell, e Slash da banda Guns 'n Roses. Duas semanas depois, é lançado o novo álbum com 14 canções inéditas - 12 delas escritas e compostas por Michael – incluindo a música “Heal The World”, cujo vídeo mostra crianças e adultos ao redor do mundo, pedindo para que os governantes não promovam a guerra.

Dia 23 de junho de 1992, Michael chega em Londres, Inglaterra, para anunciar o início de sua mais nova turnê mundial, “Dangerous World Tour”. Todos os jornalistas estavam apreensivos com o início da coletiva de imprensa, onde Michael usando calça estilo militar preta, uma faixa no braço preta e uma jaqueta preta, irá fazer um discurso anunciando a iniciativa de entrar mais uma vez em turnê mundial. Com um cheque de 100 mil dólares na mão, a intenção de Michael ao entrar em turnê é de levantar fundos para a recém-criada “Heal The World Foundation”, fundada no mesmo ano, para ajudar milhares de crianças ameaçadas pela guerra e doenças ao redor do mundo. No dia 27 de junho, a turnê "Dangerous World Tour" - novamente patrocinada pela Pespi - teve seu inicio no Olympic Stadium de Munique, Alemanha. Foi a turnê que utilizou mais equipamento do mundo. O palco demorava 3 dias para ser montado e era necessário mais de 60 carretas, 20 caminhões e 2 jumbos 747 para transportar o equipamento de 2 toneladas e meia que eram:168 homens trabalhando, 2 telões de cristal líquido, 1000 luzes e mais de 10 mil cabos elétricos.

No dia 10 de fevereiro de 1993, Michael

concede a primeira entrevista em 10 anos, no programa de TV americana da apresentadora Oprah Winfrey. Em seu rancho “Neverland”, Michael revelou particularidades de sua vida pessoal, como o caso de sofrer vitiligo, pondo fim ao mistério do seu constante embranquecimento, já que a “doença” é a destruição gradativa da pigmentação da pele. Também foram abordados outros temas polêmicas, como suas relações românticas. A entrevista atraiu a atenção de 100 milhões de telespectadores ao redor do mundo. Até hoje, é considerado o quarto evento mais assistido de todos os tempos na história da televisão americana. Em outra ocasião anterior, Michael expôs a violência doméstica vivido por ele e seus irmãos. O drama veio à tona em 88, quando Michael revelou que apanhava e era exigido demais por Joseph Jackson. A irmã La Toya foi além e acusou o pai de abuso sexual dos filhos. A fama maquiou os problemas dos Jackson. A família de testemunhas de Jeová, que ganhou em 72 um prêmio do Congresso dos EUA pelas "contribuições para a juventude americana", sofria secretamente com o pai.

Em 13 de outubro de 1993, Michael desembarcou no Brasil pela segunda vez - a primeira aconteceu em setembro de 1974, quando ele tinha apenas 16 anos, com os Jackson Five, que faziam uma turnê pela América Latina – ficou hospedado no luxuoso Hotel Sheraton Moffarej em São Paulo. Michael fez duas apresentações no Estádio do Morumbi. Durante uma visita à fábrica de brinquedos Estrela, dois veículos que acompanhavam o mega-star pararam na entrada da fábrica, esperaram por cerca de cinco minutos e partiram em direção a hospitais e instituições de caridade. Na saída um dos veículos da comitiva de Michael atropelou dois irmãos: a menina sem gravidade e o menino quebrou a perna. Michael visitou o rapaz e pagou todas as despesas médicas do hospital. Mesmo assim, o adolescente tentou extorquir dinheiro de Michael, e sua família contratou um advogado para provar que Michael não pagou nada pelo tratamento de Márcio Alberto de Paula, que fraturou o fêmur e ficou com uma perna menor que a outra, o que não era verdade. Toda movimentação de Michael e da sua turnê pelo Brasil, teve cobertura especial da Rede Globo.

Continua...

O Rei do Pop - Parte 2

2009-06-25T02:00:00.000-07:00

Criativo, ousado e talentoso, Michael inovou em muitos aspectos o mundo da música com “Thriller”. O estilo era bem mais moderno, com batidas inovadoras e totalmente contagiantes, misturando ritmos como o rock, pop e rhythm and blues. O álbum contou com grandes participações de Eddie Van Halen, que fez um solo de guitarra arrasador em “Beat It”, na época fez rádios de rock orientadas a um público essencialmente branco, tocarem a canção de um negro, e fez rádios de black music tocarem rock. Um feito inédito até então. Num momento mais tranqüilo do disco, aparece Paul McCartney, em “The Girl is Mine”, uma baladinha divertida. E a faixa-título “Thriller” é outra que merece um destaque especial. Tem a participação do ator Vincent Price, um dos grandes nomes do cinema de terror, que surge com uma narração e uma risada insana. Além disso, o clipe desta música tornou-se uma verdadeira revolução do gênero, com apresentação em vídeo que tinha efeitos especiais, coreografia e seguia um roteiro, a produção do curta-metragem de 14 minutos foi lançado ao custo de 600 mil dólares, valor elevado para os padrões da época. “Thriller” foi também um marco na luta contra a discriminação racial na indústria fonográfica. Michael tornou-se o primeiro artista negro cuja música “Billie Jean”, estava com o videoclipe veiculando na recém inaugurada MTV americana,

Durante a divulgação de “Thriller”

na noite de 16 de maio de 1983, estavam presentes 3 mil pessoas, que lotaram um teatro em Los Angeles para assistir a uma apresentação comemorativa dos 25 anos da gravadora Motown. Mais de 50 Milhões de americanos acompanharam pela TV, a apresentação dos vários artistas negros. Depois do show dos irmãos Jacksons, Michael fica sozinho no palco, e começa a cantar um dos seus grandes sucessos, "Billie Jean". De repente, Michael parou de cantar, andou até o canto esquerdo do palco e voltou deslizando de costas, com os pés para trás, dando a impressão de estar flutuando. Batizado de “Moonwalk” (andando na Lua), a cena deixou todos de queixos caídos. Naquela noite, Michael Jackson foi dormir consagrado, estava em sua fase áurea, consolidando de vez a sua carreira solo, e seu nome tornava-se o mais importante da música negra mundial e o astro de maior destaque do começo da década de 80. Em seus shows começou a usar uma luva toda brilhante, roupas especiais, jaquetas diferentes, enfim, lançou moda que foi seguida pelos fãs, transformando-se em mania mundial.

Em 1984, Michael assina um contrato de 5 milhões de dólares com a Pepsi, para patrocinar sua nova turnê mundial. Em Los Angeles, na noite de gravação de um clipe da música “Billy Jean”, para o comercial da Pepsi na televisão, Michael sofreu um grave acidente, após falha nos efeitos especiais do cenário, que acabou incendiando o cabelo e também afetando o rosto do astro. Três mil fãs viram a explosão que pôs fogo no superstar. Levado as pressas para o hospital, com queimaduras de segundo grau, foi submetido a uma cirurgia plástica para reconstituir seu coro cabeludo e parte da face. Essa, no entanto, não foi à primeira cirurgia plástica dele. Em 1979, durante um ensaio, Michael caiu e quebrou o nariz, fato que marcou a primeira de uma série de rinoplastias realizadas pelo cantor. Depois da recuperação, é lançado em março o videoclipe de "Thriller" acompanhado por um documentário sobre os bastidores da produção. A fita, intitulada Making Michael Jackson's Thriller, vendeu 14 milhões de cópias e tornou-se a mais vendida de todos os tempos, até ser superada pela do filme Titanic, de James Cameron, em 1997. Em maio seguinte, Thriller entrou para o livro dos recordes e Michael ganhou uma estrela na Calçada da Fama, em Hollywood.

Em meio aos compromissos de

“Thriller”, Michael se reúne com os demais irmãos, inclusive com Jermanie que não cantava no The Jacksons há 8 anos. Eram então anunciado a gravação e turnê do álbum “Victory”. No ano de 1984, quando tiveram início às apresentações da turnê, o álbum “Thriller”, de Michael, já havia vendido 12 milhões de cópias nos Estados Unidos, assim como quatro milhões de compactos. Mesmo sendo lançado um álbum recente do grupo, os irmãos não cantavam nenhuma música do repertório de “Victory” durante as apresentações, focando somente nos sucessos dos álbuns solo de Jermaine e Michael. Intitulada de Victory Tour, foi uma turnê de apresentações dos Jacksons que percorreu os Estados Unidos e o Canadá durante cinco meses. Com 55 concertos e uma audiência estimada em 2 milhões de pessoas, a Victory Tour arrecadou 75 milhões de dólares e estabeleceu um novo recorde como a turnê mais rentável da história, na época. Durante o último concerto da turnê, realizado em Los Angeles, em dezembro, Michael Jackson anunciou que estaria deixando o grupo para se dedicar exclusivamente à carreira solo, e dispensa o pai como agente, fazendo uma declaração bombástica: "Meu pai já ganhou muito dinheiro comigo. Agora basta de exploração". E partiu para se tornar a maior lenda da história da música nos anos 80.

Michael também esteve envolvido com causas humanitárias. Inspirado pela reunião que ficou conhecida como Band Aid, quando artistas como George Michael, Phil Collins, Paul Young, Boy George, Bono Vox e vários outros se reuniram em 1984, para gravar a música "Do They Know It's Christmas?", numa campanha de combate à fome na Etiópia. A música vendeu mais de 3 milhões de cópias no Reino Unido. No ano seguinte, o produtor Harry Belafonte criou uma versão americana desse projeto, chamado "USA For Africa". Convidou Michael como principal nome da campanha, que juntamente com Lionel Richie, compuseram a música “We Are The World”, uma letra que fala de amor e esperança. A produção do single ficou para Quincy Jones, que também fez a regência das vozes de 45 celebridades da música e televisão. Entre os artistas convidados - incluindo o próprio Michael e Lionel - participaram Bruce Springsteen, Tina Turner, Bob Dylan, Cyndi Lauper, Ray Charles, Stevie Wonder, além de outros nomes. No dia 13 de abril de 1985, "We Are The World" chegou ao primeiro lugar na Billboard, permanecendo nessa posição por 4 semanas. Vendeu 7,5 milhões de cópias e arrecadou 200 milhões de dólares. Ganhou 2 Grammy de Canção e Gravação do Ano. Foi uma das músicas que mais tocaram nas rádios do mundo em todos os tempos. Vale lembrar que o percussionista brasileiro Paulinho da Costa, teve sua participação no disco.

O sucesso trouxe dinheiro e fama,

transformando-o em uma celebridade. Além de cantor, ator, estilista, instrumentista, compositor, coreógrafo, produtor e diretor. Michael também iniciou uma carreira de empresário, quando comprou os direitos autorais do catálogo Northern Song, que continha músicas dos Beatles, Elvis Presley entre outros. Paul McCartney ficou muito chateado com Michael e desde então a amizade dos dois parece ter acabado. Nesse mesmo período, a vida pessoal de Michael começa se tornar notícia de interesse mundial. Circulavam “boatos” dos mais variados a respeito das excentricidades do cantor, como o de que tomava hormônios para manter a voz infantilizada, ou que dormia junto ao esqueleto de John Merrick (o homem elefante). Também chamava atenção, principalmente pelas constantes mudanças no rosto. Talvez por causa das cicatrizes causadas pelas queimaduras (conseqüência do acidente sofrido no comercial da Pepsi), Michael passou a andar exageradamente sob maquiagem e começa a passar por diversas cirurgias plásticas no nariz e na área dos olhos, e que dormia em uma câmara hiperbárica para retardar o envelhecimento.

Michael desmente a maioria, mas admite ter feito cirurgia no queixo e atribui a mudança na estrutura da face à puberdade, mudou o corte de cabelo e virou vegetariano cumprindo uma dieta para perder peso. Quando criança seu pai costumava dizer que ele era feio, os irmãos o apelidaram de Big Nose (Narigão), o que aumentava a sua depressão e a vontade de mudar de cara. Provavelmente esse trauma, tenha sido um dos motivos de supostas cirurgias plásticas às quais teria se submetido. Apesar das polêmicas, em 1986, Michael volta ao estúdio para gravar um novo álbum, antes, embarcou numa viajem tridimensional. O curta-metragem musical de 17 minutos, intitulado de “Captain EO”, foi especialmente feito para uma atração no parque da Disney. Dirigido por Francis Ford Copolla e produzido pelo mestre George Lucas criador de “Star Wars”, custou aos cofres da Disney cerca de 30 milhões de dólares. Para o vídeo, Michael fez a canção “We Are Here The Change The World” e “Another Part Of Me”, sendo essa música selecionada para fazer parte do repertório do álbum “Bad”, que tem o lançamento adiado para o ano seguinte. Até 1998, o filme “Captain EO”, ainda era exibido em parques temáticos da companhia.

Continua...

O Rei do Pop - Parte 1

2009-06-25T01:00:00.000-07:00

O maior fenômeno da música pop desde Elvis e Beatles, nasceu no dia 29 de agosto de 1958, na cidade de Gary, em Indiana, EUA. Michael Joseph Jackson, era o sétimo de nove filhos de Joseph Jackson e da dona de casa Katherine Scruse Jackson. A família incluindo os irmãos Rebbie, Jackie, Tito, Jermaine, LaToya, Marlon, Randy e Janet, viveram juntos em uma pequena casa de dois quartos, o pai sustentava a casa trabalhando como operário em uma usina siderúrgica. Por vontade da mãe, mas contra o desejo do pai, as crianças tornaram-se Testemunhas de Jeová, e passaram a praticar a evangelização de porta em porta. Durante sua infância Michael e seus irmãos sofreram constante abuso do pai, que batia freqüentemente nas crianças, e as apavoravam psicologicamente. De acordo com as regras rígidas do pai, as crianças eram mantidas trancadas em casa, enquanto ele trabalhava até tarde da noite. Entretanto, as crianças escapavam freqüentemente para as casas dos vizinhos, onde cantavam e faziam música. Os irmãos mais velhos encontraram a guitarra do pai que estava escondido e tocavam sem a sua permissão, enquanto ele trabalhava.

Certa vez, Joseph flagrou os filhos
mexendo no instrumento e os repreendeu. Mas logo percebeu o talento de seus filhos para música. Joseph, sempre teve o sonho de ser músico, já tinha feito parte de grupos musicais inexpressivos, mas como a carreira não deu certo, resolveu parar. A frustração dele, no entanto, acabou quando enxergou nos filhos, uma nova fonte de ganhar dinheiro. Então, afastou-se do emprego para dedicar grande parte de seu tempo, ao treinamento das crianças. Os ensaios eram supervisionados pelo pai, no mínimo cinco horas por dia com um cinto na mão. Foram ensinados a eles tudo sobre o “Rhythm And Blues”. A primeira formação na época se chamava Ripples and Waves, estava pronto para começar suas apresentações, quando Joseph percebeu um pequeno potencial de 4 anos de idade, que com sua voz doce e firme, rodopiava acompanhando os irmãos durante os treinos: era Michael. Imediatamente o pai lhe impôs a mesma rotina dos meninos mais velhos. Com mãos de ferro, Joseph não poupava castigos e agressões, ao menor sinal de cansaço, desânimo ou vontade de sair para brincar com outras crianças. Com a inclusão do menino-prodígio, a banda foi rebatizada para Ripples and Waves Plus Michael, um nome complicado para ser anunciado nos shows, depois passou a ser chamada de The Jackson Brothers, que sem expressão teve o nome alterado para The Jackson Five.

Em 1965, Michael com apenas 5 anos de idade, se apresentava precocemente no palco ao lado dos irmãos Jackie, Tito, Marlon e Jermanie. A banda participou de um concurso de talentos do ginásio Roosevelt, onde venceram com uma releitura da música “My Girl” dos Temptations. No ano seguinte, graças ao talento inconfundível de Michael, que já vinha se destacando pela sua capacidade de cantar e impressionar a platéia com sua perfeita coreografia improvisada, chama a atenção da cantora Gladys Knight, que os contratou para abrir seus shows no Regal Theater de Chicago e convidou vários empresários influentes da Motown - a mais importante gravadora de artistas negros dos Estados Unidos - para assistir o espetáculo. Ignorados pelos executivos, o grupo foram convidados por uma gravadora local, a Steeltown, para lançar um single independente, que saiu na primavera de 1968, "Big Boy". A canção chegou às rádios e se tornou um hit modesto. Desta forma Gladys Knight, conseguiu chamar atenção de Berry Gordy, dono da lendária Motown, para fazer uma audição com o grupo, e logo em seguida contratá-los. Mesmo sendo uma descoberta de Gladys Knight, todos os créditos seguiam para Dianna Ross, que, impressionada com o potencial dos garotos, insistiu em ser sua mentora.

O primeiro single do grupo,

"I Want You Back", foi lançado, e surpreendentemente chegou à primeira colocação nos Estados Unidos. Dois meses depois, no Natal, aconteceria o lançamento do primeiro álbum do grupo: Diana Ross present The Jackson Five. Embalados pelo sucesso do primeiro single, eles fariam sua primeira apresentação em rede nacional de televisão, durante o popular programa de Ed Sullivan Show. A fórmula vinha funcionando perfeitamente: uma mistura pop adolescente somada aos empolgantes vocais do pequeno Michael, já com oito anos de idade. Em fevereiro de 1970, os Jackson Five colocariam seu segundo single no topo, a música "Abc" que tirou da primeira posição o clássico "Let It Be", dos Beatles, e vendendo mais de dois milhões de cópias, tornando-se o single mais vendido do ano e conquistando o Grammy de "Melhor Canção Pop do Ano" para o grupo. A melódica "The Love you Save" derrotaria mais uma vez os Beatles, substituindo "The Long and Widing Road" na primeira colocação. E aconteceria novamente, com "I'll be There", marcando um recorde, o grupo teria conquistado a primeira posição com seus quatro primeiros singles. A partir daí, o Jackson Five entrou para a história musical do país, por ser a primeira banda formada por negros a fazer sucesso e se tornar um dos mais populares grupos musicais dos anos 70.

Em 1971, encorajado por Berry Gordy, da Motown, Michael começa uma carreira-solo aos 13 anos de idade, inicialmente paralela a sua atuação no Jackson Five. Nesse mesmo ano, Michael sofreu depressão por não aceitar o fato de estar crescendo, trauma ocasionado pelo sucesso prematuro ainda quando criança. Gravou um single "Got To Be There", e no ano seguinte lançou o disco "Ben". Dois anos depois, destacou-se com "Music and me". Em 1975, o Jackson Five se reúnem e decidem sair da gravadora Motown, para assinar contrato com a Epic, em busca de mais liberdade para produzir suas músicas. Com isso, Jermaine, que era membro do grupo e que tinha se casado com a filha de Berry, resolveu deixar o Jackson Five para ficar com a gravadora. Todos sentiram a perda, mas ele acabou sendo substituído pelo irmão mais novo, Randy. A gravadora Montown, tinha comprado os direitos autorais do nome Jackson Five, de modo que, eles não poderiam mais usá-lo. Como resultado do processo judicial, tiveram que mudar o nome para The Jacksons, ficando a Michael o posto de principal compositor do grupo.

Em 1978, Michael atua no papel

de Espantalho, no filme The Wiz, uma adaptação musical de The Wizard Of Oz (Mágico de Oz), no elenco formado por negros, estavam Diana Ross, Ted Ross e Richard Pryor. A produção não fez muito sucesso, mas durante as filmagens, Michael conhece o produtor Quincy Jones, que havia feito os arranjos e produzidas as canções do filme. Foi então, que a carreira-solo de Michael começa a decolar em 1979. Com 21 anos, Michael já havia conseguido derrubar a imagem de menino-prodígio, que o acompanhara até a adolescência, e sustentando um estilo próprio, coloca o álbum “Off The Wall”, com produção de Quincy Jones, nas paradas de sucesso. A faixa-título, "Rock With You" e a canção "Don´t Stop 'Till You Get Enough" foram as responsáveis pela ascensão do disco, a crítica elogiou a fusão de ritmos como funk, disco music, pop e soul. O álbum vendeu 11 milhões de cópias, além de Michael ganhar o prêmio Grammy de melhor artista masculino de rhythm and blues. Apesar de ter vendido com um único álbum solo, mais do que a banda formada com seus irmãos haviam conseguido na carreira de 11 anos, Michael resolveu continuar com os irmãos, atendendo a pedidos da mãe.

Ainda seguindo carreira paralela com The Jacksons, lança mais um disco em setembro de 1980, intitulado de “Triumph” que chega às lojas do mundo inteiro. No ano seguinte, é gravado “The Jacksons Live”, o primeiro álbum ao vivo da banda. Com uma agenda apertada para divulgação que incluía especiais no rádio e uma seqüência de shows pelos Estados Unidos, Michael tinha pouco tempo para gravar o álbum que seria sucessor de “Off The Wall”. Ainda assim, aceitou um convite do cineasta Steven Spielberg, para narrar a história do filme E.T., O Extraterrestre em um disco que ainda incluía a canção inédita "Someone In The Dark". Depois de vários adiamentos, foram concluídas as gravações de “Thriller”, o álbum foi finalizado em seis meses e lançado em novembro de 1982. Michael já dominava o pop quando lançou o disco. Três meses depois, o álbum chegou ao topo das paradas norte-americanas e tornou-se um dos mais vendidos da história da música. A parceria Michael Jackson com o produtor e arranjador Quincy Jones, mostrou toda sua potência musical em Thriller. Nem as previsões mais otimistas poderiam imaginar quase 50 milhões de cópias vendidas do álbum (atualmente mais de 104 milhões de cópias vendidas no mundo), 8 prêmios Grammy, 7 American Music Award, 37 semanas na primeira posição dos discos mais vendidos nos Estados Unidos e inacreditáveis 2 anos tocando nas rádios seguidamente.

Continua...

A lenda Robert Johnson

2009-05-08T08:39:00.000-07:00

Robert Leroy Johnson, nasceu provavelmente por volta de 08 de maio de 1911, filho de uma relação extraconjugal de sua mãe Julia Major Dodds, com o trabalhador do campo chamado Noah Johnson. Robert Johnson, foi criado pelo pai traído Charles Dodds, que não perdoou a esposa e mandou embora de casa. Era o 11.º filho de uma família de escravos, que trabalhavam como lavradores, em uma fazenda de algodão na cidade de Hazlehurst, no Mississipi. Uma região marcada pelos intensos conflitos raciais e considerado berço do blues norte-americano.

Desde criança ajudava sua família no campo até aos 16 anos. Quando resolveu largar o trabalho, para aprender a tocar gaita sozinho, logo depois fugia para casa de Son House, que lhe ensinava a tocar violão. Já alcançando a maioridade, Johnson resolve sair de casa e passou a viajar, tocando em todos os lugares que pudesse, como prostíbulos, bares de baixa popularidade e principalmente na rua. Com vinte anos, Johnson descobriu como fazer sua guitarra chorar usando o gargalo de uma garrafa quebrada, deslizando-a pelas cordas.

Com o decorrer do tempo, surgi uma história onde, Johnson havia feito um pacto e vendido sua alma ao diabo na encruzilhada, para se tornar um grande músico de blues. O que se conta no Mississipi, é que existia um músico que surgiu do nada, fazendo harmonias complexas e reinventando o blues. Acredita-se que Robert Johnson, ficou à espera nessa encruzilhada, com seu violão à mão, em uma noite de lua nova. Quando deu meia noite, o diabo em forma de homem apareceu para afinar o instrumento. A partir daí, todos que ouvem suas músicas são encantados por ela.

As atitudes de Johnson, ajudavam a espalhar sua fama de sinistro e adorador de forças ocultas. Uma delas era o hábito de tocar de costas, para o público durante seus shows. As pessoas diziam que ele fazia isto, para esconder o olhar do diabo que surgia para auxiliá-lo. Na verdade, a versão mais coerente supõe que ele tocava de costas, para esconder os acordes que inventava sozinho e não queria que algum músico provavelmente na platéia o copiasse, pois, Johnson era um excelente tocador de violão. Desta forma, acredita-se que a lenda do pacto com o diabo tenha surgido mais por inveja.

Conquistou fama regional, e logo começou a tocar junto com os músicos que mais o influenciaram, Charlie Patton e Willie Brown, além do próprio Son House. Juntos, perpetuavam o que se costuma chamar de country blues; o blues rural ou delta blues, pois vinham da região do delta do Mississippi. Sua carreira profissional durou apenas dois anos entre 1936 a 1938, gravou apenas 29 músicas, através do seu violão um Kokomo, marca simples e muito barata, com velhas cordas oxidadas a ponto de rasgar os dedos. Não se sabe até hoje, como ele conseguia extrair das gravações uma sonoridade robusta e, ao mesmo tempo fina, com a caixa pequena e estreita do instrumento.

Robert Johnson gravou seu repertório em sessões no Mississipi e clássicos no Texas. As duas versões de Crossrodas, por exemplo, foram registradas em Santo Antônio (Texas). Coube a ele escrever a música a caminho, em uma parada em Forth Worth. Em vida, não conseguiu nenhum reconhecimento comercial. Porém, ganhou de seus companheiros músicos o título de "The King of the Delta Blues Singers". No dia 16 de agosto de 1938, é dado seu óbito aos 27 anos, na cidade de Greenwood, no Mississipi. Como toda boa lenda, existem diversos rumores para explicar a causa da sua morte.

Dizem que, algumas semanas antes de morrer, ele começou a paquerar uma mulher de um clube onde tocava. Johnson era famoso pela atração que causava nas mulheres. Só que ela era casada e, por influência do marido ciumento, teria oferecido uma garrafa de uísque envenenado ao músico. De acordo com testemunhas, ele morreu três dias depois, sofrendo de terríveis dores estomacais durante esse tempo, estava em estado convulsivo por causa da bebida. Relatos exagerados falam que, antes de morrer, Johnson teria começado a uivar como um cão, pois havia chegado à hora de pagar pelo pacto com o diabo.

Embora Johnson, certamente não tenha inventado o blues, que já vinha sendo gravado 15 anos antes de suas gravações, seu trabalho modificou o estilo de execução, empregando mais técnica, riffs mais elaborados e maior ênfase no uso das cordas graves para criar um ritmo regular. Influenciou Elmore James e Muddy Waters, e o blues elétrico de Chicago na década de 1950. Também tocou com o jovem Howlin' Wolf e Sonny Boy Williamson (que afirma ter estado presente no dia do envenenamento de Johnson e ter alertado sobre a garrafa de whisky). Anos após sua morte, o grupo de admiradores de Johnson cresceu e inclui astros do rock como Keith Richards e Eric Clapton.

A Encruzilhada (Crossroads)

Trata-se de um belo tributo às raízes do blues. O filme é uma clara alusão, à história de um dos maiores músicos do blues americano, Robert Johnson. Em especial sobre a lenda de ter vendido sua alma ao demônio, para obter o seu talento e habilidade com o violão, desta forma, tornando-se o rei do Blues.

No filme, Ralph Macchio (o eterno Karatê Kid), interpreta Eugene Martone, um jovem estudante de violão clássico apaixonado por blues, que parte em busca de uma música inédita, nunca divulgada, feita por Johnson, porém a música jamais existiu. Sonhando em se tornar um famoso bluesman, recorre a um velho parceiro do legendário Robert Johnson, que se encontrava no hospital penitenciário de Nova York. Aproveitando a ingenuidade do rapaz, Willie Brown (Joe Seneca), engana o jovem com a promessa de levá-lo até o interior do Mississipi, para encontrar a canção perdida, que lhe dará muita fama e fortuna.

Durante a trajetória, eles aprendem uma verdadeira lição de música e vida, passam por encontros e desencontros, e também sentem o preconceito racial existente na cidade, até encontrarem a legendária encruzilhada, onde o veterano gaitista um dia negociou com o demônio sua alma em troca da fama. No trecho final do filme, o Diabo aparece e faz um novo acordo com o velho, que aceita rasgar o contrato, caso o jovem aprendiz aceite o desafio em duelar com o guitarrista do Demônio, Jack Butler, interpretado por ninguém menos que Steve Vai, que vai tocar muito para garantir mais uma vez sua vitória.

A melhor parte do filme, é quando ocorre o famoso duelo de guitarras. Vencida pelo jovem, que consegue resgatar a alma de seu amigo vendida ao diabo. O curioso é que sua vitória se dá porque, o estudante de violão clássico, apela para a riqueza da Música Clássica. Outra curiosidade do filme, fica por conta do ator Ralph Macchio, que reproduzio fielmente cada acorde, ainda que o som que se ouve da guitarra não tenha saído dos dedos dele e sim de outro guitarrista, Ry Cooder e com a participação do próprio Steve Vai, que toca as duas partes da canção ''Eugene's Trick Bag'', uma releitura da clássica peça ''Caprice #5'', de Niccolo Paganini.

Com direção de Walter Hill, o filme tem excelentes condições de se transformar num cult-movie, principalmente para quem se interessa por blues e a música jazzística americana. Toda trilha sonora tem novamente a produção do blues elétrico de Ry Cooder.

O disco mais valioso do Brasil

2009-05-07T12:13:00.000-07:00

Quanto você pagaria por um disco em vinil com apenas duas canções, que podem ser facilmente encontradas de graça na Internet?

Pois, um colecionador desembolsou a quantia de 25.742 libras (cerca de R$ 82 mil), em um compacto de sete polegadas da música "Do I Love You (Indeed I Do)", do cantor norte-americano Frank Wilson. A venda aconteceu através de leilão, promovido por um site inglês especializado em raridades da música soul. Segundo a BBC, esta é a maior quantia paga por um compacto, é uma das duas únicas cópias conhecidas do single de 1965, cujo lançamento foi abortado pela gravadora Motown. Na época, o dono do selo Berry Gordy desistiu de lançar o compacto, que também tem a canção "Sweeter As The Days Go By" no lado B e teve as cópias fabricadas destruídas.

O valor obtido pelo single, também surpreende quando comparado a itens de nomes estabelecidos na industria fonográfica, como por exemplo os Beatles. Em novembro de 2008, uma cópia rara do "Álbum Branco", a de número 000005, foi vendida por quase US$ 30 mil (cerca de R$ 64 mil), também por leilão na Internet. A cópia considerada a primeira fabricada, após as quatro que foram presenteadas aos Beatles, é um dos itens da lista com os 200 discos mais raros de todos os tempos da revista inglesa especializada em raridades "Record Collector".

Já aqui no Brasil, o álbum “Paêbirú” é, atualmente, o vinil mais valioso da história da música brasileira. Seu formato original, chega a valer atualmente cerca de R$ 4 mil, superando “Louco por Você”, o primeiro disco de Roberto Carlos, considerado por muitos anos, o mais caro do país. Trata-se de um raríssimo álbum duplo, gravado por Lula Cortês e Zé Ramalho, durante os meses de outubro a dezembro de 1974, pela gravadora Rozemblit, em Recife (PE). Tido como clássico do pós-tropicalismo, o disco traz seus quatro lados dedicados aos elementos da natureza: Água, Terra, Fogo e Ar. A dupla produziu a síntese mais alucinada do que se poderia chamar de psicodelia brasileira, misturando as sonoridades regionais, com experimentalismo tropicalista e influência do jazz e rock internacional.

“Paêbirú”, quer dizer na linguagem dos Incas “O Caminho da Montanha do Sol”. É um dos principais expoentes do gênero conhecido como udigrudi, movimento cultural bastante difundido no Recife, na década de 70, que desafiava a ditadura militar usando a psicodelia e o nonsense. Do cenário musical da época, participaram da gravação do álbum músicos importantes, como Geraldo Azevêdo, Alceu Valença, Paulo Rafael, Robertinho do Recife, Jarbas Mariz, Ivson Wanderlei, Zé da Flauta, Israel Semente, Diké, o pai-de-santo Zé de Torubamba, Zé Preto, Jorge Tavares, Raul Córdula, Marcelo Mesel (como fotógrafo), entre outros. Outro álbum da psicodelia nordestina, que entrou para o ranking dos discos mais caros do País, chama-se “No Sub Reino dos Metazoários”, do pernambucano Marconi Notaro, que já havia tocado com Zé Ramalho e Lula Côrtes. A sua cotação alcançou o valor de venda acima de R$ 2 mil.

Apesar de desconhecido pelo grande público brasileiro, o disco despertou grande interesse de colecionadores estrangeiros, principalmente, pelas lendas que envolviam a gravação do álbum. A fábrica e estúdio da gravadora Rozenblit, onde o álbum foi produzido, ficava à beira do rio Capibaribe, sendo inundada em 1975, por uma enchente que atingiu várias regiões de Recife. Milhares de cópias e inclusive a fita master, foram praticamente destruídas. Com a exceção de 300 cópias salvas pela a ex-mulher de Côrtes, a cineasta Kátia Mesel, que dias antes a tragédia havia levado os discos para casa. Dessas cópias, uma boa parte foram parar em mãos estrangeiras, fazendo com que o disco se tornasse um verdadeiro achado arqueológico. Devido a uma exigência de Zé Ramalho, que não permitia o relançamento do álbum no Brasil, porque queria sua foto na capa principal, e não na contracapa, como está no original. No entanto, um obscuro selo alemão Shadoks, relançou “Paêbiru” em CD e vinil na Inglaterra ilegalmente.

A história de “Paêbirú”, um dos discos mais emblemáticos da história da Música Popular Brasileira, será contada no documentário “Nas Paredes da Pedra Encantada”, de Cristiano Bastos, e será lançado ainda em 2009. Foi no sítio arqueológico, em Pedra do Ingá, pequena cidade paraibana, próxima a Campina Grande, onde se encontra esta enorme pedra com inscrições e desenhos feitos em baixo relevo, que teriam sido feitos por um certo “cacique de pele colorida”, Sumé, que veio do espaço para orientar os indígenas, antes da chegada dos colonizadores. Foi deste mito, que Zé Ramalho e Lula Côrtes, decidiram produzir sua obra conceitual.

Entrevista com Ernesto Doset

2009-03-09T02:45:00.000-07:00

Nome: Ernesto Doset
Idade: 48
Nascido em: Sorocaba
Profissão: Administrador

Da paixão pela música herdado pelos tios, Ernesto faz do seu repertório, uma ponte entre o passado e o presente, para divulgar os grandes nomes da música popular brasileira.

O Bexiga já foi considerado, um dos pontos de boemia mais tradicionais de São Paulo. Por que, esse reduto adotado por Adoniram Barbosa, deixou de ser parada obrigatória nas noites paulistanas?

Ernesto Doset: Não só por Adoniran Barbosa, mas por Johnny Alf, Maísa Matarazzo, Toquinho, Altemar Dutra e muitas outras estrelas de nossa música. Com a deterioração do centro de São Paulo, principalmente ocasionada pela presença de viciados e pequenos traficantes, começaram a ocorrer pequenos furtos e roubos, o que assustou os freqüentadores e os donos de casas de espetáculos que acabaram por migrar para o Itaim Bibi, Pinheiros, Vila Madalena, etc. Felizmente hoje o quadro é bem diferente, o Bixiga voltou a ser um lugar tranqüilo e seguro e existem alguns projetos na Câmara Municipal de São Paulo de revitalização do bairro, a exemplo do que está acontecendo no resto do centro da cidade.

Qual recordação você tem dos “velhos tempos” do Bexiga?

Ernesto Doset: Só coisas boas. Grandes shows em pequenas casas. Muita gente bonita circulando pra lá e pra cá. Que bom que está voltando.

Hoje em dia, é muito comum encontrar uma roda de pagode, em qualquer boteco de esquina, para trazer mais clientela. Entretanto, você abdicou desse formato extremamente popular, para oferecer um ambiente mais selecionado. Qual foi o motivo dessa decisão?

Ernesto Doset: É preciso manter e cultuar nossas raízes e tradições. Não se pode viver de modismos e consumismo. Isso é para especuladores e eu não sou um deles.

Antes de se tornar proprietário do Lua Nova Arte & Bar, você era músico da casa. Como ocorreu essa mudança?

Ernesto Doset: O meu grande amigo, maestro e arranjador Vidal França, que era o proprietário, é músico e compositor de enorme talento, mas, tocar a casa comercialmente falando, não era o forte dele. Por esta razão entramos em acordo e acabei comprando a casa.

Quando conheci o Lua Nova Arte & Bar, você tocava com o grupo Trajetória do Samba, depois pelo “Dois no Samba”, composto por você e pelo excelente Beto Batera. E atualmente passou a ser “Três no Samba”, com a inclusão de Márcio Miele, e mesmo assim, a qualidade das apresentações não perderam em nada. Comente um pouco sobre essas formações?

Ernesto Doset: Eu particularmente gosto muito da formação tradicional com surdo, pandeiro, cuíca, cavaquinho, etc, porém alguns desencontros por um lado e outros compromissos dos músicos que formavam o “Trajetória do Samba” me levaram a optar por uma formação mais compacta e mais eclética. Hoje tocamos também outros gêneros de música, xote, baião, canção, bolero, tango, etc. Tudo que é bonito tem espaço em nossas apresentações mesmo porque os compositores brasileiros são muitos versáteis e por isso os interpretes também tem que ser.

Você toca um violão de 7 cordas, instrumento muito utilizado no Choro. Qual sua formação musical e como surgiu o seu interesse pela música?

Ernesto Doset: Desde menino dentro da própria casa ouvia meus tios, irmãos do meu pai, que eram artistas populares tocando e cantando com um regional formado por eles. Não havia como não ser influenciado. Ficava horas a fio ouvindo as músicas e as histórias. Pelo relacionamento profissional deles fomos brindados com visitas ilustres em nossa casa, como a do Noite Ilustrada e Silvio Caldas.

Com um repertório clássico e refinado, você demonstra todo a sua reverência aos grandes mestres do samba. Infelizmente nomes de valores históricos, que foram esquecidos pelo tempo. Como você analisa o atual momento da música brasileira?

Ernesto Doset: É muito difícil falar disso sem ser parcial. Mesmo porque gosto não se discute. O que eu penso é que, infelizmente, com o avanço tecnológico, o artista cada vez mais vai sendo deixado de lado. Por exemplo você pega um desses teclados modernos, computadorizados e acoplados com bateria eletrônica é uma coisa que não dá pra competir. Um cara sozinho, insere um disquete previamente preparado e esse negócio, pra não dizer outra coisa, até canta por ele. Onde você teria seis ou sete músicos você tem essa obra prima da engenharia eletrônica a seu favor.

Um dos pontos, que considero mais interessante nas suas apresentações, são justamente nos intervalos entre as músicas, onde você pede a atenção do público, para descrever a história envolvendo uma determinada composição. Explique a importância dessa informação?

Ernesto Doset: Eu penso que o artista, como no meu caso, que interpreta obras dos outros, tem por obrigação, primeiro saber o que é, e de quem é ou o que está cantando, segundo informar o público a esse respeito pois é absolutamente responsável pela divulgação da cultura musical brasileira a todos aqueles que vem lhe assistir.

Durante a semana, toda noite tem uma atração diferente no palco, cada um se apresentando no seu estilo e gênero musical . Existe um critério adotado, para um determinado padrão de show? Qualquer pessoa com senso artístico pode se apresentar?

Ernesto Doset: Eu faço pessoalmente uma triagem de cada artista que deseja se apresentar. Essa coisa de deixar um CD “demo” comigo não vai. A gente sabe, voltando a falar da tecnologia, o que se consegue fazer num estúdio de gravação. Até mudo canta e aleijado (sem mãos) toca. Eu não tenho preguiça. Monto o palco, ligo e preparo o som e coloco o artista pra fazer uma breve apresentação. Quem sabe faz ao vivo. Meu desejo é só proporcionar ao público que prestigia o Lua Nova atrações de qualidade.

Além da música, o Lua Nova Arte & Bar, também oferece espaço para outras atividades a serviço da arte e cultura. Essa oportunidade é bem aceita, pelo público freqüentador. Ainda existe interesse em artistas alternativos?

Ernesto Doset: Claro que sim. Recentemente tivemos uma vernissage, um sarau de música e poesia e o lançamento de um livro.

O samba com feijoada é um cardápio bem recebido, em um reduto tradicionalmente italiano de macarronadas e Tarantelas?

Ernesto Doset: O Bixiga tem isso de bom. Não se esqueça que somos os atuais campeões do carnaval paulista (escola de samba Vai-Vai em 2008). Aqui o samba convive pacifica e harmoniosamente com as tarantelas.

Falando em comida, além da deliciosa feijoada, o serviço de cozinha oferece refeições diariamente, cada dia um prato diferente. Qual o segredo para manter a excelência e qualidade do cardápio?

Ernesto Doset: No momento não servimos mais almoço, com exceção aos sábados. Estamos passando por uma reestruturação e em breve voltaremos a fazê-lo, provavelmente em abril.

A forma de atendimento ao público é muito humana. As pessoas se sentem à vontade e como diz a simpática e sorridente Bia Sá (gerente e coordenadora), “a casa é de vocês”. Assim como eu, muitos que convidei tiveram a mesma impressão, o tratamento sempre com sorriso, as brincadeiras e principalmente o respeito. Isso faz do Lua Nova Arte & Bar, um ambiente de amigos?

Ernesto Doset: A Bia não está mais trabalhando comigo. Precisava voltar a estudar, concluir a faculdade, e aqui, pelo ritmo que é não era possível. De qualquer forma, procuramos efetivamente proporcionar a quem freqüenta o Lua Nova essa sensação de estar em casa. O funcionários são orientados e cobrados desse tipo de postura. Quanto a quem gerencia a casa isso é obrigação.

Eu sou suspeito para falar desta casa, que conheci por acaso em novembro de 2007, onde fui o primeiro cliente a celebrar um aniversário (se tiver errado me corrija) e toda vez que venho com a minha família e amigos, todos são bem recebidos.

Ernesto Doset: Nada mais é do que a obrigação de quem abre a porta de um estabelecimento para receber pessoas. Realmente você foi o primeiro a celebrar um aniversário na feijoada de sábado, mas eu gostei, achei muito legal.

Para terminar a entrevista, gostaria que você indicasse uma música, que tenha um significado ou que goste de cantar, para ser anexado ao vídeo da matéria.

Ernesto Doset: Legal! Pode incluir a música “Espelho” do memorável João Nogueira e Paulo Cezar Pinheiro. Obrigado pelo carinho e pela oportunidade e não deixe de aparecer.

Endereço

Lua Nova Arte & Bar (http://www.luanovaartebar.com.br/)
Rua Conselheiro Carrão, 451 (esquina com a Rua 13 de Maio)
Fone: 011 2538-2017

Promoção

Envie e-mail para projetoattitude@bol.com.br com a seguinte frase: "Eu quero conhecer o Lua Nova Arte & Bar" e ganhe desconto pra você e seus acompanhantes.

Fortaleza de Sta Cruz - Parte 1

2009-01-03T17:59:00.000-08:00

Considerada a mais importante do país e um dos pontos turísticos mais incríveis de Niterói, está situada sobre a ponta de um rochedo, ao lado oriental da barra da baía de Guanabara, no bairro de Jurujuba, num local onde todos os barcos que entram ou saem do porto são obrigados a passar, sobre a mira defensiva de canhões que encontra-se guarnecida até aos dias de hoje. Com sua longa extensão e arquitetura poligonal imponente, construída em uma área de 7.153 metro quadrado. A fortificação consiste numa compacta obra de alvenaria de 20 a 25 pés de altura, revestida por pedras trazidas de Portugal a partir de 1567, a Fortaleza de Santa Cruz da Barra (mais conhecida como Fortaleza de Santa Cruz), foi reinaugurada em janeiro de 2004, depois de passar por sérias obras de recuperação, pela segunda vez em sua história. A primeira foi em 1896, para reparar os estragos causados durante a "Revolta da Armada". Desde 2005, as suas instalações sediam o Quartel-general da Artilharia Divisionária da 1ª Divisão de Exército, ligada à 1ª Divisão de Exército e ao Comando Militar do Leste.

Cercada de inúmeras histórias, entre elas reza a lenda local, acerca de um túmulo na parede da Capela de Santa Bárbara, que se trata do sepulcro da jovem Iracema, filha do capitão Potyguara, que, apaixonada por um cabo e impedida de viver o seu amor, atirou-se ao mar em Dezembro de 1906. A Fortaleza de Santa Cruz, participou de momentos históricos do nosso País, principalmente quando impediu tentativas de invasão por parte de franceses e holandeses. Sua história teve inicio no ano de 1555, o Almirante francês Nicolau Durand de Villegaigon montou duas bocas de fogo no pequeno cabo localizado à direita de quem entra na barra do Rio, controlando o canal, e alcançando com fogo os Fortes de Copacabana, Laje, São João e Imbuí. Estava instalada a fortificação que seria dominada em 1567 pelo Governador-Geral Mem de Sá e elevada, no mesmo ano, à categoria de Bateria, por Salvador de Sá, que lhe deu o nome de Bateria de Nossa Senhora da Guia. Em 1599 impede-se, da fortificação, a entrada na baía de Guanabara da esquadra do corsário holandês Oliver Van Noorth. Já em 1612, contando então com vinte bocas de fogo, passa a ser chamada de Fortaleza de Santa Cruz da Barra, tendo seu regimento aprovado em 24 de Janeiro de 1613 por D. Álvaro Silveira e Albuquerque Governador da cidade, que foi o responsável pela ordem de construção de cinco celas na rocha, com dois metros de altura e sessenta centímetros de largura, destinadas a presos políticos.

Devido ao seu isolamento - antes só era acessível entrar na Fortaleza por meio do mar ou por um estreito caminho nos rochedos - serviu como presídio político durante o regime militar. Ao longo desse período serviu de cárcere para nomes ilustres do cenário nacional, como o Patriarca da Independência, José Bonifácio de Andrade e Silva, os líderes da farroupilhas Onofre Pires e José de Almeida Corte Real, Bento Gonçalves e Giuseppe Garibaldi, o líder da Revolução Praieira, Pedro Ivo Veloso da Silveira, o primeiro presidente uruguaio Fructuoso Rivera, Euclides da Cunha, o Capitão Juarez Távora e Eduardo Gomes, Alcides Teixeira e Estilac Leal (que na véspera de carnaval escaparam com o auxílio de uma corda, a 28 de Fevereiro de 1930), o integralista Plínio Salgado, o comunista Luís Carlos Prestes e o general Lott, além de Juscelino Kubitschek e Darcy Ribeiro. Durante a Revolução de 1964, aí foram detidos Miguel Arraes e João Pinheiro Neto. Já em 1943, foi aberta uma estrada em plena rocha granítica, permitindo acesso de veículos a Fortaleza. Por ser uma região sob controle militar, todo o caminho é constantemente vigiada por uma guarita e mais adiante um bloqueio. Seguindo a estrada, você pode parar para se refrescar tomando água natural, vinda diretamente da fonte chamada de Nossa Senhora da Guia. Mais adiante, logo á entrada, na Praça Fronteira, encontram-se três canhões de 178 milímetros, instalados em 1942, voltados para alto mar.

A vista que se tem da Fortaleza de Santa Cruz é deslumbrante. O Pão de Açúcar, é visto por um ângulo somente acessível, para quem passa de avião ou de barco. Para adentrar na Fortaleza, somente com o acompanhamento de soldados-guias do 8º Grupo de Artilharia de Costa Motorizado. Ao cruzar a guarita de acesso à fortaleza, o visitante poderá apreciar o relógio de sol, que mede a passagem do tempo através da posição do sol, feita em pedra de lioz, com algarismos romanos, datado de 1820. Através de um pátio totalmente calçado em pedra de cantaria, chegasse à Capela de Santa Bárbara, construída em 1612, no século XVIII. No interior a imagem da padroeira da Artilharia, feita de madeira maciça, com enfeite em pedras semi-preciosas e medindo 1,73m de altura. Tem, numa das mãos, um cálice, que representa a virgindade e, em outra, uma espada, o que a torna guerreira. Envolvendo a imagem, há uma história mística, segundo a qual a santa fora trazida para aquele lugar por engano; no entanto sempre que se tentava removê-la dali, o que, na época, somente poderia ser feito por mar, um fato estranho acontecia: ao colocar a imagem no barco, as águas do mar tornavam-se, subitamente, agitadas, impossibilitando seu transporte. Depois de muitas tentativas, finalmente, a imagem foi deixada na capela, pois era ali, segundo se entendeu, que a santa queria ficar.

Seguindo adiante, chega-se ao local chamado Cova da Onça, uma sala onde os presos eram torturados, em uma roda de madeira com lâminas cortantes, sendo, então, seus despojos jogados ao mar, através de um poço, localizado no lado oposto á entrada da sala. O nome “Cova da Onça” provém da explicação da guarnição, ao ser perguntada pelos outros presos sobre a origem dos gritos dos torturados, de que eram os rugidos de uma onça, aprisionada no local. No paiol de munições, lugar onde eram destinado o armazenamento de explosivos e munições, foi destruído por uma faísca elétrica, e logo reconstruído em 1875, concluindo-se a modernização da praça em 1877. Posteriormente foram instaladas enfermaria, farmácia e iluminação a gás carbônico em 1882. Ao lado do paiol, também é construído um espaço conhecido como "Salão de Pedra", com mais de 200 m², com teto de pedras de granito abobadadas, talhadas a mão e ligadas com óleo de baleia, cal e mariscos triturados. Hoje o lugar é utilizado para cerimônia de casamento, aniversários, bailes, palestras e outros eventos. Na parte onde se localiza o farol do forte, foi planejado um local denominado Espaço Cultural do Farol, com acesso a parte das histórias contadas através de exposições de gravuras e fotografias.

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Fortaleza de Sta Cruz - Parte 2

2009-01-03T14:18:00.000-08:00

A fortaleza possui três baterias de artilharia, dispostas em níveis diferentes. A mais moderna é a Bateria de Santa Teresa ou Bateria do Imperador, composta por quatro peças de fabricação inglesa, sendo duas de 150 milímetros, datadas de 1867, e duas de 120 milímetros, de 1872. São canhões, com a boca em seção hexagonal onde se colocava o projétil, carregado com pólvora na culatra. No local, um mastro de pau-brasil com cerca de 18 metros de comprimento, serve ao hasteamento da Bandeira Nacional. A segunda bateria a ser construída foi a Dois de Dezembro, no nível inferior, composta de vinte e uma casamatas, dispostas em semicírculo. O comandante dessa bateria colocava-se na décima primeira casamata, de onde tinha uma visão perfeita de todas as outras, que eram equipadas com canhões ingleses de 120 milímetros, fabricados entre 1862 e 1865, e cujos disparos tinham um alcance entre 5 e 8 km. A terceira bateria, é também a mais antiga, situada no nível mais baixo da fortaleza, é a Vinte e Cinco de Março, composta por vinte casamatas. Os canhões dessas duas últimas baterias eram imóveis, o que fazia com que a mira fosse obtida através de duas pequenas vigias, instaladas uma de cada lado da abertura onde ficava a boca do canhão. Um soldado ficava em cada vigia, e quando o navio inimigo era avistado pelos dois, ao mesmo tempo, o canhão era, então, disparado.

Próximo á Bateria Vinte e Cinco de Março ficava no passado, o paredão de fuzilamento: um muro de rocha, junto a uma fonte natural, que era utilizada para limpar o local de execução. Ainda são visíveis as marcas de balas nesse paredão. Na outra extremidade dessa bateria, encontra-se uma pequena abertura, que serviria de fuga aos oficiais, em cãs de perigo para a fortaleza, conduzindo ao mar, através de uma escadaria. Foi por este local que ocorreu a última fuga de presos registrada na historia da fortaleza. Algumas celas ainda são encontradas. Há uma, totalmente escura, por onde o ar e a claridade entram através de uma abertura mínima. È impossível ter idéia da dimensão da cela, mas sabe-se que abrigava os presos. Outras, denominadas “prisões no passado” têm uma característica curiosidade: são 5 celas escavados na rocha viva com alturas diferentes, o que permitia que, em três delas, os presos ficassem em pé; a quarta cela permitia apenas ficar sentado, e a última somente deitado. Eram fechadas por grades, voltadas para um pequeno pátio, onde havia uma forca. Conta-se que o preso que não pudesse ser colocado nessas celas, devido à superlotação, era encaminhado para uma praça de enforcamento. Acima da forca, há um Pátio da Cisterna, construída em 1738, com capacidade para cerca de duzentos mil litros. Como a fortaleza não dispunha de água potável, eram trazidos tonéis transportados por navios, para abastecer o reservatório e aproveitar a água no consumo de alimentação e limpeza do forte.

Aproveitando pontos estratégicos na entrada da barra, criou-se um sistema de defesa com a composição de três fortes: A Fortaleza da Laje teve sua construção autorizada em 1644, localizada sobre um rochedo na ilha da Lage. Com 7.900 m2., era conhecida pelos franceses pelo nome de Ratier. Trata-se de uma pequena ilhota, que por ser rasa, originou-se o nome Laje. Foi usada como prisão política, lá estiveram presos vários personagens da história do Brasil, como o líder revolucionário farroupilha Bento Gonçalves e Pedro José de Almeida (o Pedro Boticário). José Bonifácio e o poeta Olavo Bilac, nela detido por alguns meses de 1893, em virtude de críticas feitas ao presidente Floriano Peixoto. O capitão Pedro Ivo, líder militar da Revolução Praieira, que juntamente com Cipriano Barata e Miguel de Frias, condenados à prisão perpétua, conseguiram escapar da ilha em um barco. Em 1997, a fortaleza foi desativada. Já a primitiva Fortaleza de São João, foi construída por Estácio de Sá, fundador da cidade do Rio de Janeiro, em 1565. Ampliada e reformada ao longo do tempo, entrou em serviço oficialmente, a 24 de junho de 1618, tendo participado de vários episódios da história do país sendo guarnecida por vários grupos de Artilharia de costa até 1991. Muitos historiadores dizem que se o Rio de Janeiro existe hoje, foi graças às defesas principais do Forte São José. Atualmente ali funcionam o Centro de Capacitação Física do Exército e a Escola Superior de Guerra. Esse conjunto de três fortalezas (somado com a Fortaleza de Santa Cruz), praticamente fechava a entrada da Baía contra os inimigos.

Durante um levante para impedir a posse do Presidente Juscelino Kubitschek. Parte da oposição, liderada por Carlos Lacerda, inconformados com o resultado vitorioso da eleição do futuro presidente, pediu abertamente um "golpe", com apoio dos Grupos das forças Armadas como a "República do Galeão" e a "Cruzada Anti-comunista", liderada pelo Almirante Carlos Pena Boto. Sabendo das intenções do interino, o Ministro da Guerra, General Lott, um legalista e defensor da posse do presidente eleito, tomou o comando de uma campanha militar para empossar Juscelino e repelir os revoltosos. Sobre as ordens do general, 25.000 homens cercaram a cidade do Rio de Janeiro. A situação estava insustentável para a oposição, que resolveu se refugiar no Ministério da Marinha. Na madrugada do dia 11 de novembro de 1955, o cruzador Tamandaré - o segundo maior navio da Marinha brasileira - comandado pelo Almirante Sílvio Heck, deixava a Baía da Guanabara, e segue em direção ao porto santista, esperando o apoio da guarnição da Marinha em Santos e do então Governador do estado de São Paulo, Jânio Quadros, para tentar estabelecer um Governo Federal presidido por Carlos Luz, alguns ministros e aliados, que se encontravam a bordo do navio. No canal da entrada da Baía de Guanabara, o cruzador é atacado por 12 tiros de advertência, durante vinte minutos vindo dos canhões disparados pelos fortes, sem, no entanto, atingir a embarcação. Como não houve revide, estes disparos foram os últimos vindo da fortaleza.

Mais do que relatar a história, deve-se considerar a importância do que foi a Fortaleza de Santa Cruz, não só pelo estado do Rio de Janeiro, mas principalmente ao nosso País. Para quem possa visitá-lo, com certeza é uma grande oportunidade de sentir “na pele”, o que foi realmente àqueles momentos vividos pela força militar da época. Por muitas vezes o interior do forte serviu de cenário, para grandes produções de TV e do cinema.

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Ilha de Paquetá

2009-01-02T05:04:00.000-08:00

Paquetá foi ocupada pelos índios Tamoios até o final do século XV. Segundo estudiosos do dialeto tupi, a palavra Paquetá significa "lugar de conchas". Esse significado é considerado bastante aceitável, visto que todas as praias da Ilha são repletas de mariscos, o que incentivou a fundação de numerosas caieiras (fábricas de cal a partir das conchas do mar, e que era utilizado como espécie de cimento na construção das casas). Existe outra versão, de que a origem do nome se deve, a grande quantidade de pacas existentes na ilha, de acordo com o relato dos navegadores da época. Nos documentos antigos, o nome da ilha aparece grafado em duas formas: "pacoatá" e "paquatá". A ilha teve seu descobrimento em dezembro de 1555, através de um viajante francês André Thevet, frade cosmógrafo da expedição de Villegaignon, em sua missão para fundar a França Antártica. Porém, somente em 18 de dezembro de 1556, que o Rei Henrique II, da França, reconheceu a descoberta de André Thevet, e desde então, essa é a data comemorativa do aniversário de Paquetá.

Muita gente pensa que Paquetá é uma pequena ilha, com sua área total em torno de 1,2 km² em formato de um oito, situado no arquipélago ao fundo da Baía de Guanabara. Mas na verdade Paquetá é oficialmente um bairro pertencente à cidade do Rio de Janeiro. Para chegar à Paquetá, somente através de embarcações. O embarque para a Ilha ocorre na histórica Praça XV, no centro da cidade maravilhosa. A travessia marítima de 17 quilômetros, pode levar cerca de uma hora e meia. Embora demorado, a viagem se torna muito agradável, justamente pela linda vista da baía de Guanabara, a visão por debaixo da ponte Rio/Niterói, a aproximação de vários navios ao redor da barca e no último domingo de cada mês, a concessionária Barcas S/A, promove o projeto "O que é que a Baía tem? Chorinho na barca". Durante o trajeto, os passageiros poderão ouvir música de qualidade ao vivo, além de curiosas histórias sobre a ilha contada por um guia turístico.

A ilha conta com aproximadamente 4.500 moradores fixos, que em sua maioria são das classes média e média-baixa, trabalham e estudam no centro da cidade. Parte dos empregos existentes na ilha é no setor público. O restante encontra-se em atividades voltadas ao turismo, como hotéis, bares, restaurantes e outros. Como o mercado de trabalho é muito escasso na ilha, parte da população sofre com a desigualdade social. Devido à falta de condições de recursos da Ilha, muitas famílias sobrevivem de pesca, algumas moram em cortiços ou barracos, aliás, a favelização é um problema que ameaça Paquetá, hoje em dia ocorre uma proliferação de construções irregulares nos morros da Ilha, invadindo áreas que deveriam ser preservadas. Existe também, o receio desses morros serem dominados pelo trafico, vindo de outros morros da cidade do Rio de Janeiro. Para garantir a segurança e a tranqüilidade, a ilha tem o destacamento do Batalhão de Polícia Militar, que mantém a lei e a ordem num cenário sem índice de violência, além do bom relacionamento com os moradores.

Paquetá já foi considerada um paraíso por pessoas ilustres que por lá aportaram, inclusive no ano de 1808, após uma forte tempestade na Baia de Guanabara, ter mudado a rota e obrigado Dom João VI a atracar na ilha, deslumbrou-se com a sua beleza que a chamou de “Ilha dos Amores”. Desde então, tornou-se seu local preferido para as férias de verão, e toda vez que o príncipe aportava, era saudado com dois canhões que se localizavam na praia dos Tamoios (hoje só existe um canhão). José Bonifácio de Andrada e Silva, Patriarca da Independência que lá se exilou em 1829 por motivos políticos, chegando a ter uma bela moradia. Outro assíduo freqüentador foi Carlos Gomes, autor da sinfonia “O Guarani”. Um dos seus mais famosos habitantes foi Pedro Bruno, pintor, escultor e paisagista que defendeu a preservação da Ilha e a valorizou dedicando suas obras espalhadas por Praças, Ruas, Calçadas, Cemitério, Escola, Igreja e Instituições locais. O busto em bronze de Pedro Bruno, encontra-se localizado na Praça Pedro Bruno em frente à estação das barcas.

Dessa luta de Pedro Bueno, para preservação da natureza e o meio ambiente, veio o compromisso consciente de manter o respeito pela vegetação local, pela própria importância de paisagem na ilha. Paquetá abriga um dos vinte únicos exemplares brasileiros do baobá - árvore originária da África - que ficou conhecida pelos moradores como "Maria Gorda". Outra árvore é o flamboyant e buganvílias, alguns com mais de cem anos. Também foi aprovado uma legislação de preservação da Ilha, não permitindo qualquer tipo de veículo motorizado (inclusive motos), com exceção daqueles destinados à manutenção, socorro e segurança da ilha. Os únicos meios de locomoção são as tradicionais charretes, triciclos, bicicletas, o trenzinho turístico, barcos e canoas. Mas é possível conhecer toda a ilha a pé, pois as distâncias não são muito grandes e o local é praticamente plano, o que facilita a caminhada. As ruas não são asfaltadas e todos os logradouros públicos, têm nomes associados à cultura local ou homenagens importantes da história Paquetaense.

Paquetá possui diversas lendas e tradições, que influenciaram a ocupação da Ilha, como por exemplo, no final do século XIX, a ilha se tornou uma atração turística com a publicação do livro “A Moreninha”, um romance escrito por Joaquim Manoel de Macedo em 1844. A Pedra da Moreninha (localizada no final da Praia da Guarda), serviu de inspiração para o autor escrever e imortalizar a primeira obra literária romântica do Brasil. Há também uma lenda indígena, do casal Aotin e Ahy, denominada “Lágrimas de Amor” que tem como tema a mesma pedra; outra lenda bastante difundida é a da Pedra dos Namorados, que afirma que se um casal arremessar algum objeto e este ficar sobre a pedra, terá um amor feliz para sempre; o Poço de São Roque, cujas águas diziam serem milagrosas e tinham o poder de cura, foi neste poço que D. João VI se curou de uma úlcera na perna, e quem bebesse dessa água se apaixonaria por um habitante da ilha e por Paquetá.

Existem outras diversas lendas sobre a Ilha de Paquetá, que atraem cada vez mais visitantes, que a elegem para namorar, passear e se divertir. Eu mesmo, já tive a oportunidade de visitá-la por três vezes e o tempo não me permitiu contemplar efetivamente, toda sua magia e encantamento turístico que a ilha pode nos oferecer.

Praia de Itacoatiara

2009-01-01T11:33:00.000-08:00

Todo ano quando viajo com a família para Niterói, fico ansioso para ir as praias. Não para ficar deitado sobre a areia e exposto ao sol de 40 graus, mas para desfrutar das maravilhosas praias existentes nesta cidade. E uma das que mais gosto é a de Itacoatiara, localizada a 50 minutos do Rio de Janeiro. Com acesso a muito verde e um visual considerado cartão postal, onde a conscientização ecológica é lei entre os moradores, e se faz entender aos visitantes.

Itacoatiara significa na língua Tupi “pedra escrita” ou “pedra riscada”, local originalmente habitado pelos índios Tamoios. Praia oceânica com aproximadamente 700m de extensão. Suas águas são transparentes, azuladas e frias com areias grossas e amareladas. Possui ao seu redor a Ponta de Itacoatiara, com sua formação rochosa, coberta de vegetação arbustiva e de cactáceas, ao lado encontra-se a Pedra do Elefante e o Morro das Andorinhas, recoberto de cerrado denso. O Alto Mourão, situado na Serra da Tiririca, é o ponto mais elevado da cidade de Niterói, com seus 412 metros de altura. Era conhecido como “falso Pão de Açúcar”, porque embora os navegantes o avistassem primeiro, não era este o rochedo que indicava a entrada da Baía de Guanabara.

Conhecida por suas águas traiçoeiras, com ondas beirando de 3 a 5 metros, é o paraíso dos surfistas; embora pequena, é uma das mais freqüentadas e preferidas pela juventude, e das que oferece maior riqueza de paisagem. O ponto de encontro dos amantes da natureza. Também sendo palco de grandes eventos realizados na praia durante o ano, destacando-se as competições de surf e bodyboarding. Além da pratica esportiva na água, a Serra da Tiririca, oferece muita adrenalina para quem gosta de Trilhas, Tirolesa e Rapel. Antigamente era conhecida como Serra de Inoã ou de Maricá, como consta em relatos antigos. O atual nome está relacionado com a passagem de tropas de burros, que atravessavam a Serra por um caminho cheio de plantas da família das “Cyperaceaes” chamadas popularmente de Tiriricas.

Para quem procura mais tranqüilidade e segurança, existe uma pequeníssima praia ao lado do morro das Andorinhas, protegido por rochas chamada de Prainha. O local é preferido por idosos e, principalmente, crianças que fogem da praia grande e da invasão das altas ondas, que fazem a alegria dos surfistas. Durante a temporada de verão e nos finais de semana, Itacoatiara, como os demais bairros da Região Oceânica, recebe um fluxo muito grande de turistas, triplicando a sua população e gerando transtornos para os residentes. Além de sua vegetação de restinga junto à praia, tornam o local um dos principais pontos turísticos do município.

Preocupados com a presença de banhistas, conhecidos por “farofeiros” e “bagunceiros”. Os moradores determinados a preservarem o lugar, decidiram criar a SOAMI (Sociedade dos Amigos e Moradores de Itacoatiara). Durante anos impediram que as ruas fossem asfaltadas ou que estabelecimentos comerciais se instalassem no bairro. Não existem banheiros ou chuveiros públicos no bairro; não possuem pousadas e nem hotéis com autorização de funcionamento; não é permitida a entrada de ônibus e outros tipos de transporte público (incluindo vans e ônibus de turismo em Itacoatiara). Apenas uma linha de ônibus faz a ligação de Itacoatiara com o Centro do município. A maior parte dos moradores possui automóvel particular, sendo este o principal meio de transporte utilizado.

O comércio em Itacoatiara é limitado pelo PUR (Plano Urbanístico em Niterói), podendo apenas funcionar no bairro estabelecimentos situados nos pontos já existentes quando a legislação foi aprovada 1992. Os seis quiosques que detém concessão para funcionamento na praia só podem operar até 20h (dias normais) e 21h (período de horário de verão), não podem realizar shows ao vivo, oferecer música mecânica em alto volume, colocar mesas na areia ou calçadas, nem vender bebidas em garrafas (conforme determinação de Termo de Ajustamento de Conduta firmado em 2001). As barracas na praia só comercializam produtos prontos (biscoitos e bebidas). Para suprir suas necessidades básicas, os moradores recorrem ao comércio dos bairros vizinhos de Itaipu e Piratininga; e buscam Icaraí e Centro quando necessitam de comércio e serviços diversificados.

Em sua orla marítima, há bonitas residências consideradas padrões de classes média-alta e alta, distribuídos por suas alamedas batizadas com nomes de flores. Itacoatiara, é um pequeno bairro estritamente residencial. A Lei orgânica do município de Niterói impõe regras rígidas para construção no bairro, não podendo os prédios possuírem mais do que dois andares,. Em volta praia, há uma vegetação de restinga, cortada apenas por alguns caminhos feitos para que os banhistas possam se dirigir ao mar. Para oferecer maior segurança e prevalecer as leis locais, os moradores tem a disposição uma vigilância permanente por meio de um DPO (Destacamento de Policiamento Ostensivo) da PM situado na entrada, e de um sistema operado em conjunto com a PM, com 32 câmeras e uma central de monitoramento 24h. Há ainda o reforço de uma equipe fazendo rondas no bairro e atendendo aos chamados dos associados para verificação de atividades suspeitas.

Um verdadeiro refugio, para famílias e pessoas que necessitam de contato com a natureza.
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O mito Xica da Silva - Parte 2

2008-12-27T06:34:00.000-08:00

Não se sabe exatamente a data de nascimento de Francisca da Silva de Oliveira, provavelmente nasceu entre 1731 e 1735, sabe-se que ela era filha de Maria da Costa, uma escrava africana oriunda da Costa da Mina e de um português chamado Antônio Caetano de Sá, fato comum na sociedade da época, em que as mulheres, principalmente brancas, eram raras. A sua certidão de batismo foi registrada no arraial de Milho Verde, na cidade de Serro Frio, atual município do Serro, Minas Gerais. Xica da Silva, como ficou conhecida, foi vendida como escrava ainda jovem a Manuel Pires Sardinha, médico e proprietário de lavras no Tejuco, com quem teve seu primeiro filho, Simão Pires Sardinha, nascido em 1751. O registro de batismo deste filho bastardo não declara a sua paternidade, mas Manuel Pires Sardinha deu-lhe alforria e nomeou-o como um de seus herdeiros no seu testamento. Simão Pires Sardinha foi educado na Europa e veio a ocupar cargos importantes no governo da Corte.

Pouco tempo depois, em 1753, João Fernandes de Oliveira chegou ao arraial do Tijuco, para assumir a função de contratador dos diamantes, que vinha sendo exercida por seu pai desde 1740. Em uma visita a casa de Manuel Pires, o contratador ficou encantado com a jovem escrava, que tinha a beleza das mulheres mestiças descendentes das africanas. Em 1754, ele a comprou do médico português por 800 réis, o triplo do que valia um bom escravo na época. Poucos meses depois, João Fernandes surpreendentemente, envolveu-se com Xica, não só se amancebou com ela, como no Natal do mesmo ano, lhe concedeu alforria. Teve uma relação estável, mas não oficial, pois, na época, o casamento era reservado apenas aos indivíduos do mesmo status sociais. Sobre a proteção do marido rico, deixou de ser escrava e escandalizou a sociedade hipócrita de sua época, movida pela cobiça do diamante. Apesar de ser uma concubina, Xica alcançou prestigio e se tornou a mulher mais respeitada e poderosa na sociedade local e usufruiu das regalias privativas das senhoras brancas. Ela ficou reconhecida na região como a Xica que manda, chegou até a ficar conhecida na corte portuguesa.

Com base em fatos históricos, João Fernandes para satisfazer o desejo de sua amada, construiu um palácio com vinte e um cômodos, onde havia um jardim com plantas exóticas vindas da Europa e cascatas artificiais. Também foi feito um sobrado com uma capela própria, dedicada a Santa Quitéria, sua casa ficava na rua do Bonfim, local prestigiado do arraial . Embora ex-escrava, tornou-se proprietária de vários serviçais negros para o trabalho doméstico, inclusive adorava andar rodeada de escravas. Como não conhecia o mar, Xica mandou formar um lago artificial, para fazer uma viagem marítima sem sair da região, transportando os convidados das grandes festas que oferecia à sociedade local. Essas festividades eram animadas por uma orquestra particular e pelas apresentações de um teatrinho de bolso, onde atores contratados na corte e no Rio de Janeiro, vinham encenar as peças mais famosas da época.

Entre 1755 e 1770, o casal tiveram 13 filhos: Francisca de Paula (1755); João Fernandes (1756); Rita (1757); Joaquim (1759); Antonio Caetano (1761); Ana (1762); Helena (1763); Luiza (1764); Antônia (1765); Maria (1766); Quitéria Rita (1767); Mariana (1769); José Agostinho Fernandes (1770). Todos foram registados no batismo como sendo filhos de João Fernandes, ato incomum na época quando os filhos bastardos de homens brancos e escravas eram registrados sem o nome do pai. Preocupada com a educação das filhas, Xica agia como qualquer senhora da sociedade, fez questão de educar suas nove filhas no Recolhimento de Macaúbas, melhor educandário da região das Minas. Por cada matricula, ela pagou o dote de 900 mil-réis em barras de ouro e mais uma anuidade para despesas de 60 mil-réis. Cada uma de suas filhas levou uma escrava, já as filhas mais velhas contavam com mais um casal de escravos que ficavam do lado de fora do educandário. Cinco de suas filhas fizeram os votos e se tornaram freiras, as outras largaram o hábito para se casar.

Em 1771, João Fernandes teve que se ausentar do Brasil, convocado pela coroa para prestar contas sobre a acusação de violar regras do contrato que tinha com a corte, também aproveitou a viagem, para cuidar de receber os bens deixados em testamento pelo pai. Ao retornar a Portugal, João Fernandes nomeou um tutor para seus filhos e um representante junto ao contrato de exploração dos diamantes, além de redigir um testamento que garantia a herança aos herdeiros ilegítimos. João Fernandes levou para o reino os quatro filhos homens, além de Simão Pires Sardinha, o primeiro filho de Xica, que se responsabilizaria pelo futuro dos irmãos. Disposto a introduzir os filhos na corte, o ex-contratador ocultou as origens deles e a relação que mantinha com a ex-escrava. Desta forma, promoveu a ascensão social de seus filhos. Seu filho João Fernandes tornou-se o principal herdeiro do pai tendo recebido dois terços de seus bens. José Agostinho tornou-se padre, e o pai deixou-lhe uma renda para que constituísse uma capela.

Em Lisboa, João Fernandes fica doente até falecer em 21 de dezembro de 1779. No testamento do contratador não constava o nome de Xica. Isso não ocorreu de forma proposital ou por ingratidão. A inexistência da sua mulher em seus legados, permitia dignificar os filhos perante a sociedade elitista do reino. Para manter uma vida confortável, Xica recebeu propriedades deixadas pelo contratador, que lhe garantiram a sobrevivência durante a ausência de seu amante. Mesmo depois da morte do seu amado, Xica se manteve sozinha e buscou vários meios para a sustentação de sua condição. Na época, associou-se a várias irmandades religiosas de acordo com a sua posição social. Xica tinha renda suficiente para se sustentar e realizar doações a quatro irmandades diferentes, era aceita como parte da elite composta quase que exclusivamente por brancos, mas também mantinha laços sociais com mulatos e negros por meio de suas irmandades.Chegou a ocupar cargos de direção, duas vezes como juíza e uma vez como diretora. No livro da Irmandade do Santíssimo do Tejuco, existem dezenas de registros de pagamentos feitos por Xica para viabilizar casamentos, batismos e enterros de seus escravos.

No dia 15 de fevereiro de 1796, Xica da Silva morria em sua casa, no arraial do Tejuco. Como era costume na época, ela tinha o direito de ser sepultada dentro da igreja de qualquer uma das quatro irmandades a que pertencia. O reconhecimento social ficou evidente no funeral: ela foi enterrada na tumba número 16, no interior da igreja da Irmandade de São Francisco de Assis. Em missa de corpo presente, com todos os ritos e sacramentos que distinguiam os irmãos, sua alma foi encomendada diante de todos os sacerdotes do arraial. Ao terminar o ofício, dobraram os sinos e o corpo foi levado em procissão à sepultura, acompanhado pelos irmãos e pelos párocos, que carregavam velas acesas. No mês seguinte à sua morte, devem ter sido rezadas 24 missas em intenção de sua alma, na matriz de Santo Antônio, direito que adquirira ao se filiar à Irmandade do Santíssimo Sacramento. Nesse mesmo ano de 1796, cumprindo-se seu desejo, foram celebradas 40 missas por sua alma na igreja das Mercês. Anos depois o cadáver de Xica foi encontrado pelo jornalista Antonio Torres, intacto e conservando ainda a pele seca e negra.

O mito Xica da Silva - Parte 1

2008-12-27T06:18:00.000-08:00

Tudo começou em 1860, quando o advogado Joaquim Felício dos Santos, foi contratado para cuidar da partilha da herança de uma neta de Xica da Silva. Examinando antigos documentos das propriedades deixadas pelo contratador João Fernandes. Fascinado com as informações colhidas sobre a vida dos dois amantes, o advogado e historiador nas horas vagas, decide relatar ao seu modo, a história de Xica em seu livro “Memórias do Distrito Diamantino”, publicado em 1868. Sem nenhuma fonte histórica, talvez influenciado pelo racismo da época, Joaquim Felício dos Santos descreveu Xica da Silva como uma negra alta, que não possuía graça, beleza e educação, enfim, não possuía atrativo algum que pudesse justificar uma forte paixão. A imagem de Xica, construída por esse autor foi extremamente negativa, era incompreensível, para Felício dos Santos, o fato de uma escrava alforriada ter conquistado a atenção de um homem branco e bem situado, no caso o contratador João Fernandes de Oliveira, um dos fidalgos mais ricos e influentes da época, sem apelar para bruxaria ou jogos de sedução, e chegar a uma posição de destaque na sociedade local, durante o apogeu da exploração de diamantes em Minas Gerais.

De acordo com a imaginação alimentada por Joaquim Felício dos Santos, sobre a escrava que se fez rainha, utilizando-se do seu corpo e apetite sexual invulgares para seduzir pessoas poderosas, acabou gerando diversos mitos, cujas histórias não comprovadas, improváveis ou impossíveis são mais conhecidas do que sua biografia real. O resultado foi uma versão distorcida que se tem repetido erroneamente com o passar do tempo. A vida de Xica da Silva tem sido retratada em cima de um estereótipo, distante da mulher de carne e osso que viveu no arraial do Tejuco, dos anos 30 a 90 do século XVIII. A mulher que inspirou as atrizes Zezé Mota, no filme, e Taís Araújo, na novela, foi baseado no livro escrito por Joaquim Felicio. A publicação faz de Xica a única negra a figurar em um registro histórico e o autor encontra no sexo e na perversidade os pretextos para uma escrava merecer tal destaque. Todos estes sucessos foram obras de ficção feitas para atender ao público ansioso por boas estórias e com pouca base nos fatos históricos.

A filmagem de Cacá Diegues, sobre Xica da Silva, de 1976, foi um dos maiores sucessos de bilheteria do cinema brasileiro. O filme é cheio de elementos fascinantes, como música e dança, focalizando a trajetória de Xica da Silva, que de escrava, tornou-se a primeira dama negra de nossa história, seduzindo o milionário contratador de diamantes João Fernandes de Oliveira. A figura lendária da escrava ficou imortalizada na personagem sensual, desbocada e travessa, representada pela artista brasileira Zezé Mota. Durante todo o filme, Xica se comporta de maneira grosseira, cospe na comida das visitas; gasta fortunas em jóias e roupas de Paris; bate na escrava que não quer servi-la; deseja freqüentar locais só para brancos. Na trilha sonora do filme, Xica da Silva é uma canção composta pelo cantor Jorge Ben, lançada em 1976, e faz parte do álbum África Brasil.

O mesmo aconteceu com a novela exibida na Rede Manchete, entre 17 de Setembro de 1996 a 11 de Agosto de 1997, estrelada por Taís Araújo. Escrita por Walcyr Carrasco e dirigida por Walter Avancini. A novela causou muita polêmica, por exibir cenas de nudez que deram destaque na trama. Adriane Galisteu foi quem mais apareceu nesta condição. Taís de Araújo, por sua vez, não tinha idade para aparecer nua. A atriz era menor de idade, e por isso, quando ela fez 18 anos, Avancini comemorou. Uma semana depois do seu aniversário, e depois de mais de 50 capítulos de espera, a atriz apareceu nua no capítulo do dia 2 de dezembro de 1996. Teve até participação da estrela italiana do cinema pornô Cicciolina. Mais uma vez a arma utilizada foi o erotismo e a forte retratação histórica.

Pesquisas recentes, contestam o mito de que Xica da Silva era um furacão sedutor, uma verdadeira devassa sexual. Para recontar a vida da ex-escrava, a historiadora Júnia Ferreira Furtado, pesquisou a fundo os costumes daquele tempo. Descobriu que Xica estava longe de ser a única mulher negra a viver com homens brancos. O sexo era a única condição encontrada pelas escravas, para facilitar o acesso à alforria e o concubinato. Seja como for, as mulheres tinham maiores chances de ganhar liberdade do que os homens, pois, uma vez livres, viam diminuir o estigma da cor e da escravidão, para elas e para seus descendentes. "Essa era uma prática comum nas Minas Gerais daquele tempo", afirma Júnia. "Ela jamais teria escandalizado aquela sociedade, porque muitas outras ex-escravas tiveram vida parecida com a dela”. Segundo a professora, a própria estabilidade do casamento com um nobre branco, o fato de Xica freqüentar a elite e todas as irmandades brancas do Tijuco e de ter sido enterrada no cemitério da Igreja de São Francisco de Assis, que são destinados aos brancos ricos, comprovam que ela era uma mulher que se portava de acordo com os padrões morais e sociais da época. "Caso contrário, seria impossível que Xica tivesse esses privilégios", reforça a pesquisadora.

Com base em documentos encontrados em fóruns de cidades próximas a Diamantina, na Biblioteca Nacional do Rio de Janeiro e na Torre do Tombo, em Lisboa, Júnia descobriu que Xica da Silva estava mais para zelosa mãe de família, fiel ao homem com quem viveu por dezessete anos, do que para mulher depravada que escolhia parceiros conforme o tamanho do cofre. Não há informações sobre outros casos amorosos, nem mesmo depois da partida de João Fernandes, o que teria causado atritos na sociedade profundamente conservadora da época. Um dos documentos mais importantes descobertos por Júnia durante a pesquisa é a carta de alforria de Xica da Silva, encontrada enquanto a historiadora revirava os arquivos do fórum do Serro, cidade vizinha a Diamantina. A papelada estava carcomida pelas traças, mas mesmo assim foi possível reconstituir a verdadeira história da escrava.

A escrava Anastácia

2008-12-26T18:57:00.000-08:00

Símbolo das mulheres negras, cultuada no Brasil como santa e heroína, considerada uma das mais importantes figuras femininas da história, sofrendo como uma das inúmeras vítimas do regime de escravidão brasileira. Sua história começa em 9 de abril de 1740, quando chega na cidade do Rio de Janeiro, um navio negreiro de nome “Madalena”, que vinha da África com carregamento de 112 negros Bantus, originários do Congo, para serem vendidos como escravos em nosso País. Entre centenas de negros capturados em sua terra natal, vinha também toda a família real de “Galanga”, que era liderada por um negro, que mais tarde se tornaria famoso, conhecido pelo nome de “Chico-Rei”, mesmo como escravo conseguiu comprar sua alforria e de outros escravos trabalhando na extração de ouro, na cidade de Ouro Preto, em Minas Gerais.

Da mesma embarcação, estava Delmira, uma jovem formosa e muito atraente pelos seus encantos pessoais, e por ser muito jovem, ainda no cais do porto, foi arrematada em mil réis pelo feitor Antonio Rodrigues Velho. Indefesa, a donzela acabou sendo violentada, ficando grávida de um homem branco. Por ser europeu e loiro, o feitor, seria o responsável pelos olhos azuis de Anastácia, que nasceu no dia 12 de maio de 1741. Dotada de rara beleza, sendo considerada muito bonita desde pequena, Anastácia tornou-se objeto de desejo e obsessão de Joaquim Antonio, filho de Dona Joaquina. A partir desse momento passa a ser assediada de várias formas, inclusive com oferta de dinheiro por sua virgindade, sua formosura e inteligência incomodavam as mulheres e as filhas dos senhores de escravos, que morriam de inveja e de ciúmes de Anastácia. Apesar de toda circunstância, resistiu bravamente o quanto pode, mas após ela ferir o rosto do jovem. Foi ferozmente perseguida e torturada, e violentada sexualmente.

A escrava defendendo dua dignidade dizia: "Nenhum homem branco será capaz de amar Anastácia!" Então, o senhor movido pelo ódio diz: "Negra maldita! Ninguém mais verá a tua beleza!". E manda que se coloque em Anastácia uma máscara em sua boca (máscara de flandes – utilizada nos escravos nas minas de carvão para que não engolissem as pepitas de ouro) e também o colar de ferro dos negros fujões. Anastácia vive assim durante anos, só sendo permitida a retirada da máscara para sua alimentação. Os anos passam e a escrava adoece gravemente, e mesmo antes de morrer ela é capaz de curar o filho do senhor de engenho que tem uma doença pulmonar grave. A seguir a escrava Anastácia morre tomada pela gangrena em seu pescoço e boca.

Seus restos mortais foram sepultados na Igreja do Rosário que, destruída por um incêndio, não se teve como evitar a destruição também dos poucos documentos, que poderiam nos oferecer melhores e maiores informações referentes à escrava Anastácia " A Santa ", além da imagem que a história ou lenda deixou em volta de seu nome e na sua postura de mártir e heroína, ao mesmo tempo. Sua história foi recuperada em 1968, quando a Igreja do Rosário, no Rio de Janeiro, fez uma exposição em homenagem aos 90 anos da Abolição e nela estava o retrato pintado de Arago. Neste momento, começou a ser considerada milagreira e hoje tem cerca de 28 milhões de fiéis. Existe um santuário em sua homenagem, em Vaz Lobo, um bairro no Rio.

Marcelo "Bota pra Foder" Nova

2008-12-01T05:57:00.000-08:00

Camisa de Vênus

Dono de um humor ácido e inteligente, uma pessoa com conteúdo, acima de tudo. Marcelo Nova, cabem muitos adjetivos: irreverente, inconveniente, inadequado, agressivo, desmistificador, honesto, franco, íntegro, pornográfico, marginal, e etc. Baiano como Raul Seixas, seu parceiro mais ilustre. Marcelo Nova surgiu como vocalista da banda Camisa de Vênus, uma das precursoras da incorporação do rock à cultura nacional. Tendo Marcelo Nova como principal articulador, o Camisa fez bastante sucesso na década de 80 marcou presença como uma das principais matrizes criativas do rock brasileiro.

A formação da banda era: Marcelo Nova (vocal), Gustavo Mullen (guitarra), Karl Hummel (guitarra), Robério Santana (baixo), Aldo Machado (bateria). Surgido em Salvador, no ano de 1982, com uma pioneira proposta punk rock. Fizeram shows na capital baiana e gravaram um compacto antes de ir para o Rio de Janeiro, em 83. O LP de estréia, "Camisa de Vênus", fez sucesso com a música "Bete Morreu". Outras faixas que consagraram a banda foram "Eu Não Matei Joana D'arc" e "Simca Chambord". Logo depois, durante um show surge o grito de guerra "Bota pra Fudê" que se tornou marca registrada da banda e do próprio Marcelo.

Em 1984, ao ser chamado pela diretoria da gravadora Som Livre para uma reunião na qual foi colocada a necessidade da mudança do nome Camisa de Vênus tido como pornográfico, Marcelo sugere sarcasticamente que a banda passe-se a chamar de "Capa de Pica". Considerado um artista "incontrolável", ele é expulso da Som Livre e o Camisa de Vênus tem o seu primeiro disco retirado do catálogo da gravadora apenas três meses após o seu lançamento.

Em 1985, a banda toca para 16 mil pessoas em Porto Alegre. Neste mesmo ano, grava o álbum "Batalhões de Estranhos". A banda atinge uma certa evolução, tocando melhor e com um material mais consistente, embora a sonoridade ruim do estúdio tenha obscurecido algumas dessas qualidades.

Em 1986 o Camisa de Vênus grava o quarto álbum "Correndo o Risco", o primeiro numa grande gravadora. Marcelo decidi inovar e grava "A Ferro e Fogo" sem a banda e com uma orquestra sinfônica, algo bastante inusitado na época. “A canção ganhou uma abordagem épica que cairia como uma luva numa trilha sonora de algum filme de "Cecil B. de Mille" dizia Marcelo. No mesmo ano, gravam o álbum "Viva". Um disco cru e direto, sem qualquer pós-produção, edição ou ‘overdubs’. considerado o melhor álbum ao vivo de um artista brasileiro. Além disso, a censura proíbe a vendagem do álbum, devido a utilização pela primeira vez de palavrão na música brasileira, à exemplo do que Plínio Marcos havia feito no teatro. Mesmo com a censura, o disco ultrapassa a marca das cento e trinta mil cópias vendidas.

Em 1987, após o lançamento do álbum "Duplo Sentido" com parceria de Raul Seixas. Marcelo surpreende os fãs dando uma parada com o Camisa de Vênus e lançando o seu primeiro álbum solo chamado "Marcelo Nova e a Envergadura Moral", um disco totalmente diferente, das suas composições propostas no Camisa, que eram mais criticas, políticas e sociais. Marcelo agora falava mais dele próprio e de sua visão do mundo. De uma forma mais sereno, cuja sonoridade melhor elaborada e não tão pesada, evidenciando ainda mais a qualidade dos textos

Com o fim do Camisa de Vênus. Marcelo prepara material para o seu próximo álbum solo e para excursionar pelo país. Voltando a se reunir em 1994, com o Camisa de Vênus, para lançar dois CDs pela Polygram e fazer algumas turnês com a banda. Após algumas apresentações, Marcelo encerra suas atividades com o grupo. Entre idas e vindas, com o intuito de registrar imagens para um DVD e, claro, matar saudades dos fãs e do palco, a banda novamente se reune em 2004, para um show no Festival de Salvador. Havia sete anos que a banda não tocavam juntos. Embora o Camisa de Vênus nunca tenha encerrado definitivamente, Marcelo não abre mão de sua carreira solo.

Raul Seixas

A grande amizade entre Marcelo e Raul Seixas começou como admiração, na época de Raulzito e seus Panteras. Marcelo Nova não o conhecia, e ia aos shows na Bahia. Depois das apresentações ia até o palco apertar a mão de Raul. Passados alguns anos, após Marcelo Nova montar o Camisa de Vênus e tocar no Circo Voador, onde se encontrava Raul, que foi ao show para vê-los, Marcelo o chamou para o palco, mesmo não acreditando que Raul iria. Mas para surpresa de todos, Raul subiu ao palco e eles tocaram, na base do improviso, um medley de rock‘n roll misturando "Long Tall Sally" com "Be-Bop-A-LuLa" e "Tutti Frutti". Marcelo ficou tão emocionado que não conseguia cantar nada. Depois disso, em 1984, Marcelo foi ao último Show de Raul em São Paulo e quando foi cumprimentá-lo, acabaram trocando endereços. Ficou surpreso quando num Domingo, às 11 da manhã, Raul, Tony Osanah e suas respectivas esposas bateram à sua porta.

Em 86 o Camisa de Vênus regrava "Ouro de Tolo", e no ano seguinte Raul, participa na composição da música "Muita Estrela, Pouca Constelação", do LP "Duplo Sentido", da banda de Marcelo. A partir desse ano de 87, começa a estreitar as relações entre os dois. Depois de um ano mais tarde, em 1988, faz seu último álbum “A Pedra do Gênesis”, que traz a música censurada "Não quero mais andar na contra mão". A convite de Marcelo Nova, faz alguns shows em Salvador, na concha acústica do Teatro Castro Alves, após três anos sem pisar num palco.

No ano de 1989, faz uma turnê com Marcelo Nova, agora parceiro musical, totalizando mais de 50 apresentações pelo Brasil. Desta parceria, Finalmente chega o tão esperado disco intitulado "A Panela do Diabo". O último trabalho lançado em vida de Raul, dois dias antes da sua morte. O disco vendeu mais de 100.000 cópias, tornando-se uma pérola do rock nacional. Raul estava mal, tanto na saúde como na situação financeira, e no dia 21 de agosto de 1989, falece aos 44 anos. Seu corpo foi encontrado às oito horas da manhã, pela sua empregada, Dalva. Foi vítima de parada cardíaca, seu alcoolismo, agravado pelo fato de ser diabético, e por não ter tomado insulina na noite anterior, causaram-lhe uma pancreatite aguda fulminante.

Marcelo considera "Panela do Diabo" um disco que determinou muito em sua carreira musical, e é um trabalho do qual se orgulha muito. Além de ter sido um sonho pessoal, Raul nunca gravou junto com mais ninguém. Não gosta de ser considerado o herdeiro de Raul Seixas, como a mídia costuma classificá-lo. Marceleza diz que a capacidade que Raul tinha de se comunicar com todas as classes sociais e a dimensão de sua obra não deixam herdeiros. Raul Seixas e Marcelo Nova foram o primeiros letristas a imprimir pertinência, sarcasmo e um senso crítico afiado ao rock brasileiro.

Blackout – O primeiro Unplugged da HistóriaMuito antes de virar moda, na década de 90, mais precisamente em 91, Marcelo Nova começava uma turnê tocando apenas violão, acompanhado por Johnny Boy. Satisfeito com a sonoridade acústica, resolveu colocá-la sob o formato de banda. E daí surgiu o material que viria a compor o álbum "Blackout", que pode ser considerado o primeiro disco acústico da história do rock. Durante as gravações, descobriu que nenhum grupo de rock nacional ou internacional, havia gravado um álbum inteiramente acústico. E os artistas solo que haviam feito como, Dylan ou Neil Young, utilizaram apenas violão e gaita e não uma banda completa. Independente do pioneirismo, o disco tem bons momentos. No entanto dois anos depois, serviria de inspiração, para várias bandas interessadas no formato estético experimentada do disco. Blackout, é um disco que, em concepção, sonoridade e textos se distancia de toda produção contemporânea do rock brasileiro. Não é apenas mais um produto no mercado, é a obra prima de um artista polêmico e criativo.

Diretor de gravadora

Chegou a ser diretor de um selo, da gravadora Continental, a convite de Matheus Nazareth. Foi com esse selo que foi lançado seu álbum "Blackout", só que quando Marcelo iria começar a gravar para outras bandas, Matheus saiu da gravadora e como conseqüência Marcelo foi junto.

Produtor e Apresentador
De 1992 a 1998, na rede nacional da Rádio Transamérica, Marcelo apresentou o programa Let’s Rock, que ficaria no ar todos os domingos, com o próprio Marcelo produzindo e apresentando o programa. Nele, além de entrevistar artistas internacionais como Ian Gillan, Eric Burdon, Tonny Iommi, John Lee Hooker, Ian Anderson, John Hammond e nacionais como: Os Raimundos, Nazi, Inocentes, Eduardo Araújo, Antonio Augusto Marx e Genival Lacerda, Marcelo comentava e tocava lançamentos, antigüidades e raridades da sua coleção particular. Além disso, traçava um panorama instigante da própria história do rock’n’roll, de forma muito pessoal, onde não faltavam provocações, ironia, sarcasmo, bom humor e muita polêmica.

Herdeiros
Marcelo Nova é pai de 3 filhos, sendo duas mulheres e um menino. A primeira é Penélope Nova, nasceu em 1973, mais conhecida por suas várias tatuagens e piercings. Atualmente é VJ da MTV, apresentando um programa que fala sobre sexo com o público chamado " Ponto Pê". A segunda filha é Felícia Nova, nasceu em 1979 e o terceiro filho, chama-se Drake Nova, nascido em 1992.

O Show: Com mais de 20 anos na estrada, Marcelo faz o mais puro Rock'n'Roll sem frescura, além de ser fiel ao seu estilo. Com certeza ele “bota pra foder!”

Gênero: Rock

Influências: Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richards, Rolling Stones, Bob Dylan e Raul Seixas

Integrantes: Marcelo Nova (vocal e guitarra), César Peto (contrabaixo), Fabiano Fabi (guitarra), Denis Mendes (bateria)

Discografia: Camisa de Vênus: Controle Total (1982), Camisa de Vênus (1983), Batalhões de Estranhos (1986), Viva (1986), Correndo Risco (1986), Duplo Sentido (1987), Camisa de Vênus Plugado (1985), Quem É Você (1986) - Carreira Solo: Marcelo Nova e Envergadura Moral (1988), A Panela do Diabo (1989), Blackout (1991), A Sessão Sem Fim (1994), Eu Vi o Futuro, Baby. Ele É Passado (1998), Grampeado em Público (1999), Tijolo na Vidraça (2001), Em Ponto de Bala (2003) e O Galope do Tempo (2005).

e-mail: minova@uol.com.br

Site: www2.uol.com.br/marcelonova

Camisa de Vênus

Saudoso Adoniran Barbosa

2008-11-23T10:32:00.000-08:00

Nascia em 1910 - ano da fundação do Corinthians - João Rubinato, no dia 06 de agosto, na cidade de Valinhos, interior paulista. Filho de imigrantes italianos, que vieram para o Brasil oriundos da bela cidade de Treviso, no Vêneto, norte da Itália. Na infância muda-se para Jundiaí, onde começa a trabalhar nos vagões de carga da estrada de ferro, para ajudar a família. É entregador de marmitas, varredor etc. Em 1924 mora em Santo André, na Grande São Paulo. Lá é tecelão, pintor, encanador, serralheiro, mascate e garçon. No Liceu de Artes e Ofícios aprende a profissão de ajustador mecânico. Aos 22 anos instala-se na capital, no bairro da Bela Vista, onde se emprega no comércio e participa de programas de calouros na rádio Cruzeiro do Sul e após muitos gongos, consegue passar com o samba "Filosofia", de Noel Rosa. O ano é 1933 e ele ganha um contrato. Nessa época adota o pseudônimo de Adoniran Barbosa. Ele achava que João Rubinato não era nome de cantor de samba, tinha de ser algo mais “abrasileirado”. Então resolveu mudar. De um amigo pegou emprestado Adoniran e, em homenagem ao sambista Luiz Barbosa, adotou seu sobrenome.

Em 1935, compôs, em parceria com o maestro e compositor J. Aimberê, sua primeira música "Dona Boa", eleita a melhor marcha do Carnaval de São Paulo naquele ano. Na rádio Cruzeiro do Sul ficou até 1940, transferindo-se, em 1941, para a rádio Record, a convite de Otávio Gabus Mendes. Ali começou sua carreira de ator participando de uma série de radioteatro intitulada "Serões Domingueiros". Muito além do campo musical, sua carreira confunde-se com a história do rádio, do cinema, da TV. O compositor, fez muito sucesso no rádio, como intérprete e comediante, especialmente na Record de São Paulo, onde conheceu o produtor Osvaldo Moles, responsável pela criação e pelo texto dos principais tipos interpretados por ele. No rádio, um dos maiores sucessos dessa parceria foi o programa "Histórias das Malocas", onde Adoniran representava o personagem Charutinho e outros tipos cômicos inesquecíveis como Barbosinha. Mais tarde, os dois também dividiram a criação de vários sambas. Dessa união nasceram, entre outros clássicos, "Tiro ao Álvaro" e "Pafúncia". Em 1945, Adoniran começou a atuar no cinema. Sua primeira participação foi no filme "Pif-Paf", seguido de "Caídos do Céu", em 1946, ambos dirigidos por Ademar Gonzaga. Em 1953, atuou em "O Cangaceiro", de Lima Barreto. Inclusive os Demônios da Garoa receberam o convite para participar da gravação da Trilha Sonora do longa-metragem, interpretando "Mulhé Rendeira" de Zé do Norte, ao lado de Homero Marques. Também na televisão, além de programas de auditório, atuou em novelas, incluindo Mulheres de areia, de Ivani Ribeiro, na TV Tupi.

Aliás, O impulso na carreira de Adoniran, veio em 1951, quando o conjunto Demônios da Garoa saiu premiado do Carnaval paulista com o samba "Malvina", de sua autoria. No ano seguinte, eles repetiram o feito, agora, com a criação de Adoniran Barbosa e Osvaldo Moles, "Joga a Chave". Começava ai mais uma parceria de anos na vida do compositor. Desde os primeiros encontros dos Demônios da Garoa com Adoniran Barbosa, ainda década de 40, mais precisamente em 1943, quando ambos se conheceram nas apresentações, que realizavam nos auditórios da Record e nos corredores da Rádio Nacional. Naquela época, o compositor Adoniran Barbosa compunha e cantava suas próprias músicas, até mesmo "Saudosa Maloca", que o próprio autor havia gravado sem sucesso em 1951. Mas, em 1954, os Demônios da Garoa cantam pela primeira vez a música de uma maneira diferenciada, com as letras adaptadas de forma irreverente, com intenção de reforçar o lado cômico do acontecimento da letra. Esta modificação, que inicialmente aborreceu Adoniran Barbosa, faz ganhar o festival musical e proporciona um tremendo sucesso da música em âmbito nacional. Somente depois desse acontecimento, Adoniran assume e reproduz intencionalmente os erros gramaticais nas letras de sua música.

Dono de um humor refinado, com seus versos dramaticamente engraçados, utilizava em suas canções expressões e o vocabulário típico dos imigrantes italianos da antiga São Paulo. A maneira de compor sem se preocupar com a grafia correta tornou-se sua maior característica e lhe rendeu críticas de gente como o poeta e compositor Vinícius de Moraes. Adoniran não deu importância às declarações de Vinícius, alegando que fazia samba para o povo. Tanto que musicou uma poesia do escritor carioca transformando-a na valsa "Bom Dia, Tristeza". E em seguida lança outras músicas, como Samba do Arnesto e o famoso Trem das Onze. Sendo popularizado definitivamente pelo grupo os Demônios da Garoa, intérprete oficial das músicas de Adoniran Barbosa, parceria que durou por 23 anos. Nas letras de seus sambas, estão sempre presentes seus amigos, o bairro do Brás e do Bexiga e o cotidiano da cidade. Alias, existe uma curiosidade sobre o Jaçanã, escrito na letra de “Trem das Onze”. Adoniran nunca morou neste bairro da zona norte paulistano. Já no Bexiga - bairro que o adotou e por ele foi adotado – buscou inspiração, para suas obras musicais.

Boêmio, com direito a mesa cativa no salão principal do Bar Brahma, um dos mais tradicionais de São Paulo. Vive com simplicidade e alegria. Nunca perde o bom humor e seu amor por São Paulo, em especial pelo bairro do Bixiga, que ele canta em muitas músicas suas. Nos últimos anos de vida, com o enfisema avançando, e a impossibilidade de sair de casa pela noite, o sambista dedica-se a criar algumas músicas. Com dificuldades para respirar e o cansaço não lhe permitindo muita coisa. Adoniran Barbosa morreu em 23 de novembro de 1982, por causa de uma parada cardíaca, aos 72 anos de idade, pobre e quase esquecido. No momento de sua morte estavam presentes apenas sua mulher, Matilde Luttif, e uma irmã dela. Seu corpo está enterrado no Cemitério da Paz, no Morumbi. No Bexiga, local onde o sambista viveu a maior parte de sua vida, o nome de Adoniran Barbosa é uma rua famosa e na praça Don Orione há um busto do compositor, que numa certa madrugada, a estátua sumiu, vindo reaparecer nos jardins do parque São Jorge, sede do Corinthians, paixão de toda a sua vida, sendo logo depois entregue ao seu devido lugar. Imortalizado, Adoniran Barbosa com certeza será sempre lembrado, como o grande responsável por colocar São Paulo no mapa do samba nacional.

Certamente, não dá para falar de Adoniran Barbosa sem citar o grupo Demônios da Garoa.

Demônios da Garoa

O grupo Demônios da Garoa completa 65 anos de carreira neste ano de 2008. Não só um dos mais importantes grupos da música popular brasileira, como é também uma das mais duradouras formações musicais de qualquer país; segundo o Guinness, é o conjunto mais antigo, contabilizando 50 anos de atividades ininterruptas em 1993. Os Demônios são também os últimos remanescentes de uma tradição de grandes conjuntos vocais-instrumentais que fez história entre 1930 e 1950.

Tudo começou como brincadeira, quando cinco jovens paulistanos se reuniram para formar um conjunto amador para serenatas e festas: Arnaldo Rosa (percussão e vocal); seu irmão Claudio Rosa (pandeiro); Toninho Gomes (violão-tenor); Artur Bernardo (violão); Francisco Galo (tantã). Atendiam pelo nome Grupo do Luar até que, ainda em 1943, por sugestão do radialista Vicente Leporace, mudaram para o mais paulistano Demônios da Garoa. Em 1949 estrearam em disco fazendo coro em "Sanfoneiro Folgado" de Mário Zan; no ano seguinte gravaram o primeiro disco, "Siri Malvado" (de Jair Gonçalves), e logo emplacaram os primeiros sucessos, "Malvina" e "Joga A Chave".

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Embora mais famosos como os melhores intérpretes de Adoniran "Trem Das Onze", "Saudosa Maloca", "O Samba Do Arnesto", "Samba Italiano", os Demônios também fizeram sucesso com músicas de outros autores, como "Ói Nóis Aqui Tra Veis" (de Joseval Peixoto/Geraldo Blota) e "Muié Rendêra" (do folclore nordestino). Ganharam respeito e consagraram sua história na Música Popular Brasileira.

Zumbi dos Palmares

2008-11-20T06:34:00.000-08:00

Zumbi dos Palmares nasceu no estado de Alagoas no ano de 1655. Foi um dos principais representantes da resistência negra à escravidão na época do Brasil Colonial. Foi líder do quilombo dos Palmares, comunidade livre formada por escravos fugitivos das fazendas. Palmares estava localizado no interior da Bahia. Na época em que Zumbi era líder, o Quilombo dos Palmares alcançou uma população de aproximadamente trinta mil habitantes. Nos quilombos, os negros viviam livres, de acordo com sua cultura, produzindo tudo o que precisavam para viver.

Embora tenha nascido livre, foi capturado quando tinha por volta de sete anos de idade. Entregue a um padre católico, recebeu o batismo e ganhou o nome de Francisco. Aprendeu a língua portuguesa, o latim e a religião católica, chegando a ajudar o padre na celebração da missa. Apesar das tentativas de torná-lo "civilizado", Zumbi escapou em 1670 e, com quinze anos, retornou ao seu local de origem. Zumbi se tornou conhecido pela sua destreza e astúcia na luta e já era um estrategista militar respeitável quando chegou aos vinte e poucos anos.

No ano de 1675, o quilombo é atacado por soldados portugueses. Zumbi ajuda na defesa e destaca-se como um grande guerreiro. Após um batalha sangrenta, os soldados portugueses são obrigados a retirar-se para a cidade de Recife. Por volta de 1678, o governador da Capitania de Pernambuco cansado do longo conflito com o quilombo de Palmares, se aproximou do líder de Palmares, Ganga Zumba, com uma oferta de paz. Foi oferecida a liberdade para todos os escravos fugidos se o quilombo se submetesse à autoridade da Coroa Portuguesa; a proposta foi aceita. Mas Zumbi olhava os portugueses com desconfiança. Ele se recusou a aceitar a liberdade para as pessoas do quilombo enquanto outros negros eram escravizados. Ele rejeitou a proposta do governador e desafiou a liderança de Ganga Zumba. Prometendo continuar a resistência contra a opressão portuguesa,

Em 1680, com 25 anos de idade, Zumbi torna-se líder do quilombo dos Palmares, comandando a resistência contra as topas do governo. Durante seu “governo” a comunidade cresce e se fortalece, obtendo várias vitórias contra os soldados portugueses. O líder Zumbi mostra grande habilidade no planejamento e organização do quilombo, além de coragem e conhecimentos militares. O bandeirante Domingos Jorge Velho organiza, no ano de 1694, um grande ataque ao Quilombo dos Palmares. Após uma intensa batalha, a sede do quilombo, é totalmente destruída. Ferido, Zumbi consegue fugir, porém é traído por um antigo companheiro e entregue as tropas do bandeirante. Em 20 de novembro de 1695, aos 40 anos de idade, Zumbi teve sua cabeça cortada, salgada e levada, com o pênis dentro da boca ao governador Melo e Castro. Em Recife, a cabeça foi exposta em praça pública, visando desmentir a crença da população sobre a lenda da imortalidade de Zumbi.

Em 14 de março de 1696 o governador de Pernambuco, Caetano de Melo e Castro escreveu ao Rei: "Determinei que pusessem sua cabeça em um poste no lugar mais público desta praça, para satisfazer os ofendidos e justamente queixosos e atemorizar os negros que supersticiosamente julgavam Zumbi um imortal, para que entendessem que esta empresa acabava de todo com os Palmares." Zumbi é considerado um dos grandes líderes de nossa história. Símbolo da resistência e luta contra a escravidão, lutou pela liberdade de culto, religião e pratica da cultura africana no Brasil Colonial. O dia de sua morte, 20 de novembro, é lembrado e comemorado em todo o território nacional como o Dia da Consciência Negra.

A palavra Zumbi, ou Zambi, vem do africano quimbundo "nzumbi", e significa "duende".

O velho vinil está de volta!

2008-11-01T06:01:00.000-07:00

Em plena era digital, o vinil continua em alta. Apesar dos avanços tecnológicos, que têm mudado a forma de se comprar, ouvir e se relacionar com a música, nada disso foi suficiente para acabar com a paixão de muitos apreciadores, que acham o disco de vinil insubstituível. Mesmo restrito as prateleiras das lojas de sebos, o “bolachão” continua despertando interesse para aqueles, que adoram ouvir músicas acompanhados dos estalinhos e chiados. Embora trabalhoso, tirar o vinil da capa, colocar no toca-disco, pegar o bracinho e direcionar para uma determinada faixa. Todo este processo não chega a ser uma chateação, pelo contrário, é um ritual simples e gostoso.

Outra vantagem do vinil sobre o CD é a parte gráfica. Muitos preferem o disco pelo encarte com fotos e detalhes sobre a obra do artista. Tem discos que se tornaram célebres por suas capas. Por exemplo, o álbum “Todos os Olhos”, de Tom Zé, que durante muito tempo gerou uma curiosa história de que a foto era de uma bolinha de gude em cima de um ânus. Mais tarde, Tom Zé acabou desmentindo, dizendo que era em cima da boca de uma mulher. E como se poderia reproduzir em CD a célebre capa de “Sticky Fingers”, dos Rolling Stones, de 1971. Para quem não sabe, a capa do original, por muitos atribuída a Andy Warhol, trazia um zíper. Para retirar o disco, era preciso abrí-lo como se fosse uma calça.

Charles Gavin, baterista dos Titãs, além de colecionador compulsivo de discos, é remasterizador de obras esquecidas nas gravadoras. Considera que o grande prejuízo dos arquivos digitais não é técnico, é cultural. “O MP3 não carrega mais essa informação da capa, o trabalho gráfico do artista. Sou de uma geração que escutava o disco com a capa na mão, lendo as letras. Não abro mão de saber quem fez, como fez, onde fez, a informação dos instrumentistas. Isso faz parte da informação do objeto disco”. Amante do vinil, Gavin apresenta às quintas-feiras, pelo Canal Brasil (66 da Sky), às 21h, com reprises no sábado às 13h, o programa “Som do Vinil”. Mais que contar a história do formato, ele refaz a história da música popular brasileira pelos caminhos dos álbuns mais significativos dos anos 70.

O que também colabora com a volta do vinil é a crescente desilusão com o som do CD. Um dos argumentos é de que as músicas em CD, comparadas às originais em disco, deixam muito a desejar em termos de qualidade sonora. Conhecido por seu áudio límpido, o CD é tecnicamente melhor, porém, inibe os graves e agudos, comprime tudo deixando o som ficar pasteurizado. A reprodução analógica do vinil, corresponde exatamente ao som que foi produzido pelos músicos no estúdio. De grosso modo, é só comparar a quantidade de faixas cabem em um disco, com relação aos Cd´s e outros arquivos digitais, exemplo: MP3, MP4, IPod. Mesmo ocorrendo à substituição do sistema analógico pelo digital, a preferência por discos acaba sendo resultado de uma pequena diferença de decibéis.

Aliás, os DJs são os grandes responsáveis pela volta do vinil de forma mais popular. Parte desse retorno se deve as versões remix, que estouraram nas pistas de dança, clubes e boates. Muitos preferem discotecar com vinil, para criar uma melhor performance, enquanto que o CD é somente apertar botões. Atentos as novas tendências, gravadoras e artistas voltaram a apostar nos velhos discos de vinil. Agora é possível comprar versões no formato LP (Long Play), vários artistas tem uma parte dos lançamentos em discos. Quando você entra numa loja em Nova Iorque ou em Londres, existe uma seção de discos à venda. O objetivo principal é fazê-los chegar às pistas pelas mãos dos DJs.

Aqui no Brasil, infelizmente não existe mercado para o vinil, que esta fora de circulação desde 1996, com a invenção dos Compact Disc (CD), onde trouxe maior capacidade, durabilidade e clareza sonora, sob alguns pontos de vista, fazendo os discos de vinil ficarem obsoletos e desaparecerem quase por completo no fim do Século XX. Enquanto em outros países, os LP´s estão na moda. Milhares de audiófilos no mundo ainda preferem o vinil, que são bastante disputados, existem até sites de leilões virtuais, vendendo, em média, seis LP´s a cada 10 minutos. Os discos em vinil passaram a valer ouro, principalmente aqueles antigos, guardados em casa. Algumas raridades chegam ao preço de US$ 30 mil. As primeiras gravações dos Beatles chegam a custar US$ 15 mil a unidade.

Um exemplo clássico é o antológico “Paêbirú”, vinil duplo dos anos 70, considerado um dos melhores discos de rock da psicodelia nacional, que encanta colecionadores em vários países do mundo. Gravado em 1975, por Zé Ramalho e Lula Côrtes. O álbum é totalmente conceitual, saiu como um LP duplo e foi dividido em quatro partes (cada lado do LP), em analogia aos 4 elementos: terra, ar, fogo e água. É uma mistura impressionante de Ravi Shankar e Pink Floyd num mesmo caldeirão com Luiz Gonzaga e Jackson do Pandeiro. São “viagens esotéricas” no sertão da Paraíba que deram formas ao disco que é a referência máxima do experimentalismo musical nordestino dos anos 70. Nos cinco catálogos já publicados pelo colecionador austríaco, Hans Pokora, só dois discos brasileiros ganharam seis bolinhas: são o supra-sumo da raridade, com valor estimado em mais de mil euros. Um é justamente Paêbirú (que jamais teve uma reedição no Brasil) e o outro é o álbum “Sound Factory”, de 1970. No ano passado, a gravadora alemã Shadocks Music reeditou, com sucesso, o disco em CD e vinil. A valorização foi imediata. No site Mercado Livre, por exemplo, o Paêbirú (vinil duplo original) custa cerca de R$ 2.800,00.

Ministério da Cultura vai preservar este bem cultural

O Ministério da Cultura realizou no dia 30 de julho de 2008, uma visita à única fábrica de discos de vinil da América do Sul, a Polysom do Brasil, localizada em Belford Roxo, na Baixada Fluminense. Na ocasião, representantes dos ministérios da Cultura e do Trabalho, se reuniram para tentar encontrar uma solução para a reabertura da empresa e competir no mercado nacional e internacional. Desde a sua fundação, em 1999, a fábrica já chegou a imprimir 110 mil cópias de um só disco. No decorrer dos últimos anos, foram apenas cerca de 23 mil discos por ano.

Som para ouvir ( 1 )

2008-10-23T19:12:00.000-07:00

Dono de uma das vozes mais poderosas do rock mundial, David Coverdale, iniciou sua carreira de sucesso em 1973, após Ian Gillan deixar o posto de vocalista do Deep Purple. Durante três anos, seguiu a frente da banda, até que, no dia 15 de março de 1976, depois de um show em Liverpool, Coverdale decide sair da banda, por não sentir mais clima dentro do Deep Purple. Sem perder tempo, Coverdale lançou dois discos solo: David Coverdale’s Whitesnake (1976) e Northwinds (1977). No ano seguinte montou o Whitesnake, banda de hard rock britânico, com influência de rhythm & blues. Foram lançados 17 álbuns na carreira, entre os seus sucessos destacam-se a pesada Love Ain’t No Stranger, do álbum Slide It In de 1984 e a balada Is This Love, do álbum Whitesnake de 1987.

Além dos trabalhos desenvolvidos no Whitesnake, vale destacar duas experiências importantes na discografia de Coverdale. A primeira aconteceu em 1993, quando Coverdale, resolve dar um tempo da banda, após o disco Slip Of The Tongue (1989), não ter alcançado o sucesso esperado, mesmo contando com o mestre das guitarras Steve Vai. Chamado por outro mestre, Jimmy Page (ex-Led Zeppelin), considerado um dos maiores guitarrista de todos os tempos. Os dois unem-se para gravar o projeto batizado de Coverdale & Page. Numa breve união, lançam o ótimo CD de mesmo nome, mostrando Coverdale em excelente forma e Jimmy tocando com muita energia. Os destaques são "Shake My Tree", "Waiting On You", "Pride And Joy" e "Whisper a Prayer For The Dying". Saíram em turnê, fazendo 7 apresentações no Japão e venderam 4 milhões de cd´s. Na seqüência, a dupla preferiu se separar, com Page se reunindo a Robert Plant e Coverdale voltando a dar atenção ao Whitesnake.

A segunda foi em 1997, quando Coverdale preparava o álbum “Restless Heart” inteiramente solo, porém a gravadora decidiu exercer uma pressão, para que este trabalho saísse sob o nome da sua banda Whitesnake. A principio Coverdale não concordou, mas para não criar um clima tenso entre ambas as partes, resolveu intitular o álbum de "David Coverdale and Whitesnake". Durante a divulgação de “Restless Heart”, David Coverdale e Adrian Vandenberg, são convidados pela Toshiba EMI , para fazer uma apresentação acústica , como promoção do novo álbum do Whitesnake no Japão. O vocalista e guitarrista, não ficaram entusiasmados com o projeto. Embora suas composições eram feitas com base de violões acústicos, o resultado final sempre tinha bateria, guitarras elétricas e vocais altos. Mesmo rejeitando o formato "unplugged", o show baseado em voz e violão foi apresentada em um estúdio, na noite de 5 de Julho, com a presença de cerca de 60 fãs japoneses.

Em clima totalmente descontraído e um som mais intimista, a dupla mostra um repertório de nove clássicos do Whitesnake e, ainda, "Soldier of Fortune", canção de David Coverdale e Ritchie Blackmore, de 1974, dos tempos de Deep Purple. Difícil não se impressionar com a voz de Coverdale, é algo de espetacular. Não só os agudos devem ser observados, como também na sua extensão vocal. Com ótimos acordes de Vandenberg no violão, essa descompromissada apresentação, sem dúvida tornou-se numa performance inesquecível. A experiência foi tão bem aceito pelos fãs que o show intitulado de “Starkers in Tókio”, acabou registrado e mixado no dia seguinte no Toshiba EMI#3 Studio, em Tóquio. Tornando-se em um excelente álbum. Simplesmente fantástico, uma verdadeira aula de como fazer um disco acústico. Indispensável na sua coleção dos melhores cd´s.

Ed Motta e suas paixões

2008-10-17T07:01:00.000-07:00

No dia 09/12/06, fui ao show de Ed Motta, no Sesc Pompéia, para conferir todo o talento genético da família Maia. Confesso primeiramente, que meu interesse era de ouvir os grandes clássicos, mas seu show foi baseado no repertório do (ainda) último lançamento do CD Aystelum de 2005. Não que a sua apresentação não tivesse me agradado, pelo contrário, foi realmente um belo show. O curioso foi que só percebi isso, depois de ir embora, durante o trajeto para casa, fiquei assimilando o som que ficara nos meus ouvidos. O que estou tentando descrever, é de como ocorreu a evolução e o amadurecimento de Ed Motta. Desde os tempos que era um vigoroso cantor e um dos compositores e produtores do Conexão Japeri (sua antiga banda). Uma sensação instantânea, que se confirmou em seu disco de estréia, em 1988. Sucessos marcados por exuberante musicalidade e que introduziam fortes componentes do soul e do funk ao pop-rock que então vigorava no Brasil. Logo depois, considerando o egocentrismo “uma virtude”, Ed deixou a banda, partindo para carreira solo.

Musicalmente Ed Motta ousou e conseguiu fusões consideráveis como cantor, compositor, multiinstrumentista, arranjador e produtor de trânsito internacional. Em seu estilo, sem abrir mão da veia funk-soul, tritura influências que vão do jazz à canção brasileira, das trilhas sonoras de Hollywood ao rock, da música clássica aos standards americanos, da bossa nova ao reggae. O resultado dessa gama de referências já é reconhecido no mundo todo, confirmado nas turnês que nos últimos anos rodaram a Europa, o Japão, os Estados Unidos e a América do Sul. Hoje seus trabalhos estão cada vez mais experimentais e refinados, em um caminho sem volta, atrás da música sem fronteiras, menos comercial. Desta forma, se afirmando como um dos músicos mais criativos em atividade no Brasil.

Todo mundo conhece o lado musical de Ed Motta, mas suas habilidades, não param somente por aí. Ed Motta está sempre aberto a inovações e a surpresas. Além de um profundo conhecedor de música, muita gente não sabe das suas paixões por vinhos, cervejas belgas, culinárias, charutos, cinemas, histórias em quadrinhos e entre outras curiosidades mais recente por chás. Não seria de se estranhar, que por conta de todas essas manias e hábitos, Ed Motta se tornaria uma pessoa muito exigente e com muitas peculiaridades, o que por vezes lhe rende fama de ser enjoado, chato, até esnobe. Mas são essas características, que fazem dele um colecionador obcecado desde muito pequeno, quando começou com selos que tinham a aviação como temática. O espírito colecionista é transportado para tudo que gosta. “No colecionismo a raridade é um grande ápice, e é claro que na gastronomia isso sempre me impressiona”.

Colecionador de discos e filmes
O músico Ed Motta tem uma coleção de cerca de 20 mil discos, é um dos maiores colecionadores do Brasil, tem raridades de sua discoteca particular que vão de clássicos dos mestres do jazz até pérolas pinçadas de álbuns de rock raros lançados somente no Japão. Para ouvir seus vinis, Ed Motta tem em casa um toca-disco EMT de alta-fidelidade (toca-disco utilizado por gravadoras para testar o som dos vinis), arrematado num leilão feito pela gravadora Som Livre, anos atrás. Deste modo, o vinil tem um som muito melhor do que os CDs por causa desse equipamento.

Além da coleção de vinis, Ed Motta adora colecionar filmes preto e branco, inclusive fez participações na trilha sonora dos filmes: Pequeno Dicionário Amoroso de 1997, do desenho animado de Walt Disney O Corcunda de Notre Dame de 1997 e Tarzan de 1999. Também se envolvendo nos arranjos para teatros.

Produtor e apresentador
Primeiro começou com um programa totalmente caseiro em seu site pessoal, através da rádio UOL. A convite da Eldorado, passou a fazer parte da programação da rádio, tocando raridades do mundo do vinil, que em sua maioria não existe em CD. São discos garimpados ao longo de anos em sebos, internet, feiras e em lojas especializadas em todo mundo. Um programa que fala essencialmente do passado, geralmente da década de 50, 60 e 70. Com artistas diferentes escolhidos a dedo em seu acervo e comentados pelo próprio Ed Motta.

Ouça o programa "Empoeirado", toda segunda às 20h, na rádio Eldorado FM.

Vinhos

Começou a se interessar em 1990, através de sua mulher Edna. Seu interesse foi tanto, que passou a levar a sério. Seu primeiro livro sobre o assunto foi o do Saul Galvão, depois estendeu suas informações com revistas especializadas. Daí surgiu sua coluna no site da revista Veja, batizada, apropriadamente, de Manual prático da boa vida, que fala sobre gastronomia.

Seu vinho preferido recai sobre a Borgonha, exclusivamente vinhos franceses de fabricações artesanais e biodinâmicos (são aqueles produzidos de forma 100% natural, sem uso de agrotóxicos ou fertilizantes e respeitando os ciclos da natureza). São vinhos mais complexos, ricos de fruta e aromas. Depois da Borgonha vem Loire, Rhône, Alsácia e Bordeaux.

Cervejas Belgas

“Cerveja boa, tem que ser degustada quente. Beber estupidamente gelado só o que é muito ruim. Cerveja sofisticada tem que ser de rolha, se abre com abridor de vinho, como a Cantillon, feita da mesma maneira há mais de dois mil anos". Quem ensinou a Ed Motta, tudo o que ele sabe sobre o assunto foi o cervejólogo Xavier Depuydt, dono do bar Belgian Beer Café, no Downtown.

Entre as cervejas favoritas de Ed Motta, estão as produzidas pela cervejaria belga Liefmans e também a Tripel Karmeliet, produzida pela família Bosteels, cuja receita é de 1679 pertencente a um monastério carmelita, uma cerveja de três grãos: aveia, trigo e malte. Na Bélgica, existem as melhores cervejas do planeta. E como todas as cervejas especiais no mundo, a Karmeliet tem seu próprio copo para degustar, que lembra uma taça de vinho borgonha tinto. Colecionar os copos das cervejas favoritas é praxe entre os apreciadores.

Gastronomia
A culinária está no sangue, mais exatamente do avô, Altivo Maia, mestre-cuca de uma pensão na Tijuca, considerada a melhor comida caseira do bairro. Após o casamento, decidiu por uma melhor qualidade de vida e passou a ler vários livros de receitas. Mergulhando de cabeça na gastronomia. A comida italiana é sua favorita.

Histórias em quadrinhos

Essa paixão é dividida com sua esposa Edna Lopes, autora de obras do gênero. Ele sabe tudo, sobre revistas de histórias em quadrinhos. Tudo começou quando sua tia Selene lhe deu de presente uma coleção de Tintim. Ed tinha sete anos e convalecia de um sarampo que o deixou quatro meses de molho. Hoje, seu preferido é o francês Tardi, autor do cartaz do filme E la nave va, de Federico Fellini.

Charutos
Embora os charutos caríssimos tenham sido substituídos, por cigarrilhas, a pedido de ordem médica. Ed Motta gosta de fumar, os robustus. “O ideal é um lugar totalmente a parte, como um bar, longe das mesas de um restaurante”, diz ele.

Chá
No mundo dos chás, o White Tea (chá branco), é dos mais procurados por gourmets no mundo inteiro, em alguns casos raros e caros como trufas brancas italianas. O chá branco é produzido em algumas regiões, mas os melhores estão na China, na província de Fujian. A folha da camellia sinensis é colhida manualmente antes de abrir a flor e depois secada naturalmente quando fica com a coloração prata.

“Na boca, é dos chás mais deliciosos do planeta, muitos com final levemente adocicado contrastando com outros aromas. Para ficar perfeito, o chá tem de ser preparado com água mineral, de preferência com spring water, ou água de montanha. O ideal para preparar corretamente os chás é o uso de um termômetro de cozinha para água, e um timer para o tempo de infusão”. Quem ainda duvida dos hábitos sofisticados de Ed Motta.

O arqueólogo Charles Gavin

2008-10-01T07:45:00.000-07:00

Charles Gavin, é conhecido como integrante dos Titãs. Além de baterista, é colecionador compulsivo de discos raros e garimpeiro de sebos, transformou seu hobby numa atividade paralela aos Titãs e tornou-se um importante especialista em restauração de discos antigos. Nos últimos anos, Charles tem cuidado do relançamento de vários discos fora de catálogo, há sete anos vem desenvolvendo e promovendo projetos que visam o resgate, a divulgação e o lançamento em CD de importantes discos da música brasileira esquecidos nos acervos das gravadoras. A idealização deste projeto começou quando Charles Gavin, percebeu que no Brasil não havia praticamente nenhum material da Bossa Nova (gênero que ele adora) lançado em CD, mas no Japão tinha! Achando incoerente, por se tratar de música brasileira, o povo brasileiro teria que ter o direito ao fácil acesso à essas obras. Valendo-se do fato de ser um músico conhecido, Charles foi à sua gravadora oferecer um projeto, para resgatar algumas pérolas da Bossa Nova, mas não encontrou um aceno positivo. A gravadora alegou, que ninguém estava mais interessado em Bossa Nova. Como não se vai para uma reunião dessa sem um 'plano B', Charles se ofereceu para relançar o disco do Secos & Molhados, que havia sido um dos maiores sucessos de vendas da história da música no Brasil.

Com o sinal verde, o projeto foi o primeiro de uma série de mais de 450 álbuns que Charles Gavin resgatou desde então. Ele remasterizou dois discos do grupo Secos & Molhados para uma compilação lançada pela gravadora Continental. Foi um sucesso de vendas que ultrapassou a marca de 40 mil cópias, o que abriu as portas para o acervo de outras gravadoras e outros artistas. Este seu trabalho de produção e restauração de raridades da MPB é uma grande contribuição para a memória da música. Também existe a recuperação dos projetos gráficos originais, apesar das dificuldades de achar as capas em bom estado, pois, alguns discos demoram meses para serem encontradas e muitos vêm do outro lado do planeta, cedidas por colecionadores. Antigamente era costume valorizar a embalagem dos discos, visando chamar a atenção dos consumidores com tais artifícios. Ocorrem outros problemas de se relançar os discos já que nos anos 60 e 70 ninguém fazia contratos e hoje em dia tudo tem que ser por escrito. Além disso, os artistas que ficaram no ostracismo muitas vezes não aceitam os novos contratos por não acharem que estão recebendo o que merecem. Em outros casos o cd não sai porque o músico já faleceu, não se acham seus descendentes. São discos fundamentais para a história da música brasileira, que precisam estar disponíveis para as novas gerações.

Como ainda não existia curso de engenharia de áudio no Brasil. Em 1995, por intermédio do produtor e amigo Paul Ralphes, foi para a capital da Inglaterra, aprimorar melhor seu conhecimento. Charles Gavin se dedicou por seis meses, para ter aulas de produção em Londres, com a finalidade de entender o processo de utilização de compressores, equalizadores. Toda esta dedicação, na verdade tinha como objetivo, tornar disponível antiguidades da MPB. Foi percebido que existe um público ávido por este acervo riquíssimo e pouco explorado. Então as gravadoras resolveram colocar no mercado, vários pacotes de relançamentos dos seus catálogos com a coordenação de Charles. São 40 títulos do catálogo da BMG numa série intitulada "RCA Victor Special Edition ", referente ao Samba e Choro. A série histórica 'Odeon 100 Anos', prossegue com uma quantidade de 30 novas reedições, com predomínio desta vez da safra da bossa nova dos anos 60. A coleção Masters, série de trilhas sonoras da Rede Globo foi relançada em CD pela Som Livre. "Clássicos da MPB - Série Dois Momentos" da Warner. Recentemente foram remasterizados um bloco só com músicas de Caetano Veloso, em suas versões originais e nas novas, feitas para a sua caixa de 37 CDs, em comemoração aos seus 35 anos de carreira.

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Não bastassem todas essas atividades, Charles também possui um programa chamado Quintessência, todas as quinta, às 20:00, na Rádio Eldorado Fm, trazendo para os ouvintes uma seleção apurada de música de todos os tempos, baseada nas descobertas musicais realizadas no seu trabalho de pesquisador. Além disso, de olho na importância histórica que o vinil tem. Charles resolveu encarar uma nova, e divertida tarefa: a de apresentador de TV. A partir de agora, ele vai gravar e poderá ser visto às quintas no Canal Brasil, às 21 horas, no programa “O Som do Vinil”. Mais que contar a história do formato, ele vai refazer a história da música popular brasileira pelos caminhos dos álbuns mais significativos dos anos 70.

Eventos Gaitas Hering

2008-09-20T03:42:00.000-07:00

Em comemoração aos 85 anos das gaitas Hering, o Instituto Cultural Hering Harmônicas, realizou na marquise do Parque do Ibirapuera, a mostra "A História da gaita no Brasil". O evento contou com shows gratuitos de grandes talentos do país, fotografias e muita história sobre a gaita de boca.

Foram três datas agendadas, para os fins de semanas.

Dia 20/09 - Big Chico Blues Band
Tarde nublado de sábado em São Paulo, a movimentação para apresentação de Big Chico e sua banda, era totalmente tranqüila (até demais), poucos se interessaram em curtir ou conhecer um dos gêneros mais influentes da música negra. Independente da quantidade do público, Big Chico é um grande músico, que tem o costume de levar o blues a lugares não convencionais. Com seu jeito descontraído e alto astral, mais uma vez levantou a galera, mostrando toda sua influência vinda do blues, no melhor estilo West Coast e do soul, inclusive mandou muito bem nas versões de "Sex Machine (Get Up)", de James Brown e “Let´s Get On” de Marvin Gaye.

Big Chico é um exímio gaitista que toca de forma agressiva e melodiosa ao mesmo tempo e possuidor de um vocal potente, típico dos grandes bluesmen. Em um certo momento do show, Big Chico, larga o microfone e faz ecoar sua voz nítida em nossos ouvidos, em um ambiente totalmente aberto e sem acústica. Enfim, além do grande carisma ele interagiu e brincou com a platéia o tempo todo, mostrando que o blues, é um gênero de música a ser ouvida por todos.

Dia 27 de Setembro - Little Will e Róbson Fernandes
No segundo dia, a apresentação ficou por conta da banda Robson Fernandes Blues Band. O mais novo endorser da Hering e sua banda deram um verdadeiro show. Apresentando o seu estilo de blues tradicional de Chicago. Além de tocar gaita com a sua apurada técnica, Robson também canta extremamente bem. Possui uma forma própria de tocar, mesclando citações de gaitistas antigos com sua levada moderna.

Parte do show teve a participação do gaitista Little Will, numa Jam Session bem descontraída, onde ambos tocaram várias músicas no improviso, sem perder a qualidade musical de ambos. Inclusive em alguns solos de gaitas, arrancaram palmas e despertaram muita admiração do público.

Dia 28 de Setembro - Fabrício Casarejos, Márcio Scialis e Jefferson Gonçalves e convidados
Infelizmente não compareci a esta apresentação, devido ao cansaço de conferir outros eventos na noite anterior.

História da Gaita

A gaita ou Harmônica como nós a conhecemos hoje, foi inventada na Alemanha no Século XVIII.Contudo o conceito de um instrumento com palhetas livres possa ser encontrado há milhões de anos na China e sudeste da Ásia.

Foi em Berlim, em 1821, que Friedrich Bushman, aos 16 anos inventou a AURA, para estudar a influência da corrente de ar no som. Sua invenção era essencialmente um conjunto de quinze diapasões, todas notas sopradas, conectadas a uma armação de metal. Alguns anos depois, um produtor de instrumentos em Bohemia, chamado Richter, melhorou o design da desajeitada Aura. Ele fez uma estrutura de 20 notas, dentro de dez orificios, ou seja, 10 notas sopradas e 10 notas aspiradas, estas mudanças somado a estrutura do instrumento foi verdadeiramente a primeira gaita ou harmônica como nós a conhecemos hoje.

Em 1827, um relojoeiro chamado Christian Messner começou a fazer harmônicas como uma linha opcional, na pequena cidade de Trossing, Alemanha.Em breve vários outros relojoeiros da área, muitos deles parentes de Messner, estavam também produzindo harmônicas como um negócio opcional. Mas nesta mesma cidade, um jovem relojoeiro de 24 anos chamado Mattias Hohner, resolveu produzir harmônicas como seu principal negócio, produzindo assim 650 instrumentos no primeiro ano. O que distinguia Hohner dos outros fabricantes daquela época era a alta qualidade dos instrumentos aliada a uma grande visão de marketing, pois todas as gaitas fabricadas por ele tinham sua marca estampada.

Em 1888 as gaitas Hohner foram para os EUA e foram largamente distribuídas sem dúvida por serem baratas, pequenas e fáceis de se tocar. Talvez por essa razão, elas foram tão bem recebidas entre a população negra. Ainda hoje a Hohner é o mais influente fabricante de gaitas, já tendo produzido cerca de 1.500 modelos diferentes de harmônicas. O mais caro foi fabricado fora de série, especialmente para o Papa Pio XI, todas as peças de metal, com exceção das palhetas eram de ouro maciço. Um dos modelos mais curiosos era acompanhado de um cordão para que os africanos, que não usam bolsos, pudessem pendurá-las no pescoço.

No Brasil, a história da gaita começa em agosto de 1923, um imigrante alemão chamado Alfred Hering, fundou a empresa Gaitas Alfred Hering em Blumenau - Santa Catarina, e começou a produzir as Harmônicas Hering. Após a morte do Sr. Hering, em meados de 1960, a empresa foi vendida para M. Hohner Company, de Trossing, Alemanha. Muita tecnologia foi trazida da Alemanha e introduzida no Brasil, melhorando assim cada vez mais a qualidade do instrumento.Em 1979, um grupo de brasileiros comprou a Hering e M. Hohner deixou o Brasil.

Flávio Guimarães

2008-09-06T10:54:00.000-07:00

Com uma carreira de mais de duas décadas. Flávio Guimarães é gaitista, cantor e integrante fundador da banda Blues Etílicos, pioneira que representa um marco para a história do blues no país. Através da sua gaita diatônica, Flávio se tornou a principal referência desse instrumento no Brasil. Tendo influenciado toda uma geração de gaitistas, ajudando a criar um público e um mercado para o blues nacional. É o único da América do Sul, a ser endorser da mais antiga e conceituada fábrica de gaitas do mundo, a Hohner Harmônicas.

Em sua carreira solo, lançou cinco álbuns, participou de diversas trilhas para cinema, TV e comerciais. Gravou com Alceu Valença, Cássia Eller, Ed Motta, Fernanda Abreu, Luis Melodia, Paulo Moura, Renato Russo, Rita Lee, Titãs, Zeca Baleiro e Zélia Duncan, entre outros. Flavio já teve o privilégio de tocar com figuras carimbadas do blues. Foi escolhido duas vezes por B. B. King para abrir seus shows no Brasil, em 1999 e 2004. Participou dos principais festivais nacionais e internacionais: Free Jazz, Rock in Rio II, Heinecken Concerts, Nescafé Blues e Natu Blues Festival, tocou com Buddy Guy em 1989 e 1991 e com Magic Slim em 1993 e abriu a turnê brasileira de Robert Cray em 1997.

Flávio mantém um constante intercâmbio com alguns dos melhores gaitistas do mundo. Desde 2001 é organizador do Encontro Internacional da Harmônica, realizado no Sesc. Realizou shows e gravações com Charlie Musselwhite, Howard Levy, Mark Hummell, Mark Ford e Sugar Blue. Participou da banda que acompanhou Taj Mahal no Brasil, dentro do Heinecken Concerts, em 1999. O show se transformou em especial da TV Cultura. Fez parte também das bandas de Brian Lee e Walter Wolfman Washington em seus shows no país.
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Considerado pela crítica internacional como um dos mais inventivos gaitistas do mundo. Sua apresentação na convenção mundial de gaitistas, realizada em 1996 nos Estados Unidos, lhe rendeu um elogio na publicação especializada American Harmonica Newsletter: " Flávio tem um ótimo toque na gaita e imaginação que o leva bem além de uma performance convencional. Ele toca Blues com um estilo jazzístico e empolgou o público na convenção do SPAH, em St. Louis."
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Seu mais recente lançamento, intitulado “Vivo”, está sendo lançado em novembro, pelo selo Delira Blues. O álbum é uma homenagem ao lendário bluesman Charlie Musselwhite, que Flávio e sua banda acompanharam em turnê brasileira em 2006. O próprio Musselwhite participa do CD, cantando e tocando violão na faixa “Darkest Hour”.

Flávio Guimarães & Prado Blues Band

Em 2006, dois nomes do cenário bluseiro nacional, resolveram juntar forças, para lançar um CD. Flávio Guimarães dispensa apresentações, e o talento da Prado Blues Band é uma unanimidade. A química entre eles foram perfeita. O fraseado melodioso de Flávio faz contraponto com a pegada californiana de Ivan Márcio, gaitista da banda. O prodígio da guitarra Igor Prado está cantando como um verdadeiro blues shouter. Yuri Prado mantém o inconfundível suingue extraído da audição de big bands de jazz, e o baixo acústico de Marcos Klis faz uma grande diferença.

Com participações de Howard Levy (o maior nome da gaita cromática no jazz), e do pianista Ari Borger, que poderia ser confundido com um nativo de New Orleans. Entre jumps, boogies e shuffles, o que chama atenção é a ênfase no rhythm & blues dos anos 50, raramente abordado no Brasil. O CD é o primeiro lançamento do selo de Chico Blues, importador de CDs de São Paulo.

O Show
Com um repertório mesclando blues, jazz e música brasileira, suas músicas se sucedem em suaves variações com expressivo virtuosismo. Suas performances mostram porque é o melhor
do Brasil.

Gênero: Blues, Jazz e MPB

Influências: Little Walter, Big Walter Horton, William Clarke, Rod Piazza, Charlie Musselwhite

Integrantes: Flavio Guimarães (gaita e voz) e convidados

Discografia: Vivo (2007), Flávio Guimarães e Prado Blues Band (2006), Flávio Guimarães – Coletânea (2005), Navegaita (2003), On The Loose (2000), Little Blues (1995)

e-mail: flavioharmonica@gmail.com ou flavio@flavioguimaraes.com.br

Site: www.flavioguimaraes.com.br

Aquário de Santos

2008-09-04T14:29:00.000-07:00

Inaugurado em 2 de julho de 1945, esse é um dos três antigos aquários em funcionamento no País (o 1.º foi o Aquário Público do Rio de Janeiro em 1910 e o 2.º foi o Aquário do Instituto de Pesca, em São Paulo, em 1930). Sua realização surgiu da necessidade de investir no potencial turístico de Santos. O então prefeito Antonio Gomide Ribeiro do Santos, resolveu pleitear a idéia de construir uma estrutura com tanques de água doce e salgada, com várias espécies de animais marinhos para visitação publica. A principio o projeto era considerado avançado demais para época, mas com uma visão moderna sobre o desenvolvimento da cidade, ficava cada vez difícil impedir a construção do Aquário de Santos. Foi uma grande festa para cidade, que contou com a presença do presidente da Republica, Getulio Vargas.

Apesar das diversas reformas de modernizações, o Aquário de Santos continua com os mesmos traços arquitetônicos. Em 2008, as paredes externas foram pintadas pelo artista plástico californiano Robert Wyland, são dois murais de 10 metros de altura por 4 de largura com temas da fauna marinha: peixes, golfinhos, tubarões, arraias e tartarugas. São as únicas obras do artista na América Latina. Também foram feitas cenografias nos tanques do aquário para reproduzir, o cenário mais próximo da realidade do habitat dos animais em exposição. Essa produção de Renato Ribeiro, tem efeitos espetaculares e provavelmente seja o único parque aquático com essa quantidade e qualidade de cenografia. A parte da água salgada é captada diretamente do mar de um sistema que permite seu fornecimento ininterrupto.

Considerado patrimônio natural, o Aquário de Santos, além de sua importância cultural, expande-se progressivamente, com rico acervo de espécies aquáticas nativas e exóticas, também é responsável pela reabilitação de animais marinhos, como pingüins, peixes e até aves debilitadas. Um verdadeiro ponto central de lazer, cultura e atividades pedagógicas de educação ambiental, por meio de cursos, fóruns e palestras. Os visitantes ficam deslumbrados com a biodiversidade marinha, conhecem diferentes espécies de peixes e contam com dicas para preservar a natureza. Muitos desses seres, preservados pelo aquário, estão expostos e são explicados para um publico que estão mais conscientes as necessidades de proteger a fauna e a flora do planeta.

O Aquário de Santos foi destacado na edição de 1995 do Guiness Book, o livro dos recordes, devido possuir a maior variedade de espécies do país, onde se pode conhecer alguns organismos bem curiosos, como aranhas-do-mar, carpas, esponjas, lagostas, lobos marinhos, moréias, pacus, piranhas, pingüins, tambaquis, e uma infinidade de outros seres aquáticos. Das cinco espécies de tartarugas marinhas do Brasil, três estão expostas no aquário. Dessa forma, o Aquário de Santos é um dos poucos parques públicos brasileiro que, mantém em suas instalações animais marinhos, espécies raras e formas de vida que normalmente são conhecidas apenas por mergulhadores, pescadores e cientistas. É impressionante a quantidade de vida existente no mundo aquático.

A beleza, a elegância ou a extravagância desses seres faz de sua observação o êxtase de todo visitante que passa pelo Aquário de Santos, proporcionando ao publico um contato maior com o ambiente marinho, um cenário intimamente ligado as melhores recordações, de quem tem o privilegio de conhecer este maravilhoso ponto turístico da cidade santista. Um tipo de ecossistema pouco conhecido, onde animais e plantas com suas variações de cores formas e tamanhos, criam um universo próprio. Nesse espaço, numa área ocupada de mais 1000 metros quadrados, onde a fauna aquática é composta por mais de 200 exemplares de água doce e salgada de diversas partes do mundo, em um total de 800 exemplares marinhos ocupando mais de 30 tanques.(ok)

AQUÁRIO DE SANTOS

Endereço: Av. Bartolomeu de Gusmão, s/n - Ponta da Praia

Quando: Terça a Domingo, das 9 às 20:00 horas

Ingressos: R$ 5 (adultos) e grátis crianças até 12 anos

Informações: (13) 3236-9996

Site: www.vivasantos.com.br

Mark Hummel

2008-08-26T16:00:00.000-07:00

O gaitista norte americano Mark Hummel, considerado um dos principais nomes de blues em todo o mundo, iniciou em agosto de 2008, uma mini-turnê pelo Brasil. Esta é a segunda vez que Hummel se apresenta no país, já esteve aqui em 2002, quando realizou memoráveis shows, no 2.º Encontro Internacional de Harmônica, no Sesc Pompéia (São Paulo), no Bourbon Street Music Club e uma jam session no Mr. Blues Bar, com participação de Flavio Guimarães, gaitista do Blues Etílicos. Em sua nova turnê, que irá incluir além do Brasil o Chile e a Argentina, será acompanhado pela melhor banda de Swing Blues do país, a Igor Prado Band.

Com 25 anos de carreira e 16 álbuns lançados, Mark Hummel é um dos cinco maiores gaitistas vivos. Segundo a principal revista de Blues norte americana, a “Blues Revue”, Mark Hummel é simplesmente um dos melhores instrumentistas que já existiram no estilo e vem se aprimorando a cada novo álbum. O seu trabalho mistura Blues e Swing numa combinação de fraseado, ataque e tonalidade que distinguem seu som. Outro trunfo de Hummel é que, apesar de os gaitistas californianos geralmente privilegiarem a velocidade e a técnica, ele tem raízes fortemente fincadas no clássico blues de Chicago. Mestres como Little Walter, James Cotton e Sonny Boy Williamson foram suas maiores influências.

Nascido em New Heaven, Connecticut, Hummel absorveu a música de Chicago, antes de se mudar para Berkeley, Califórnia, em 1972. Ele ficou fascinado com o blues-rock do Cream, Jimi Hendrix, The Big Brother & Holding Company e os Rolling Stones. Ao ver os créditos dos álbuns, ele passou a buscar mais informações sobre o blues de raiz. Influenciado pelos grandes mestres, começou a tocar gaita harmônica na sua adolescência, a fim de ser diferente daqueles que preferiam a guitarra. Hummel dedicou-se a estudar o som da escola de Chicago, também fazendo estágios em New Orleans e Boston, para aprender os estilos dessas cidades.

Concluído o ensino, Hummel retorna para Califórnia mais experiente. Com seu estilo definido entre jump blues e rock 'n' roll e dessa mistura surge um excitante novo estilo de West Coast Blues, que inclui elementos de jazz e swing. Determinado a buscar seu espaço no cenário musical, parte para constantes aparições em grandes festivais de blues. Até que, em 1985, após tocar na Califórnia com Cool Papa, Boogie Jake, Mississippi Johnny Waters e Sonny Lane, fundou a banda Blues Survivors, com a qual realizou turnês pelos EUA, Europa e Canadá, muitas vezes dividindo o palco com grandes nomes do blues, como Charlie Musselwhite, Brownie McGhee, Lowell Fulson e Eddie Taylor.

Além de participar nos principais festivais de blues, San Francisco Blues Festival, Chicago Blues Festival, King Biscuit Blues Festival, Waterfront Blues Festival, Monterey Jazz Festival, é juiz do campeonato mundial de Harmônicas da fabricante alemã Hohner, e desde 1991, Hummel produz e toca no evento anual Blues Harmonica Blowout, do qual participam os melhores gaitistas, entre eles James Cotton, Charlie Musselwhite, Norton Buffalo, Kim Wilson, Huey Lewis, Carey Bell, Billy Boy Arnold, Rod Piazza, Rick Estrin, Paul deLay, Snooky Pryor, James Harman, Gary Primich e Sam Myers.

Mark Hummel, estabeleceu sua reputação ao redor do mundo, sendo uma importante força na formulação e na definição deste gênero musical.

O Show
É um excelente cantor e extremamente simpático e comunicativo com a platéia. Com um irresistível repertório cheio de swing, dificilmente alguém resiste não se contagiar.

Gênero: Blues

Influências: Little Walter, James Cotton e Sonny Boy Williamson.

Integrantes: Mark Hummel (gaita e voz), Igor Prado (guitarra), Yuri Prado (bateria) e Rodrigo Mantovani (baixo acústico)

Discografia: Mark Hummel's Blues Harmonica Blowouts 'Still Here And Gone' 1993-2007 (2008), Odds & Ends (2008), Ain't Easy No More (2006), Blowin' My Horn (2004), Feel Like Rockin' (1994), Harmonica Party (2004), Blues Harp Meltdown (2004), Golden State Blues (2002), Married to the Blues (1995), Low Down to Uptown (1998), Heart of Chicago (1997), Hard Lovin' 1990s (1996)

e-mail: hummelharp@aol.com

Site: http://www.markhummel.com/

Comunidade Samba da Vela

2008-08-19T19:40:00.000-07:00

Há quem reze para a vela não apagar, porque, quando ela apaga, o samba termina e a comunidade chora. É assim toda segunda-feira, dia em que a chama do Samba da Vela se nutre com músicas de novos compositores e intérpretes. E foi numa segunda, dia 19/11/07, que conheci a Comunidade Samba da Vela, um dos pontos turísticos obrigatórios de São Paulo. Este local ambientado por pessoas de todas as regiões da paulicéia e também de outros estados, vem conquistando cada vez mais apreciadores do verdadeiro samba-raiz. A Comunidade Samba da Vela, fica na Casa de Cultura de Santo Amaro, um lugar pequeno, bem simples, com várias cadeiras em volta de uma mesa. No local não é permitido fumar, conversar, dançar ou consumir bebidas alcoólicas, o silêncio faz parte de todo um ritual. Para muitos, talvez não seja o melhor ambiente para se divertir, más a história de mais de 7 anos mostra ao contrário. As pessoas que lotam o lugar entendem perfeitamente a proposta feita pelo grupo e é justamente este respeito, que permite desde uma criança até o mais velho curtirem sem nenhum problema.

Tudo é feito de forma descompromissada, conforme vai chegando os integrantes do grupo, eles vão passando pelo meio da platéia e se acomodando com seus instrumentos até cercarem a mesa. Todos são bem receptivos, brincam com o público ou entre eles. Antes de começar o samba é aceso uma vela (por isso o nome), mesmo não sendo um grupo de mídia, todos ali cantam as músicas e acompanham os instrumentos batendo na palma da mão. Opâ! Eu disse acima que “o silêncio faz parte de todo um ritual”, porém, era um dia especial: primeiro porque era dia do aniversário de um integrante fundador, o Paquera; segundo era véspera de feriado (dia da Consciência Negra). Além disso, era noite da vela Rosa onde o espaço é totalmente concedido aos compositores anônimos das comunidades, que vem mostrar suas composições inéditas ao grupo e público. Em outras semanas, a vela Azul são apresentadas os sambas da roda anterior e depois a vela Branca, é noite dos sambas mais conhecidos (esse é o melhor dia).

No meio do samba, o mestre de cerimônia Chapinha anuncia o nome de Luciano Faccioli, o apresentador do telejornal matinal da rede Record, que se levanta e recebe os aplausos. Segundo informações que recebi de um segurança, é habitual ter famosos visitando o lugar, principalmente da madrinha Beth Carvalho, que costuma dar sua benção ao grupo quando esta em São Paulo. Geralmente o samba termina, quando a vela se apaga (por volta das 23:30), mas já era mais de meia-noite quando tocou a “saideira”. Após a última música, todos que ficaram foram convidados a degustar uma saborosa sopa de mandioquinha com camarão, só tomem cuidado para não colocar molho de pimenta, pensando que seja algum outro tipo de acompanhamento, pois, esse molho é muito picante e como não tem bebida dentro da casa, você vai sofrer até chegar no bar mais próximo para comprar algum liquido.

Comunidade Samba da Vela (Casa de Cultura de Santo Amaro)
Toda Segunda-Feira, às 20:00 horas
Entrada R$ 2,00 (Contribuição para sopa)
Praça Francisco Ferreira Lopes, 434 – Santo Amaro
Site: http://www.sambadavela.com.br/

A História

O Samba da Vela surgiu por iniciativa do compositor José Marilton da Cruz, o Chapinha, e de seu parceiro Paquera. Eles juntaram-se a Magnu Sousa e Maurílio de Oliveira, estes dois integrantes do Quinteto em Branco e Preto, e resolveram formar uma roda de samba semanal, em julho de 2000, em que novos compositores pudessem apresentar suas criações. No começo, a roda era realizada no bar de Chapinha, o Ziriguidum, também em Santo Amaro. De tão proveitoso, a roda estimulava os freqüentadores a cantar seus sambas novos e varar a madrugada. "Ia até quatro, cinco horas da manhã de segunda pra terça. A roda não acabava porque alguém sempre tinha um samba novo pra mostrar," rememora Chapinha. Como na terça-feira o batente começa cedo, eles precisavam criar algum tipo de ponto final. Tentaram uma ampulheta e um relógio despertador, mas a precisão irresistível do tempo marcado não combinou com o tempo cadenciado do samba. Diante do dilema, a solução partiu de Paqüera: acende-se uma vela e quando ela se apagar também acaba o samba. A estratégia funcionou tão bem que, aos poucos e naturalmente, a própria vela deu à roda carga extra de significados, a ponto de o Samba da Vela transformar-se em um ritual.

A vela virou o símbolo dessa rapaziada, que começou a se reunir primeiro com o intuito de fazer um samba de linhagem tradicional, passou a revelar bons compositores, atraídos pela oportunidade de mostrar seus trabalhos e com o tempo foi ganhando a aceitação da comunidade. Começou pelo bairro, Santo Amaro, e foi conquistando a região, a cidade e o respeito e admiração da classe artística. Cada compositor defende seu samba diante da comunidade "sem levar torcida, tem que ser na raça", destaca Chapinha. Não tem armação, os premiados pela comunidade têm suas letras editadas em um caderno que é distribuído nas quatro semanas seguintes, quando são acesas as velas brancas. Desses cadernos, saiu o CD "A Comunidade do Samba da Vela". As velas têm seus papéis fundamentais, para realização deste ritual. Tomando como parâmetro a rosa, os compositores apresentam apenas sambas absolutamente inéditos, a cor azul, cantam-se os sambas que foram apresentados na vela rosa, para que possam ser avaliados e a cor branca, os melhores sambas são escolhidos para integrar um caderno de composições do Samba da Vela.

Quem visitar o Samba da Vela pode ficar surpreso ao ver que na roda não há bebidas alcoólicas. Trata-se de um outro ritual dedicado exclusivamente ao samba, em que as pessoas vão para ouvir, cantar ou mostrar suas composições. Ao contrário do que pode parecer, não há desânimo. Para justificar a regra, durante a gravação da vídeo-reportagem quebrou-se o protocolo (ou liturgia, no caso) com a visita surpresa de Beth Carvalho, madrinha do projeto, que levou outros dois músicos para conhecer a comunidade. Acompanhado de Léo Maia, filho de Tim Maia, o cantor Seu Jorge levou consigo um balde com cervejas geladas. Depois da autorização de um dos fundadores, a cerveja foi para o centro da roda. Mas para o espanto geral, em um acidente, a tampa do balde escapuliu em cima da mesa apagando a vela, que foi rapidamente reacendida. Lá pelas tantas (a vela durou mais com a presença dos visitantes), ao falar para as cerca de 200 pessoas presentes, Seu Jorge não escondeu seu desconforto pelo acidente. "Estou com vergonha porque a vela se apagou por minha causa", lamentou. Mesmo com o desagravo dos anfitriões, ele insistiu. "Eu sou do santo e sei que tem que respeitar, alguma coisa foi que fez a vela se pagar. Se não era pra ter bebida no ambiente, não tem que ter bebida. Não cheguei negativo, mas eu cheguei sujo da rua. Que sirva de lição."

O Adeus de Dorival Caymmi

2008-08-16T04:09:00.000-07:00

Confesso que não sou um apreciador da obra de Dorival Caymmi, mas como incentivador da cultura, através da música... seria muita ignorância da minha parte, não reconhecer sua importância para a música popular brasileira...

Saiba um pouco mais sobre a vida do cantor, compositor e pintor.

Compositor baiano responsável em grande parte pela imagem que a Bahia tem no cenário brasileiro, compondo sobre os hábitos, costumes e as tradições do povo baiano. Nas composições ressalta a genialidade de Caymmi, a Bahia surge como um local exótico com um discurso típico que estabelecera nas primeiras décadas do século XX. Referências à cultura africana, à comida, às danças, à roupa, e, principalmente à religião. Sua obra tem como forte influência a música negra, desenvolvida em um estilo pessoal de compor e cantar, seu estilo inimitável influenciou várias gerações de músicos brasileiros.

Dorival Caymmi nasceu em Salvador, Bahia, em 30 de Abril de 1914. Era descendente de italianos pelo lado paterno. Seu bisavô chegou ao Brasil para trabalhar no reparo do Elevador Lacerda e cujo nome era grafado Caimmi. Ainda criança, iniciou sua atividade como músico, ouvindo parentes ao piano. Seu pai, Durval Henrique Caymmi, era funcionário público e músico amador, tocava, além de piano, violão e bandolim. A mãe, Aurelina Cândida Caymmi, conhecida por Dona Sinhá , era dona de casa, cantava apenas no lar. Ouvindo o fonógrafo e depois a vitrola, cresceu sua vontade de compor. Cantava, ainda menino, em um coro de igreja, como baixo-cantante. Com treze anos, interrompe os estudos e começa a trabalhar em uma redação de jornal O Imparcial, como auxiliar. Com o fechamento do jornal, em 1929, torna-se vendedor de bebidas.

Em 1930 escreveu sua primeira música: 'No Sertão", e aos vinte anos estreou como cantor e violonista em programas da Rádio Clube da Bahia. Já em 1935, passou a apresentar o musical Caymmi e Suas Canções Praieiras. Com 32 anos, venceu, como compositor, o concurso de músicas de carnaval com o samba A Bahia tambem dá. Gilberto Martins, um diretor da Rádio Clube da Bahia, o incentiva a seguir uma carreira no sul do país. Em abril de 1942, aos 23 anos, Dorival, viaja de ita (navio que cruza o norte até o sul do Brasil) para cidade do Rio de Janeiro, para conseguir um emprego como jornalista e realizar o curso preparatório de Direito. Com a ajuda de parentes e amigos, fez alguns pequenos trabalhos na imprensa, exercendo a profissão no jornal Diários Associados, ainda assim, continuava a compor e a cantar. Conheceu, nessa época, Carlos Lacerda e Samuel Wainer.

Foi apresentado ao diretor da Rádio Tupi, e, em 24 de junho de 1942, estreou na rádio cantando duas composições, embora ainda sem contrato. Saiu-se bem como calouro e iniciou a cantar dois dias por semana, além de participar do programa Dragão da Rua Larga. Neste programa, interpretou O Que é Que a Baiana Tem, composta em 1938. A canção fez parte do repertório do filme Banana da Terra, de 1939, estrelado por Carmen Miranda., ficando eternizada na voz da Pequena Notável. Em seguida sua música "O Mar" foi colocada em um espetáculo promovido pela então primeira-dama Darcy Vargas. Daí em diante seu prestígio foi se ampliando. Passou a atuar na Rádio Nacional, onde conheceu a cantora Stella Maris, com quem se casou em 1940 e tiveram três filhos: Dinair (Nana), nascida em 1941, Dorival (Dori), nascido em 1943, e Danilo Cândido, nascido em 1948. Todos eles se tornaram grandes nomes da música popular brasileira.

Em 60 anos de carreira, encantou ouvintes do povo e intelectuais, Dorival Caymmi foi um dos inventores da MPB, gravou cerca de 20 discos, mas o número de versões de suas músicas feitas por outros intérpretes é praticamente incalculável. Após um período de descanso, voltou a compor em 2001, com quase 90 anos, para a televisão. Em 16 de agosto de 2008, morre aos 94 anos, em casa, às seis horas da manhã, por conta de insuficiência renal e falência múltipla dos orgãos em consequência de um câncer renal que possuia há 9 anos. Desde dezembro de 2007, permanecia em internação domiciliar. O corpo do músico será velado neste sábado, a partir das 15h, na Câmara dos Vereadores, no Centro do Rio. O enterro ocorre neste domingo à tarde.

Caymmi também gostava de pinturas, sempre teve vocação para pintar, indicando que era mais um de seus talentos. Chegou a se aproximar de artistas, como Di Cavalcanti, entusiasmado com sua obra. Quem o inclinou para que não deixasse a música foi seu amigo baiano Jorge Amado.

Morre no Rio a viúva de Dorival Caymmi

Morreu na tarde de 27/08, Stella Maris, aos 86 anos, viúva do cantor e compositor Dorival Caymmi, que faleceu no último dia 16. Stella estava internada desde abril no hospital Pró-Cardíaco, no Rio de Janeiro, com problemas cardíacos e há 20 dias entrou em coma.

Santo Amaro - Parte II

2008-08-12T22:34:00.000-07:00

Atualmente o antigo município de Santo Amaro é considerado por muitos, como um retrato ou resumo do Brasil, devido a sua mistura de povos, sendo primeiro habitado por uma maioria de estrangeiros, na época com grande concentração de imigrantes alemães e hoje por muitos nordestinos, na sua maioria pernambucanos. Para as pessoas que lá viveram e cresceram durante as décadas de 50 e 60. Santo Amaro mesmo passando a ser um bairro, ainda mantinha sua principal característica de ser uma cidade, distante do grande centro e provinciano pelo passado que teve. Entre os santamarenses que se notabilizaram e evidenciaram o nome de Santo Amaro, tivemos:

Bandeirante Borba Gato
Foi em 1649, na cidade de Santo Amaro, que nasceu Manoel de Borba Gato, considerado o mais importante bandeirante paulista do século XVII, destacando-se por ser um grande líder e desbravador. Foi o primeiro colonizador e descobridor de ouro no rio das Velhas. Casado com a filha de Fernão Dias Paes Leme. O sogro entregou a Borba Gato o destino da expedição quando teve pressentimento que iria morrer. Após a morte de Fernão Dias, em 1681. Borba Gato continuaria seu trabalho de encontrar esmeraldas. Viveu praticamente nas selvas, durante 20 anos, entre 1680 e 1700.

Dom Rodrigo Castelo Branco, nobre espanhol, enviado para vistoriar as minas de ouro. No encontro com Borba Gato houve uma grande discussão entre os dois, pois ambos eram de gênio impetuoso. Dois pajens de Borba Gato, ao presenciar a discussão violenta, temeram pela vida do bandeirante, e acabaram por matar o nobre espanhol. Acusado do crime, Borba Gato ficou foragido 18 anos, vivendo com os índios no vale do rio Sabará e cercanias, onde veio a encontrar mais ouro. Mais tarde conseguiu por intermédio de sua família e amigos ser absolvido do crime que lhe era atribuído.

Também no começo do século XVIII aconteceu o primeiro grande conflito pela posse do metal amarelo. Mesmo sendo descobridores do ouro, os paulistas perderam para os cariocas a jurisdição sobre as minas, causando enorme desconforto. Os paulistas chamavam os cariocas, portugueses e demais imigrantes de Emboabas, nome pelo qual ficou conhecido o conflito. A Guerra dos Emboabas se estendeu pelo vale do rio das Velhas, rio das Mortes e teve Sabará como um de seus palcos. A derrota dos paulistas fez com que sua influência diminuísse. Tanto é assim que não se vê o nome de Borba Gato, um paulista, na lista dos presentes ao Ato de Criação da Villa Real de N. Sra. da Conceição do Sabará, em 1711. Borba Gato teve sua história interrompida aos 90 anos de idade e foi enterrado na cidade mineira de Paraopeba.

Poeta Paulo Eiró
Paulo Francisco Emílio de Sales, o poeta Paulo Eiró, nasceu, quando Santo Amaro era Município, em 15 de abril de 1836, filho de Francisco das Chagas e Maria Angélica. Seu pai era o Professor Antônio Francisco das Chagas, que foi também o primeiro Presidente da Comarca de Santo Amaro. Precoce, Paulo Eiró foi poeta, dramaturgo de notável talento e, quando ainda nem despontavam os liberais mais ousados, ele já demonstrava consciência plena do problema racial e da questão republicana. Foi aluno da Faculdade de Direito do Largo São Francisco e do Seminário. Lá, notabilizou-se pelo conhecimento profundo e original da teologia. Chamou a atenção dos seus professores e superiores hierárquicos. Devido suas inclinações por teorias políticas mundanas, Paulo Eiró foi convidado a retirar-se do Seminário.

Depois de ter sofrido uma desilusão amorosa e passado por alguns momentos de crises. Em um domingo, pela manhã, ele encontra o portão aberto, atravessou a Vila e entrou na Igreja de Santo Amaro. Era hora da missa e todos estavam presentes e sem que a sua família notasse ele começou a interferir no que o padre falava. Todos ficam pasmos ao ver sua ousadia de falar durante a Santa Missa, seu pai, leva-o de volta para casa mas só a toma consciência que era hora de interná-lo quando ele quebra um crucifixo. Em maio de 1866, Paulo Eiró, aos 31 anos, foi internado no Hospício dos Alienados que se localizava na várzea do Carmo na Rua Tabatinguera em São Paulo. Durante 5 anos ele definha, entre crises de demência e lucidez. Mas sua família também foi acabando, seu pai morreu em 1867 e sua escrava Ana em 1869. Então no dia 27 de junho de 1871 faleceu no Hospício dos Alienados, de meningite, aos 36 anos de idade.

Artista Plástico Julio Guerra
Nascido em 1912, na cidade de Santo Amaro e descendente de uma família ilustre, Julio Guerra tinha em seu círculo de convívio social a elite do bairro. Cursou e formou-se na Escola de Belas Artes de São Paulo. Porém, o sentido que dá para suas obras é construir um lugar mais próximo da cultura do povo, propondo-se a manter sua ligação com seu lugar de origem e preocupando-se tão somente em fazer uma arte, voltada para o povo e que pudesse ser compreendida pelo povo. Este talvez seja o aspecto mais estimulante e menos compreendido da obra de Júlio Guerra. Um marco importante na carreira de Julio Guerra, foi o trabalho que realizou como assistente de Victor Brecheret, ajudando-o na construção do Monumento ao Duque de Caxias (Parque Ibirapuera). Outro aspecto curioso está em um pequeno livro, onde ele escreveu e reescreveu ao longo de 20 anos. Mesmo após o livro ficar pronto, Julio Guerra mandou imprimi-lo e não satisfeito com que já estava escrito, continuou acrescentando e até carimbando novos trechos inteiros em cima das páginas prontas.

Em 1963, o bandeirante Manoel Borba Gato foi homenageado com o monumento, que utilizou trilhos de bonde para compor a estrutura, revestida com pedras de basalto e mármore. A estátua mede 10m de altura e pesa 20 toneladas. Além da Estátua do Borba Gato, outros monumentos públicos criados pelo artista são: Monumento aos Romeiros (em frente à Casa de Cultura), O Barbeiro Anedes (em frente à Biblioteca Prestes Maia); Iguatinga (homenagem a Paulo Eiró, retratando na forma de uma ninfa o espírito de um riacho junto ao qual o poeta refletia em versos românticos sobre suas desditas), Estátua de São Paulo (em frente ao Shopping Morumbi), Mãe Preta (no Largo do Paissandu), Mural a Paulo Eiró (em frente ao teatro de mesmo nome). Julio Guerra morreu em 21 de janeiro de 2001, aos 89 anos de câncer.

Ator Raul Cortez
Raul Christiano Machado Cortez, nasceu no dia 28 de agosto de 1932, na região de Santo Amaro, cresceu com três irmãos e duas irmãs numa família estável de classe média. Passou a infância num casarão, então um subúrbio rural da capital paulista. De família tradicional espanhola, aos 22 anos começou sua carreira artística em teatro e cinema, contrariando principalmente seu pai – um advogado – que não se convenceu ao ver o filho trocando a advocacia pelos palcos. Consumada a opção, o pai nunca o perdoou e, por isso, nunca assistiu a uma interpretação de Cortez.

A sua obra marcou a história da dramaturgia brasileira, ator de teatro, cinema e televisão, em 50 anos de carreira, participou de mais de 20 peças e de 30 filmes. Nos palcos, representou protagonistas ou personagens essenciais de obras clássicas ou de vanguarda, conquistou fama junto a um público mais amplo ao participar de telenovelas, na Rede Globo. Na telinha, protagonizou personagens inesquecíveis como os italianos Jeremias Berdinazi, em "O Rei do Gado" (1996), e Francesco Magliano em "Terra Nostra" (1999).

Raul Cortez foi casado com a atriz Célia Helena e a promoter Tânia Caldas, e teve duas filhas. O ator morreu no dia 18/07/06, com 73 anos de idade , vítima de um câncer na região abdominal.